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出版者:Glencoe/Mcgraw-Hill

作者:Gene A. Mittler

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1992-06

价格:USD 179.96

装帧:Hardcover

isbn号码:9780026622837

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
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《时间的褶皱：人类文明的艺术史观》 书籍定位： 一部深入剖析人类艺术发展轨迹，探讨艺术与社会、哲学、技术之间复杂关联的宏大叙事。本书旨在超越传统的流派划分和风格罗列，以时间为经，以思想为纬，勾勒出艺术如何成为人类感知世界、记录历史、表达存在的独特介质。 第一部分：蛮荒的回响与信仰的初形（史前至古典转型期） 本章从人类最早的洞穴壁画讲起，追溯艺术在生存、仪式和巫术中的原始功能。我们不再将拉斯科或阿尔塔米拉的图像视为单纯的“狩猎记录”，而是探究其背后深层次的符号系统与早期宇宙观。重点分析了新石器时代陶器和巨石建筑（如巨石阵）所体现的社群组织、天文观测能力与对永恒的渴望。 随后，视野转向美索不达米亚和古埃及。探讨了苏美尔人对“神权政治”的视觉表达（如乌尔王陵的发现），以及埃及艺术如何通过严格的“法典化”风格，服务于来世信仰和法老的永恒统治。这里，我们将艺术视为一种强大的社会稳定器和意识形态工具。 进入爱琴文明，我们关注米诺斯文明（克里特岛）的自然主义倾向与地中海的生命力，与迈锡尼文明（伯罗奔尼撒半岛）军事化、纪念碑式的风格形成对比。 第二部分：理性、尺度与理想的追求（古希腊与古罗马） 希腊艺术是西方美学理性化的基石。本部分将重点剖析古希腊雕塑从古拙时期（Archaic Kouros/Kore）到古典盛期（如帕特农神庙的雕塑群）的演变。我们不仅讨论“黄金分割”和“人体的理想化”，更深入研究“对位法”在建筑中的运用，以及悲剧精神（Sophecles, Euripides）如何与视觉艺术相互呼应。雅典的民主制度与艺术创作之间的互动关系被置于核心地位。 罗马艺术则被视为希腊形式的继承者和实用主义的创新者。重点分析罗马如何将希腊化的雕塑服务于“帝国叙事”——从共和时期的写实肖像到奥古斯都时代的颂扬性宣传（如《奥古斯都的训诫》）。建筑部分，本书强调了罗马对混凝土技术的掌握及其在公共工程（渡槽、万神庙）中的应用，这标志着艺术开始承担起更广泛的工程学和社会管理职能。 第三部分：光影的转化与精神的内化（中世纪的宗教图景） 拜占庭艺术的辉煌与转型是本章的起点。我们分析了圣像（Icons）在正教信仰中的神学地位，探讨了黄金背景如何象征“非物质性”以及人物面部表情的程式化如何引导信徒进入冥想状态。 随后，进入西欧黑暗时代的艺术复兴（加洛林、奥托时期）对古典遗产的笨拙重构。中世纪盛期（Romanesque）的防御性教堂建筑与朴素的壁画，体现了地方文化与教会权威的结合。 哥特艺术部分将聚焦于“光”的革命。从圣丹尼修道院的彩绘玻璃到沙特尔大教堂的高耸拱顶，艺术如何通过建筑的几何学和色彩的物理性，来诠释上帝的无限与天国的荣耀。文本将细致解析图像学（Iconography）在中世纪普及教育中的核心作用。 第四部分：人性的觉醒与世界的再发现（文艺复兴至巴洛克） 文艺复兴并非简单的“回归古典”，而是人本主义（Humanism）思想在艺术领域的爆发。本书将分阶段论述： 1. 早期文艺复兴（佛罗伦萨）： 重点讨论透视法的科学化（布鲁内莱斯基、马萨乔），以及对人文经典和个体价值的重新肯定。 2. 盛期文艺复兴（罗马/威尼斯）： 达芬奇的科学探索、米开朗基罗对人体“神性”的挖掘，以及拉斐尔对和谐构图的极致追求。 3. 北方文艺复兴： 范·艾克的油画技术革新（对细节的微观捕捉）与杜勒对版画媒介的运用，展示了不同地理环境下对现实主义的表达路径。 巴洛克艺术被视为对文艺复兴和谐的有力反驳和情感的极致张扬。从卡拉瓦乔的戏剧性光影（Tenebrism）到贝尼尼雕塑的“瞬间动态感”，艺术开始服务于反宗教改革（Counter-Reformation）的强烈情感动员。同时，荷兰黄金时代的艺术（伦勃朗、维米尔）则展示了一种面向新兴资产阶级的、对日常生活和内心世界的细腻观察。 第五部分：启蒙的锋芒与革命的浪潮（新古典主义至浪漫主义） 十八世纪，艺术成为思想的辩论场。新古典主义（大卫）如何利用古罗马的道德典范来呼应启蒙运动的理性与公民美德。 浪漫主义则对理性的冰冷进行反击。本章探讨了卢梭的自然观如何影响了风景画（特纳、康德尔），以及艺术对“崇高”（The Sublime）——那种令人敬畏而又恐惧的自然力量——的迷恋。艺术开始表达个体的主观体验、非理性、情感的强度和对异域的向往。 第六部分：工业的冲击与视觉的断裂（十九世纪的现代性开端） 工业革命和摄影术的发明对传统艺术构成了根本性挑战。 写实主义（库尔贝）拒绝了所有宏大叙事，将焦点转向被忽视的劳动阶层。印象派（莫奈、雷诺阿）则不再关注“描绘什么”，而是关注“如何观看”，捕捉光线和瞬间的视觉印象，这与日益加快的城市生活节奏紧密相关。 后印象派（塞尚、梵高、高更）是现代艺术的真正孕育者。塞尚对结构和几何的重构预示了立体主义；梵高的情感宣泄开辟了表现主义；高更对“原始”的追寻则挑战了西方中心论。 第七部分：破碎与重组——艺术的实验场（二十世纪至今） 二十世纪的艺术史是一部关于“媒介的解放”和“定义的瓦解史”。 野兽派的色彩、立体主义对多视角的解构、未来主义对速度和机器的赞颂，共同宣告了传统再现手法的终结。达达主义对“意义”的颠覆，以及超现实主义对潜意识的探索，将艺术的疆域拓展到心理学领域。 抽象艺术（康定斯基、蒙德里安）的成熟，使艺术彻底脱离了对可见世界的模仿。二战后，美国主导的行动绘画（波洛克）和波普艺术（安迪·沃霍尔）对消费文化和大众媒体的挪用，标志着艺术对自身的身份焦虑达到了顶峰。 结语：后现代的回响与未来的拓扑 本书最后审视了后现代主义对宏大叙事的怀疑，以及当代艺术如何拥抱全球化、数字技术（从视频艺术到生成艺术）和身份政治。艺术不再是单一的“杰作”，而是文化交流中的一个动态节点。本书旨在引导读者理解：艺术史不是一条直线，而是一系列对存在、时间、感知和权力的复杂回应。

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最后，《Exploring Art》这本书的整体阅读体验非常令人愉悦。作者的叙事风格流畅而引人入胜，她能够将复杂的美术史知识用通俗易懂的语言表达出来，同时又不失深度和专业性。书中精美的图片配饰，更是为我的阅读增添了无限的乐趣，每一幅画作、每一件雕塑，都经过精心挑选，并且配以详尽的文字说明，让我能够更直观地感受艺术的魅力。我尤其喜欢书中穿插的一些艺术家访谈和创作故事，这些内容让艺术家们更加鲜活和真实，也让我对他们的创作过程有了更深入的了解。作者在分析作品时，不仅仅关注了艺术史的背景和流派的归属，更注重挖掘作品背后所蕴含的情感、思想和社会意义，这种人文关怀让艺术不再是枯燥的知识，而是充满生命力的表达。这本书不仅拓展了我的艺术视野，更培养了我欣赏和理解艺术的能力。读完这本书，我感觉自己对艺术的热爱更加浓厚，也更有信心去探索和发现更多属于自己的艺术体验。这本书绝对是任何对艺术感兴趣的人的必读之作，它是一扇通往艺术世界的窗户，打开后，你会发现一个无限精彩而充满惊喜的世界。

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《Exploring Art》在探讨当代艺术时，展现了一种更加开放和包容的态度。作者并没有试图给当代艺术下一个明确的定义，而是通过介绍各种不同的艺术形式和创作理念，引导读者去思考艺术的本质和其在当今社会中的作用。她介绍了装置艺术、行为艺术、影像艺术等新兴的艺术媒介，并分析了这些艺术形式如何通过空间、时间、以及观众的参与来创造独特的艺术体验。例如，她对某位艺术家利用废弃物品创作的大型装置的描述，让我看到了艺术是如何与社会议题和环境保护相结合的。行为艺术部分，她重点介绍了艺术家们如何通过自己的身体作为媒介，来表达某种观点或引起观众的思考，这种艺术形式的短暂性和独特性，让我对艺术的理解更加多元。影像艺术的出现，则将电影、录像等媒介融入到艺术创作中，艺术家们通过影像的叙事和视觉的冲击力，来探索更深层次的社会和文化问题。她还介绍了不同国家和地区的当代艺术发展，展现了全球化背景下艺术的多元文化交流和融合。这本书让我看到了艺术的边界是如何不断被打破和重塑的，也让我对未来艺术的发展充满了期待。

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《Exploring Art》在描绘巴洛克和洛可可时期艺术时，色彩运用和语调都变得更加华丽和奔放。作者以一种令人目眩神迷的方式，展现了那个充满戏剧性和情感张力的时代。她对巴洛克艺术的解读，重点突出了其宏伟、动感和强烈的视觉冲击力。卡拉瓦乔的光影运用，她描述得如同戏剧舞台上的聚光灯，将人物的情感和戏剧性推向极致，这种“明暗对照法”让我感受到了艺术的强烈感染力。贝尼尼的雕塑，在她笔下则充满了动态的美感和情感的释放，无论是《圣特雷莎的狂喜》中人物身体的扭曲和表情的张力，还是《阿波罗与达芙妮》中植物与人体的奇妙结合，都展现了艺术家对瞬间动态的捕捉和对情感的深刻洞察。书中还介绍了鲁本斯、伦勃朗等大师的作品，以及他们所代表的不同艺术风格。而到了洛可可时期，作者的笔触则变得更加轻盈、优雅和充满趣味。她对法国凡尔赛宫的描述，让我感受到了那个时代贵族生活的精致和奢华，那些细腻的装饰、柔和的色彩和优雅的人物造型，都充满了浪漫主义的气息。她还介绍了华托、布歇、弗拉戈纳尔等艺术家的作品，这些作品往往描绘的是田园牧歌式的场景、轻松愉快的社交活动和柔美的情感表达，充满了感官的愉悦。这本书让我看到了艺术如何从庄严走向华丽，从理性走向感性，展现了不同时代人们对生活和美的不同追求。

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这本书的名字叫《Exploring Art》，我最近读完它，感觉像是开启了一段奇妙的艺术之旅。首先，我被这本书的装帧设计深深吸引了，封面色彩的运用恰到好处，既有艺术感又不失现代感，拿在手中就有一种想要翻开细细品读的冲动。翻开第一页，便是一段引人入胜的序言，作者以一种极其个人化和真诚的语调，阐述了她创作这本书的初衷，以及她对艺术的理解和热爱。这不仅仅是一本介绍艺术史的教科书，更像是一位知心朋友在娓娓道来她心中的艺术世界。书中对早期人类的洞穴壁画进行了深入的探讨，那些古老的图像不仅仅是简单的记录，更是先民们对自然、对生命、对神秘力量的敬畏与表达。作者用生动的语言，将那些沉睡了数千年的壁画重新赋予了生命，让我仿佛置身于那个遥远的时代，感受着祖先们最原始的艺术冲动。从非洲的岩画到欧洲的史前洞穴，再到亚洲的古老符号，她都信手拈来，并且能将不同地域、不同文化背景下的艺术形式巧妙地联系起来，揭示出其中共通的人类情感和思维方式。我尤其欣赏她对不同艺术媒介的细致分析，无论是雕塑、绘画、还是早期的手工艺品，她都能从材质、技法、到象征意义进行层层剖析，让我看到了艺术背后隐藏的丰富信息。读完这一部分，我对艺术的起源有了全新的认识，不再只是冷冰冰的历史事件，而是充满了生命力和人性的光辉。

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《Exploring Art》在进入18世纪和19世纪的艺术变革时，内容变得更加丰富和具有批判性。作者对新古典主义的解读，强调了其对古典艺术的回归和对理性、秩序的推崇。她介绍了雅克-路易·大卫的作品，如《马拉之死》、《拿破仑跨越阿尔卑斯山》，这些作品不仅在构图和色彩上具有古典风格，更承载着强烈的政治和社会理想，展现了艺术家对历史事件的解读和对民族精神的呼唤。紧接着，书中对浪漫主义的描写充满了激情和想象力。德拉克洛瓦的《自由引导人民》在她笔下，成为了一幅充满力量和象征意义的杰作，我感受到了革命的热情和人民的斗志。戈雅的画作，则展现了艺术家对战争、恐惧和人性的深刻反思，那些阴郁的色彩和扭曲的人物形象，让我看到了艺术在揭示现实残酷性方面的力量。然后，她详细阐述了现实主义的兴起，库尔贝的作品，如《石工》，在她看来，是艺术家对社会底层人民生活的真实记录和对现实不公的挑战。这本书让我看到了艺术是如何与社会变革紧密相连的，艺术家们不再仅仅是美的创造者，更是思想的表达者和社会的观察者。她对不同艺术流派的兴衰及其相互影响的分析，都让我对艺术史的发展有了更深刻的认识，感受到了艺术在时代变迁中的独特作用。

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《Exploring Art》在介绍20世纪中期和后期的艺术时，内容变得更加抽象和概念化。作者以一种清晰而富有洞察力的方式，解读了抽象表现主义、波普艺术、极简主义等重要的艺术运动。她对抽象表现主义的描绘，让我感受到了艺术家们在画布上进行的大胆探索，如波洛克的“滴画”，她描述得如同将情感直接倾泻在画布上，展现了艺术家对身体运动和偶然性的运用。罗斯科的色块，则通过色彩的纯粹性来引发观者的深刻思考和情感共鸣。接着，书中对波普艺术的介绍，让我看到了艺术如何与大众文化相结合。安迪·沃霍尔的作品，她描述得如同将日常生活中的流行元素转化为艺术，这是一种对艺术边界的拓展，也反映了当时的社会消费文化。她还介绍了贾斯培·琼斯、罗伯特·劳森伯格等艺术家的作品，他们将日常物品和符号融入到艺术创作中，挑战了传统的艺术观念。极简主义的出现，则将艺术推向了更加纯粹的物质性和概念性。她对唐纳德·贾德、索尔·勒维特等艺术家的介绍，让我看到了艺术是如何通过简洁的几何形态和对材料本身的关注来引发思考。这本书让我看到了艺术的定义是如何不断被拓展和重新定义的，也让我对当代艺术的多元化和实验性有了更深的认识。

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进入文艺复兴时期，《Exploring Art》的书写风格变得更加明快和充满激情。作者以极其详尽和引人入胜的方式，介绍了那个艺术史上璀璨的时代。她笔下的艺术家们，如达芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔，不再是遥不可及的天才，而是充满血肉和情感的个体。书中对达芬奇的《蒙娜丽莎》的分析，不仅仅停留在其神秘的微笑上，更深入探讨了其绘画技巧、色彩运用以及当时社会对女性的审视。我被作者对米开朗琪罗《大卫》的解读所折服，她描述了艺术家在创作过程中如何克服材料的限制，如何赋予石头生命，以及这件雕塑所蕴含的理想化人体美和人文主义精神。拉斐尔的画作，在她笔下则充满了和谐、宁静和理想化的美感，特别是她对《雅典学院》的分析，让我看到了文艺复兴时期对古典哲学和知识的推崇，以及艺术家们如何将这些思想融入到艺术创作中。除了这三位巨匠，书中还介绍了波提切利、提香等其他重要艺术家的作品，以及佛罗伦萨、威尼斯等艺术中心的发展。她对透视法的运用、解剖学的知识在绘画中的体现、以及油画技法的进步都进行了清晰的阐述。这本书让我明白了文艺复兴不仅仅是一场艺术的革新，更是一场思想和文化的解放，是人类对自身价值的重新发现。

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《Exploring Art》在叙述中世纪艺术时，展现了一种截然不同的风格和氛围。作者并没有将这一时期简单地概括为“黑暗时代”，而是通过对不同时期、不同地区艺术特点的细致描绘，展现了其内在的丰富性和多样性。从早期的凯尔特艺术和盎格鲁-撒克逊艺术中，我看到了精美绝伦的金属工艺和充满象征意义的装饰图案，它们虽然具有鲜明的民族特色，但同时也透露出一种神秘的宗教情怀。拜占庭艺术部分，作者对马赛克镶嵌画的描绘尤为精彩，那些金碧辉煌的色彩和庄严肃穆的人物形象，营造出一种神圣而庄严的宗教氛围，让我深刻理解了拜占庭艺术的宗教功能和象征意义。接着，书中详细介绍了罗马式建筑和哥特式建筑的演变。她不仅解释了两种风格在建筑结构上的差异，更着重分析了它们在视觉效果和精神内涵上的不同。罗马式建筑的厚重、坚固和半圆形拱顶，给人一种稳定和安全的感觉；而哥特式建筑的高耸、尖锐和飞扶壁，则将人们的目光引向天空，营造出一种向上飞升的宗教虔诚感。作者还对中世纪的插画、雕塑和手抄本进行了详尽的介绍，让我看到了当时艺术家们在极端条件下依然保持的创造力和精湛技艺。特别是对哥特式雕塑中人物表情和动作的细致刻画，已经开始显露出对人性化的关注，为后来的文艺复兴埋下了伏笔。

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《Exploring Art》在探讨19世纪后期和20世纪初的艺术时，内容开始呈现出更加多元化和实验性的特点。作者对印象派的解读，让我感受到了前所未有的视觉冲击。莫奈的光影变幻，她描述得如同捕捉流动的光线，对色彩的运用打破了传统的束缚，让画面充满了生命力和瞬间的感知。雷诺阿笔下的人物，则充满了温暖和生活的气息，那些柔和的色彩和生动的表情，让我看到了艺术家对美好生活的赞美。书中还介绍了梵高、高更等后印象派艺术家的作品。梵高的炽烈情感和独特的笔触，她描述得如同燃烧的火焰，让我感受到了艺术家内心的挣扎和对生命的热情。高更的色彩运用和象征意义，则将我带入了神秘的东方世界和对原始艺术的探索。然后，她深入介绍了野兽派、立体主义、表现主义等现代艺术流派的起源和发展。毕加索的立体主义，她解释得如同将物体分解重组，打破了传统的视角，展现了艺术家对多维空间的探索。马蒂斯的野兽派，则以其大胆的色彩和平面化的构图，展现了艺术家对纯粹色彩的追求。这本书让我看到了艺术是如何突破传统的藩篱，走向更加自由和个性化的表达，也让我对现代艺术的理解更加深刻。

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继续深入阅读《Exploring Art》，我被作者对古典艺术时期的解读深深震撼了。她笔下的古希腊和古罗马艺术，不再是教科书上那些僵硬的石膏像和模糊的壁画，而是鲜活的人物，充满了力量和美感。她详细介绍了古希腊雕塑如何从早期的程式化走向对人体比例和动态的极致追求，从“库洛斯”的严谨到“米洛的维纳斯”的优雅，每一个时期的转变都充满了艺术家的探索精神。作者在分析这些雕塑时，不仅仅关注了美学上的突破，更深入挖掘了它们所承载的哲学思想和当时的社会价值观。例如，她对帕特农神庙雕塑群的解读，让我理解了当时雅典人对和谐、秩序、以及理想化人体的追求。而罗马艺术，在继承希腊艺术的基础上，更增添了一份写实主义和实用主义的色彩，从宏伟的建筑到写实的肖像雕塑，都展现了罗马帝国强大的国力和卓越的工程技术。作者对罗马时期壁画和马赛克的描述也极其精彩，那些色彩斑斓的图案和生动的人物形象，让我想象着当时贵族生活和公共空间的装饰风格。她还特别提到了罗马时期的城市规划和公共建筑，比如斗兽场和万神殿，这些建筑不仅仅是工程的奇迹，更是当时罗马文明的象征，蕴含着强烈的时代精神。阅读过程中，我仿佛穿越时空，亲身感受到了古典艺术的辉煌与魅力，以及它们对后世艺术产生的深远影响。

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