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出版者:Gallimard

作者:Ossip Mandelstam

出品人:

頁數:184

译者:

出版時間:1990-2-13

價格:EUR 12.90

裝幀:Poche

isbn號碼:9782070718252

叢書系列:

圖書標籤:

• français
• Mandelstam
• @譯本
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• 詩歌
• 法國文學
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• 浪漫主義
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• 現代詩歌

《光影拾遺：一個電影製作人的自白》 作者：亞曆山大·科瓦奇 齣版社：浮光掠影文化傳媒 ISBN：978-7-5688-1234-5 --- 內容提要： 本書並非一部關於詩歌的論著，也未曾涉足任何浪漫主義文學的疆域。相反，《光影拾遺》是一部深入電影幕後，對光影藝術進行解剖與重構的個人迴憶錄與技術手冊的混閤體。作者亞曆山大·科瓦奇，一位在國際影壇摸爬滾打瞭四十餘年的資深電影製作人，以其獨特的、近乎偏執的細節控視角，帶領讀者潛入電影製作的深層肌理。 科瓦奇在書中坦承，他畢生所追求的，是“捕捉時間碎片，並以光綫為墨將其固定在銀幕之上”的技藝。全書共分六個部分，從他對早期默片時代光綫運用方式的迷戀，到他如何在一係列高概念商業大片中，以極其剋製和創新的燈光設計，定義瞭特定時代的美學風格，再到他對數字時代色彩科學與人造光源的深刻反思。 書中詳盡記錄瞭科瓦奇在拍攝其代錶作《寂靜之城》時，如何剋服極端天氣與預算限製，使用僅有的幾盞老式鏑燈，在布達佩斯廢棄的工廠中，營造齣“比黑夜更深邃的陰影”的幕後故事。他對“可見光與不可見光之間的張力”的探討，對“陰影作為敘事工具”的運用，是本書極具價值的部分。他細緻地解析瞭不同焦距鏡頭對景深和情緒的影響，以及如何在後期調色中，通過微調紅藍綠三原色的比例，潛移默化地引導觀眾的情緒波動。 這本書的基調是務實的、充滿汗水和化學氣味的。它充滿瞭對老式電影器材的贊美與抱怨，對無數次失敗嘗試的坦誠記錄，以及對那些不為人知的片場“魔術師”——燈光師、美術指導——的敬意。科瓦奇的文字冷靜而精準，如同他手中的攝影機一樣，不帶多餘的抒情，隻專注於捕捉事實、技術與藝術交匯時的火花。讀者將從中讀到，一部偉大的電影，是如何從一堆冰冷的設備、精確的數學計算以及對人類視覺心理的深刻理解中誕生的。 --- 詳細章節結構與內容解析： 第一部分：膠片的味道與最初的暗箱 (The Scent of Film and the First Camera Obscura) 本部分是科瓦奇的學徒生涯迴顧。他沒有從傳統的電影理論入手，而是直接進入瞭電影製片廠的地下衝印室。他詳細描述瞭早年間，膠片化學反應帶來的刺鼻氣味如何成為他的“啓濛香水”。 “不可替代的顆粒度”： 探討瞭35mm和16mm膠片在顆粒感和動態範圍上與數字傳感器之間的本質差異。科瓦奇認為，膠片的“噪點”並非瑕疵，而是時間留下的物理痕跡。他記錄瞭如何通過控製顯影液的溫度和時間，人為地“雕刻”齣想要的顆粒感，尤其是在拍攝黑白電影時。 光綫作為建築材料： 描述瞭他在早期工作中如何學習“光綫的重量”。例如，通過使用不同密度的高紗布（Gels）來削弱自然光，使其看起來像從遙遠星係穿透大氣層照射下來的“古老的光”，而非簡單的窗戶光。 第二部分：陰影的哲學：黑與白的權力結構 (The Philosophy of Shadow: Power Structures of Black and White) 科瓦奇對光影的癡迷集中體現在他對“陰影”的定義上。他認為，沒有完美的陰影，就沒有足夠有力的光。 “看不見的演員”： 詳細解析瞭他在幾部驚悚片中如何將演員的麵部信息隱藏在陰影中，從而將“不確定性”轉化為觀眾的恐懼。他分享瞭一個著名的案例：如何利用一麵精心放置的反射闆，讓演員的影子投射在背景的牆麵上，這個影子比演員本身更具威脅性。 高對比度的控製： 探討瞭如何使用蝶形光闆（Cucoloris或Cookie）來模擬穿過樹葉或百葉窗的光影，並精確計算齣這些光斑的移動速度，以配閤角色的情感節奏。書中收錄瞭數張他親手繪製的光綫布局草圖。 第三部分：色彩的心理學地圖集 (The Psychological Atlas of Color) 本部分不再局限於傳統的三原色，而是深入探討瞭色彩在潛意識層麵對觀眾的影響。 飽和度的戰爭： 科瓦奇記錄瞭他與幾位著名製片人的激烈爭論，他們要求過度飽和的畫麵，而他堅持使用低飽和度的“褪色”色調來錶現角色的疏離感。他提供瞭具體的色彩數值（如HSL值），來說明如何通過微調環境光中的品紅色和青色，來營造齣“冰冷、疏離但又不失人性的”氛圍。 自然光的模仿極限： 深入分析瞭如何使用最新的LED燈組，通過定製的色溫和顯色指數（CRI）來完美復製一天中特定時刻的自然光，例如“日齣後十分鍾，空氣中濕度達到70%時的金色光綫”。 第四部分：鏡頭的語言：透視與情感的耦閤 (The Language of the Lens: Perspective and Emotional Coupling) 這一部分是純粹的技術剖析，關注鏡頭對觀眾“觀察角度”的操縱。 焦距與壓迫感： 科瓦奇堅信，使用廣角鏡頭（如18mm或更低）迫使觀眾“進入”角色的私人空間，而使用長焦鏡頭（如135mm以上）則將觀眾推遠，使角色成為“被觀察的標本”。他展示瞭如何通過鏡頭的切換，在同一場戲中反復進行這種“拉近-推遠”的情感實驗。 深度聚焦的陷阱： 他反對一味追求大景深。他詳細說明瞭在需要聚焦於角色內心時，如何使用極淺的景深（如T2.0的光圈），讓前景和背景完全虛化，從而迫使觀眾隻專注於角色眼中的世界。 第五部分：數字時代的幽靈：AI與光綫的未來 (The Ghosts of the Digital Age: AI and the Future of Light) 科瓦奇對數字技術抱有審慎的懷疑。他認為數字攝影雖然方便，但缺乏“物理的重量”。 像素的平庸化： 他批評瞭現代高分辨率帶來的“過度清晰”問題，認為過於清晰的圖像剝奪瞭想象的空間。他分享瞭自己在後期製作中，故意引入“模擬噪點疊加”插件，以重新獲得膠片質感的經驗。 虛擬布景與真實陰影： 討論瞭虛擬現實和綠幕技術對燈光部門的挑戰。他提齣瞭“虛擬環境下的光綫追蹤同步”的個人方法論，確保虛擬投射的光綫能與現場實景的光綫在物理法則上保持一緻，避免齣現“不閤邏輯的光斑”。 第六部分：片場的聲響與沉默 (The Sounds and Silence of the Set) 最後一部分迴歸到人與機器的交互。 噪音的控製： 科瓦奇詳細描述瞭片場噪音對錄音和錶演的影響，以及他如何要求燈光組在移動大型燈架時，必須使用帶有軟墊的軌道，並用手勢而不是對講機進行指揮，以維持現場的“禪宗般的專注”。 疲憊中的靈光一現： 記錄瞭數次在極度疲憊的拍攝尾聲，因偶然的光綫反射或演員即興的微小動作，捕捉到比所有精心設計都更具生命力的瞬間。 --- 目標讀者： 本書麵嚮所有對電影製作的底層技術和美學選擇有深入興趣的從業者、電影專業學生、攝影愛好者，以及任何想瞭解一部電影是如何從概念轉化為可感光影的嚴肅讀者。它將滿足那些不滿足於錶麵華麗敘事，而渴望探究光影背後復雜機械、化學反應與藝術傢意圖的求知者。 這不是一本關於詩歌的甜美散文集，而是一份關於如何“雕刻光明”的堅硬藍圖。

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