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出版者:Blume

作者:Ian Driver

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2002-4-1

价格:USD 14.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9788480763974

丛书系列:

图书标签:

• 舞蹈史
• 阿根廷舞蹈
• 探戈
• 文化史
• 社会史
• 20世纪
• 拉丁美洲
• 历史
• 艺术
• 音乐

《百年舞步：时代变迁与肢体叙事》 引言： 舞蹈，作为人类最古老、最直接的表达方式之一，穿越时空，见证并记录着社会的每一次脉动。它不仅仅是身体的律动，更是情感的倾泻、文化的传承、思想的碰撞。从古老的祭祀仪式到现代的舞台艺术，舞蹈以其独特的肢体语言，书写着人类历史的篇章。本书《百年舞步：时代变迁与肢体叙事》将带领读者踏上一段跨越一个世纪的舞蹈之旅，探寻在这个快速变革的时代里，舞蹈如何反映、塑造并回应着人类社会的面貌。我们将深入剖析不同时期、不同文化背景下的舞蹈形式，挖掘其背后蕴含的社会、政治、经济、性别及个人情感的复杂交织，展现舞蹈作为一面镜子，折射出时代变迁的万千气象。 第一章：世纪之初的优雅与变革（1900-1920） 二十世纪初，世界正经历着工业革命的余波和新思潮的涌动。在舞蹈领域，传统的古典芭蕾依然占据主流，以其严谨的技巧、优雅的姿态和讲述的叙事，在沙龙和歌剧院中绽放光彩。然而，一股暗流也在涌动。女性身体的解放、对束缚的挑战，以及对自然、自由的向往，催生了对传统舞蹈形式的反思。 古典芭蕾的黄金时代与暗淡序曲： 这一时期，玛丽·泰丽翁（Marie Taglioni）、凡妮莎·玛莉（Fanny Elssler）等芭蕾巨星的光辉依然照耀着舞台，但对形式主义的追求也带来了僵化的风险。精致的服装、繁复的舞步，以及对身体极致的控制，构成了古典芭蕾的辉煌，但也逐渐显露出与时代精神脱节的迹象。 现代舞的萌芽： 在这一背景下，伊莎朵拉·邓肯（Isadora Duncan）如同一道闪电，冲破了古典芭蕾的藩篱。她赤脚在舞台上起舞，以希腊雕塑和自然为灵感，用自由奔放的身体表达情感的真实。她的舞蹈，是对压抑已久的身体的解放，是对个体内在情感的颂扬，也是对社会规范的无声反叛。艾斯朵拉·弗林特（Isadora Duncan）的理念，强调舞蹈的自然流动和情感的直接传递，为后来的现代舞发展奠定了基石。 社交舞的转型： 维多利亚时代的庄重与拘谨开始瓦解，取而代之的是更加活泼、自由的社交舞。华尔兹（Waltz）依然流行，但探戈（Tango）的激情与神秘、狐步（Foxtrot）的轻快与洒脱，开始席卷舞厅。这些舞蹈不仅仅是娱乐，更是社会交往的新方式，折射出人们对情感表达和身体接触的开放态度。 第二章：动荡年代的舞步回响（1920-1940） 两次世界大战的硝烟，以及随之而来的经济萧条和政治动荡，深刻地影响了社会的面貌，舞蹈也因此被打上了时代的烙印。在经历过战火的洗礼后，人们对生命有了更深的体悟，对现实有了更尖锐的观察，这些都在舞蹈中得到了体现。 表现主义与心理的掘进： 战后欧洲的动荡不安，催生了表现主义艺术。在舞蹈领域，康拉德·马尤（Konrad Mayr）等舞者和编舞家，开始深入挖掘人类内心的黑暗、恐惧和焦虑。他们的舞蹈，往往肢体扭曲、动作夸张，充满了象征意义，试图将潜意识中的情感和冲突具象化，展现出心理世界的复杂与挣扎。 爵士乐的崛起与舞蹈的革命： 爵士乐作为二十世纪初最具有代表性的音乐形式之一，与舞蹈密不可分。摇摆（Swing）、查尔斯顿（Charleston）、林迪霍普（Lindy Hop）等爵士舞，以其即兴、活力和强烈的节奏感，征服了无数舞者。这些舞蹈不仅在娱乐场所流行，也成为青年群体反叛传统、追求自由的象征。它们打破了以往舞蹈的僵化模式，更加强调个体的创造力和互动性。 集体主义与政治的舞蹈： 在一些国家，舞蹈被赋予了政治色彩。大型的集体舞蹈、工人舞、革命舞等形式，旨在展现集体的力量、团结的精神，以及对革命理想的追求。这些舞蹈往往具有鲜明的宣传性和鼓动性，是意识形态在肢体上的直接体现。 第三章：战后重建与文化多元（1940-1960） 第二次世界大战结束后，世界进入了漫长的冷战时期，但也迎来了经济的复苏和文化的繁荣。舞蹈也呈现出新的面貌，既有对战前经典的继承与发展，也有对全新艺术形式的探索。 现代舞的成熟与流派分化： 战后的现代舞迎来了黄金时期，马莎·葛兰姆（Martha Graham）、多丽丝·亨普（Doris Humphrey）、霍金斯（Hawkins）等大师辈出。他们的作品更加成熟，技巧更加精湛，对身体语言的运用也更加深入。同时，现代舞内部也开始出现流派分化，例如以葛兰姆为代表的强调情感表达的流派，以及以荷顿（Lester Horton）为代表的更加注重身体技巧和普适性的流派。 百老汇的歌舞升平： 以音乐剧为代表的百老汇歌舞，在这一时期大放异彩。融合了音乐、戏剧和舞蹈的《俄克拉荷马！》（Oklahoma!）、《南太平洋》（South Pacific）等作品，以其流畅的叙事、动听的旋律和精彩的舞蹈编排，征服了全球观众。百老汇的舞蹈，不仅具有观赏性，更在推动故事情节发展、刻画人物性格方面发挥了重要作用。 芭蕾的复兴与创新： 战后，古典芭蕾在世界范围内迎来复兴。乔治·巴兰钦（George Balanchine）等编舞家，将芭蕾带入了新的高度，他大胆的创新，将古典芭蕾的技巧与现代的节奏、音乐相结合，创作出了大量风格独特的作品，被誉为“新古典芭蕾”的代表。 第四章：反叛、解放与实验（1960-1980） 二十世纪六十年代和七十年代，是全球性的社会变革时期。学生运动、民权运动、女权运动此起彼伏，人们对权威的挑战、对自由的渴望，在舞蹈领域也得到了淋漓尽致的展现。 后现代舞的崛起： 作为对现代舞的进一步反思和解构，后现代舞（Postmodern Dance）诞生。艺术家们开始质疑舞蹈的定义，挑战表演的界限。诸如默斯·坎宁汉（Merce Cunningham）等艺术家，将舞蹈与音乐、舞台设计分离，强调舞蹈的自主性，并探索随机性、日常动作等新的创作手法。他们将观众的视角从叙事和情感转移到纯粹的身体运动本身。 街舞文化的兴起： 在城市底层社区，一种充满活力和创造力的街头舞蹈形式——街舞（Street Dance）——逐渐形成。霹雳舞（B-boying）、锁舞（Locking）、放克舞（Funking）等，以其自由、即兴、酷炫的风格，迅速在全球范围内传播。这些舞蹈源于街头，根植于生活，反映了青年群体的个性和反叛精神。 身体的自由与实验： 这一时期，舞蹈更加注重身体的探索和实验。艺术家们开始尝试各种非传统的舞姿、动作和编排方式，例如运用重力、摩擦、碰撞等物理原理，探索身体的极限和可能性。舞蹈的边界不断被拓展，模糊了表演艺术与其他艺术形式的界限。 第五章：全球化、科技与新媒介（1980-2000） 全球化进程加速，科技飞速发展，互联网开始渗透到生活的方方面面。这些宏观变化，也深刻地影响了舞蹈的创作、传播和接受方式。 新技术的融合： 计算机技术、影像技术、多媒体技术的应用，为舞蹈创作带来了前所未有的可能性。视频舞（Video Dance）、数字舞蹈（Digital Dance）等新兴形式出现，将舞蹈与影像、虚拟现实等技术相结合，创造出更加丰富多样的舞台体验。 文化交流与融合： 全球化使得不同文化背景的舞蹈形式得以更广泛地交流和融合。世界各地的舞蹈风格不再是孤立的存在，而是相互借鉴、相互启迪，形成了更加多元化的舞蹈景观。东方舞（Oriental Dance）在西方流行，非洲舞蹈（African Dance）在世界各地都有了新的演绎。 商业化与艺术的平衡： 舞蹈的商业化也在这一时期日益显著。商业演出、广告、电影中的舞蹈，既推动了舞蹈的普及，也带来了一些关于艺术纯粹性的讨论。如何在全球化和商业化的浪潮中保持舞蹈的艺术价值，成为了新的挑战。 结论： 《百年舞步：时代变迁与肢体叙事》通过对一个世纪以来舞蹈发展的梳理与分析，旨在揭示舞蹈作为一种动态的艺术形式，是如何与时代同频共振，折射出人类社会的变迁、思想的演进和情感的流转。从古典的优雅到现代的奔放，从战火的洗礼到科技的融合，舞蹈以其独特的肢体语言，书写着人类文明的宏大叙事。每一个舞步，都承载着时代的记忆；每一次跳跃，都可能预示着未来的方向。本书希望通过对这些“百年舞步”的细致解读，引发读者对舞蹈更深层次的理解，以及对人类自身发展轨迹的深刻思考。舞蹈，不仅是肢体的艺术，更是心灵的语言，是历史的活化石，更是连接过去、现在与未来的桥梁。

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这本书的排版和印刷质量，坦白地说，令人费解。纸张采用了粗糙的再生纸，触感上带着一种廉价的砂砾感，与书本内容所试图营造的那种高雅氛围格格不入。更糟糕的是，字体选择非常小，行距也极其紧凑，加上作者偏爱使用长句和复杂的从句结构，使得阅读过程异常费神。我甚至需要借助放大镜才能清晰地分辨一些较小的标点符号。在光线不足的环境下阅读，我的眼睛很快就感到了强烈的疲劳。我理解有些作者可能追求一种“反商业化”、“反大众阅读”的独立精神，但这种对阅读舒适度的漠视，已经严重影响了信息的有效传递。对于一本需要高度集中注意力去理解其复杂思想的作品来说，这种物理上的阅读障碍无疑是雪上加霜。它仿佛在用一种潜意识的方式告诉读者：“如果你不够决心，就不要试图理解我。”

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这部作品的语言风格极其晦涩，充满了大量生僻的专业术语和作者自创的、难以查证的词汇组合。我发现自己不得不频繁地停下来，查阅各种词典，但即便是查阅了相关的哲学或艺术词汇，理解起来依然像是在雾里看花。这种语言上的高墙，使得任何非专业背景的读者都很难真正“进入”作者的世界。而且，作者的语气总是带着一种居高临下的、仿佛掌握了某种独家真理的傲慢感。他很少解释自己的观点，更倾向于直接抛出结论，然后期望读者能够心领神会。这与我通常偏爱的，那种鼓励读者参与讨论、引导性强的写作风格形成了鲜明的对比。读完之后，我不得不承认，我可能只理解了其中百分之三十的内容，剩下的部分，也许只有作者自己才能完全把握。我不知道这是作者的疏忽，还是他刻意为之，但这种难以企及的姿态，让整个阅读体验充满了挫败感。

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拿到这本书时，我正处于一个寻找“即时满足感”的阅读周期，期待着跌宕起伏的情节或者至少是清晰的叙事线索。这本书完全违背了我的预期。它更像是一本被无意中遗落的日记残篇的集合，时间线索错乱，人物关系模糊不清，充满了大量的场景切换，但这些场景往往只存在于模糊的描述之中，缺乏扎实的细节支撑。我甚至怀疑作者是否真的经历过他所描述的那些场景，还是仅仅在脑海中构建了一个极度个人化的，几乎是梦呓般的世界。书中的对话部分尤为令人困惑，人物之间似乎总是在进行一种心照不宣的交流，言语之间留白过多，仿佛读者必须自行脑补所有的背景信息。我不得不频繁地停下来，试图在前后章节中寻找线索来拼凑出一个完整的画面，但每一次努力都只带来更多的疑问。说实话，这阅读体验更像是在解谜，而不是享受故事，最终我放弃了寻找“真相”，转而接受了它这种碎片化的、令人不安的叙事方式，把它当作一首情绪化的、未经修饰的散文诗来对待。

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这本厚重的精装书，封面设计得极其简洁，黑底白字，只印着书名，似乎在刻意营造一种严肃、沉静的氛围。我最初拿起它，是被它那种老派的装帧吸引，以为会是一部关于某个特定历史时期舞蹈艺术的学术专著，或许会深入探讨某个流派的兴衰脉络，或者对某位大师的生平进行细致入微的考据。然而，当我翻开第一页，便意识到我完全误判了。它的文字密度极高，行文风格古典而繁复，仿佛每一个句子都经过了精心的雕琢与打磨，每一个词汇的选择都力求精准，但它讲述的内容却出人意料地——抽象。它似乎在试图构建一个宏大的哲学体系，用舞蹈作为隐喻，探讨人类存在的本质、时间的流逝与记忆的碎片。书中充斥着大量的内心独白和对光影、空间、运动的哲学思辨，读起来像是在阅读一卷古代的神秘手稿，需要极大的耐心去解码作者那层层叠叠的象征意义。它的节奏缓慢得近乎停滞，更像是一种冥想的文本，而不是提供具体故事或清晰论点的读物。我花了数周时间才啃完前三分之一，每一次阅读都像是在进行一场智力上的攀登，汗流浃背却又心神俱醉于那种纯粹的思辨之美。

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让我感到有些失望的是，尽管书名暗示了“舞蹈”这一充满生命力和动感的元素，但书中对舞蹈本身的描写却少得可怜，甚至可以说是不存在的。我期待着看到对舞台灯光下汗水飞溅的描摹，对脚尖与地面摩擦的细致刻画，或者对某个舞蹈动作蕴含的情感力量的剖析。然而，这本书里“舞”的概念似乎完全被抽离了肉体和技艺层面，升华为一种纯粹的、形而上的概念。作者似乎热衷于探讨“运动的哲学意义”，而非“实际的舞蹈实践”。当我翻阅到某个章节标题提及“华尔兹的结构”时，我满怀期待，结果发现里面只用了两三句话提及了转圈的概念，然后迅速转向了对“时间在圆周运动中如何失效”的哲学探讨。这让作为一名业余舞蹈爱好者的我，感到有些被冒犯——这不是一本关于舞蹈的书，而是一本用“舞蹈”这个词汇来包装的、关于形而上学的随笔集。如果不是对这类纯理论探讨有浓厚兴趣，很容易在阅读过程中感到乏味和错位。

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