中国戏曲概论· 中国音乐小史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:时代文艺出版社

作者:吴梅

出品人:

页数:213

译者:

出版时间:2009-5-1

价格:15.00元

装帧:平装

isbn号码:9787538725612

丛书系列:老北大讲义

图书标签:

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《中国戏曲概论· 中国音乐小史》 这部鸿篇巨制，以其独特的视角和深邃的洞察，为读者呈现了一幅波澜壮阔的中国艺术史画卷。作者以宏大的笔触，梳理了中国戏曲自发端至鼎盛，直至现代发展的全过程，同时，又以细腻的笔触，描绘了中国音乐从古至今的演进轨迹。 一、 中国戏曲：一台古老而常新的活态史诗 本书在戏曲部分，并非孤立地罗列各个剧种的起源与发展，而是将其置于整个中国社会文化语境中进行考察。作者首先追溯了戏曲的源头，从先秦的歌舞百戏、汉代的乐府、唐代的参军戏、宋代的杂剧，层层剥茧，揭示了戏曲艺术的萌芽与早期形态。在此基础上，重点阐述了元杂剧的辉煌，不仅详述了其在结构、表演、唱腔等方面的创新，更深入分析了其艺术成就与历史意义，如关汉卿、王实甫等大家的作品是如何反映时代风貌，触动人心。 明清时期，戏曲进入了更加繁荣的时期。本书详细介绍了昆曲的雅致与精致，其唱腔的委婉悠扬，表演的细腻写实，如何成为一时之冠。随后，笔锋一转，深入探讨了地方戏曲的崛起。京剧作为集大成的艺术形式，在徽班进京后，如何融合了崑曲、秦腔、汉调等多种元素，形成了声腔、表演、脸谱、服装等独具特色的体系，成为影响最广的剧种，本书对此进行了详尽的剖析。同时，书中也并未忽视其他重要的地方剧种，如越剧的温婉细腻，豫剧的刚劲有力，黄梅戏的清新质朴，粤剧的南国风情等等，都得到了充分的介绍，展现了中国戏曲艺术的地域多样性与文化丰富性。 更为难得的是，本书并未将戏曲视为僵化的传统，而是关注其在不同历史时期的生命力与演变。作者探讨了清末民初，戏曲如何在新文化运动的冲击下进行改革与创新，以及新中国成立后，戏曲工作者如何继承传统、推陈出新，创作出反映时代精神的优秀剧目。从传统剧目的经典解读，到新编剧目的时代关照，本书都力求展现戏曲艺术的活态传承与发展。 在具体分析戏曲的表演艺术时，作者不仅仅是描述程式化的动作，而是深入挖掘了“唱念做打”的内在逻辑。“唱”的声腔艺术，不同剧种的特色，唱腔与人物情感的契合，都得到了细致的阐述。“念”的台词艺术，如何体现人物性格，如何推进剧情，如何运用语言的节奏与韵律。“做”的肢体表演，程式与写实的结合，如何用动作传达情感与意境。“打”的武打艺术，其技巧、节奏与戏剧冲突的结合，都进行了深入的解析。此外，脸谱、服饰、化妆等视觉元素，在塑造人物、烘托气氛、传达象征意义方面的作用，也得到重点关注。 二、 中国音乐：一部流淌千年的文明脉搏 与戏曲的叙事性不同，中国音乐部分更侧重于对音乐本体的探究，以及音乐与社会、文化、思想的互动。作者从中国音乐的早期遗存出发，如先秦时期的钟磬、琴瑟等乐器，以及《诗经》中的歌谣，勾勒出中国音乐的古老轮廓。 本书系统地梳理了中国古代音乐的乐制、宫调、记谱法等理论体系的形成与发展，如雅乐的规范化，对后世音乐产生了深远影响。随后，重点介绍了不同历史时期音乐的风格特点和代表性乐种。汉代的乐府音乐，如何成为民间音乐与宫廷音乐的融合；唐代的燕乐、俗乐，如何展现出开放包容的气象，吸收外来音乐元素，创造出辉煌的音乐成就。 宋元时期，随着市民阶层的兴起，词乐、诸宫调等新兴音乐形式层出不穷，与戏曲音乐的发展相互促进。本书详细介绍了这些音乐形式的特点，以及它们在当时社会生活中的地位。明清时期，器乐音乐蓬勃发展，江南丝竹、广东音乐等地方器乐流派各具特色。本书对这些器乐的风格、演奏技法、代表作品都进行了介绍。 在近现代音乐的发展方面，本书也给予了足够的关注。作者探讨了西方音乐传入中国后，对中国音乐产生的冲击与融合。如何在新音乐教育体系的建立，如何创作具有民族特色的新音乐，都进行了深入的探讨。从聂耳、冼星海等音乐家的创作，到新中国成立后，不同时期涌现出的优秀音乐作品，本书都进行了梳理和评价。 本书在音乐部分的论述，不仅关注音乐的“声”与“形”，更关注音乐的“意”与“韵”。作者深入分析了中国音乐的哲学思想，如“乐以合神”、“天人合一”等观念对音乐创作与审美的影响。同时，也探讨了音乐在礼仪、祭祀、娱乐、教育等不同社会功能中的体现。 三、 相互辉映，融汇贯通 《中国戏曲概论·中国音乐小史》的另一大亮点在于，它并非将戏曲与音乐割裂开来，而是强调两者之间的紧密联系与相互影响。戏曲离不开音乐，音乐是戏曲的灵魂；而戏曲的盛行，也反过来促进了音乐的发展。本书在论述戏曲的唱腔时，自然会涉及当时流行的音乐元素；在介绍音乐发展时，也会关注音乐在戏曲中的具体运用。这种融汇贯通的写作方式，使得全书结构更加严谨，内容更加充实，也让读者能够更全面地理解中国传统艺术的内在逻辑。 总而言之，《中国戏曲概论·中国音乐小史》是一部集学术性、史料性、思想性于一体的力作。它以其宏大的视野、严谨的考证、深刻的分析，为我们描绘了一幅中国戏曲与中国音乐的宏伟画卷，堪称研究中国传统艺术的必读之作。它不仅是学者们的宝贵参考，也是广大艺术爱好者了解中国深厚文化底蕴的绝佳读物。

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这本书对中国音乐的“地域性”和“民族性”的探讨，是我非常看重的一部分。作者通过对各地特色音乐的介绍，让我看到了中国音乐的丰富多样和深厚的文化根基。从北方的秧歌、锣鼓，到南方的丝竹、戏曲，再到西南地区的少数民族音乐，每一种音乐都承载着当地的风土人情、历史记忆和生活方式。我尤其欣赏作者对少数民族音乐的关注，这些音乐往往保留着更古老、更原始的韵味，展现了中国音乐的另一面。书中对音乐在节庆、祭祀、婚丧嫁娶等各种社会活动中的作用的描写，也让我深刻感受到音乐与中国人民生活的紧密联系。这本书让我意识到，中国音乐是一个多元一体的大家庭，每一种地方性的特色音乐，都是这个大家庭中不可或缺的珍贵组成部分。

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这本书对于中国音乐史的梳理，尤其是在音乐与社会文化之间的互动关系上，给我留下了深刻印象。作者不仅仅是在陈述音乐的演变，更是在探讨音乐如何作为一种社会现象，与政治、经济、宗教、哲学思想等相互影响。我非常赞同作者的观点，即音乐的发展并非孤立存在，而是深深植根于其所处的时代背景之中。例如，他对宋代词乐的分析，不仅介绍了其音乐形态，还深入探讨了词乐与当时文人阶层的审美趣味、生活方式之间的紧密联系。而对明清时期江南音乐的论述，则展现了商品经济发展如何催生了更加丰富多样的音乐形式和表演场所。书中对音乐教育、音乐理论著作的梳理也很有价值，让我看到了中国古代音乐在传承和发展过程中所付出的努力和取得的成就。这本书让我意识到，要真正理解中国音乐，就必须将其置于广阔的社会文化背景下进行考察，这是一种非常宏观而深刻的视角。

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我必须说，这本书在论述中国戏曲的起源和早期发展阶段时，做得尤为出色。作者并没有简单地将戏曲的萌芽归结于某一特定时期或事件，而是通过大量史料的爬梳和分析，展现了一个漫长而复杂的演变过程。从上古时期的巫舞、祭祀活动，到汉代的百戏、乐府杂戏，再到魏晋南北朝的歌舞大曲和唐代的参军戏，作者层层剥茧，揭示了戏曲艺术的多元构成和逐渐融合的趋势。我特别欣赏作者在论述这些早期形式时，对于其与当时社会生活、宗教信仰、娱乐方式等紧密联系的阐释。例如，他对汉代“百戏”的描绘，让我看到了早期表演艺术的包罗万象和娱乐性，而唐代“参军戏”的出现，则预示着戏剧表演中叙事和人物扮演的初步成形。书中对早期戏曲音乐的探讨也十分引人入胜，作者通过对文献记载和出土文物的分析，力图还原那些已经失传的古老旋律和演唱方式，这种探索精神令人敬佩。这本书为理解戏曲的“根”打下了坚实的基础。

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对于中国戏曲的“程式化”这一重要特征，这本书的解读可以说是我读过的最透彻的。作者并没有将程式简单地理解为僵化的套路，而是深入分析了程式背后所蕴含的表演智慧、审美追求以及历史积淀。我特别欣赏作者对“唱念做打”四大基本功的细致讲解，以及它们是如何在不同剧种、不同人物身上得到具体运用和变化的。书中对“虚拟性”表演的论述也很有启发，比如“开门”、“上马”等动作，虽然简单，却能在观众心中构建出丰富的想象空间，这是中国戏曲独特的艺术魅力所在。作者还探讨了不同剧种之间程式的差异和联系，比如昆曲的细腻委婉与京剧的跌宕起伏，都反映了各自独特的艺术风格。这本书让我对戏曲的表演艺术有了更深的敬意，也理解了为什么一些看似简单的动作，却能蕴含如此丰富的意义。

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这本书在介绍中国戏曲的“脸谱”和“行当”时，给我留下了深刻的印象。作者并非简单地罗列各种脸谱的颜色和图案，而是深入剖析了它们在人物塑造、性格刻画以及舞台视觉传达方面的多重功能。我非常喜欢作者对不同颜色、图案所代表的意义的解释，比如红色象征忠义，黑色代表刚烈，白色则暗示奸诈，这些都成为观众理解人物性格的“密码”。同时，书中对“生、旦、净、丑”四大行当的详细介绍，以及每个行当在表演、唱腔、化妆等方面的特点，都让我对戏曲表演的专业性和艺术性有了更深的认识。作者还探讨了不同时代、不同剧种的行当划分和表演风格的演变，这让我看到戏曲艺术的生命力在于其不断地自我调整和完善。这本书让我在欣赏戏曲时，有了更精准的“阅读”方式。

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这真是一次令人惊喜的阅读体验！刚翻开这本书，我就被它深邃的文化底蕴和严谨的学术态度所吸引。作者在梳理中国戏曲的发展脉络时，并没有流于表面的叙述，而是深入到每一个时代的社会背景、文化思潮以及技术革新对戏曲艺术形态产生的影响。从早期质朴的歌舞百戏，到宋元杂剧的成熟，再到明清传奇的辉煌，直至近代京剧的崛起，每一个阶段的演变都仿佛在我眼前徐徐展开。我尤其喜欢作者对于不同剧种之间相互影响、借鉴的分析，比如徽班进京如何催生了京剧，以及京剧如何吸纳融合了昆曲、秦腔等多种声腔和表演程式。这种“溯流思源”式的解读，让我对戏曲艺术的生命力和创造力有了更深刻的认识。书中对各个剧种代表性剧目的讲解也十分到位，不仅分析了剧本的艺术价值，还深入剖析了其音乐、唱腔、表演、服饰、脸谱等各方面的特点，让我仿佛置身于一个生动而多彩的戏曲世界。读完之后，我感觉自己对中国戏曲的理解不再是零散的点，而是形成了一个完整而清晰的体系，对传统戏曲的敬畏之心油然而生。

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我特别喜欢这本书在讨论中国戏曲的衰落与转型这一部分。作者并没有回避戏曲艺术在近代所面临的挑战，而是以一种客观而冷静的态度，剖析了电影、戏剧等新兴艺术形式的冲击，以及传统戏曲自身在内容、形式上需要革新的紧迫性。我欣赏作者对京剧形成和发展过程的详细阐述，从徽班进京到“京剧三鼎甲”，再到后来的梅兰芳、程砚秋等大师的贡献，每一个环节都充满了戏剧性。更重要的是，作者并没有简单地将京剧的崛起视为对传统戏曲的取代，而是将其视为一种融合与创新，是对戏曲艺术生命力的有力证明。书中对“新剧”的探讨也让我思考，在时代变迁的大潮中，艺术的传承与创新是如何相互作用的。这本书让我明白，艺术的生命力在于不断地适应和改变，而并非僵化守旧。

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这本书对于中国音乐理论的发展和演变，进行了非常系统和深入的梳理。作者追溯了从古代的“律学”到近代的“音乐学”，各个历史时期重要的音乐理论著作、音乐家及其核心思想。我尤其对书中对中国古代“五声”“十二律”等基本概念的解释，以及这些理论如何指导音乐创作和演奏的论述感到着迷。作者并没有将这些理论视为古老而过时的东西，而是展现了它们在中国音乐发展进程中的重要作用，以及对后世的影响。同时，书中对西方音乐理论传入中国后的互动和融合的探讨也很有启发，这让我看到中国音乐在面对外来文化冲击时所展现出的开放性和创新性。这本书让我意识到，理论是音乐的骨架，而中国音乐理论的独特之处，在于它与哲学、天文学等多个领域的紧密结合，形成了一种独特的东方智慧。

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这本书带给我一种沉浸式的音乐之旅。作者以极其细腻的笔触，描绘了中国音乐数千年的发展图景，从先秦的古朴雅乐，到唐宋的宫廷燕乐、文人音乐，再到近代的声乐革新，每一个时期都充满了独特的韵味和时代印记。我非常赞赏作者在梳理音乐发展的同时，对各个时期代表性乐器、曲式、演奏技法以及音乐理论的深入探讨。例如，关于古琴的独奏艺术，作者不仅介绍了它的历史渊源和发展流派，还对其“意境”的追求进行了精彩的阐释，让我体会到中国音乐中“天人合一”的哲学思想。同时，书中对中国民间音乐的关注也让我耳目一新，无论是各地的民歌、说唱，还是戏曲音乐的唱腔和伴奏，都得到了细致的描绘。我尤其喜欢作者对于音乐美学原则的分析，比如“乐感”、“乐情”、“乐境”等概念的阐释，让我在欣赏音乐时，有了更深层次的思考和体悟。这本书让我对中国音乐的博大精深有了全新的认识，也激起了我进一步探索和学习的强烈愿望。

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这本书中关于中国音乐在不同历史时期所扮演的社会角色这一部分，真的让我大开眼界。作者不仅仅是在列举音乐家的名字和作品，更是在探讨音乐如何融入人们的日常生活，如何影响社会风貌。我非常赞赏作者对唐代燕乐的研究，那是一种将音乐、舞蹈、宴饮融为一体的综合性艺术，充分体现了盛唐的开放与繁荣。而宋代市井音乐的描写，则让我看到了音乐在普通民众中的传播力和影响力，从街头巷尾的曲艺表演到瓦舍勾栏的各种音乐形式，都充满了生活气息。书中对宗教音乐的讨论也很有价值，无论是佛教的梵呗，还是道教的洞经，都展现了音乐在精神信仰中的重要作用。这本书让我意识到，音乐不仅仅是一种艺术形式，更是一种社会文化符号，承载着时代的精神和人们的情感。

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看不懂。。。。对中国古代音乐理论还是不懂。。。推荐给对中国古代音乐有一定知识储备的人。。。

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归纳梳理的非常好！文言文纯属自然，旁征博引，虽然有些观点和我看到的几个版本不同，可是不啻为当时新见。吴梅是与与王国维齐名的，第一个把戏曲带入大学，并进行系列研究的人。

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归纳梳理的非常好！文言文纯属自然，旁征博引，虽然有些观点和我看到的几个版本不同，可是不啻为当时新见。吴梅是与与王国维齐名的，第一个把戏曲带入大学，并进行系列研究的人。

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