具体描述
○● 一本源于工作室的回忆录,一部关乎生与死、爱与信的个人思想史 ○●
-编辑推荐-
★ 当代深具世界影响力的哲学家吉奥乔·阿甘本的晚年回忆录
★ 特别收录98幅私人图像,披露封存于工作室的生与死、爱与信、记忆与秘密
★ 马丁·海德格尔、汉娜·阿伦特、居伊·德波、英格褒·巴赫曼、让-吕克·南希、伊塔洛·卡尔维诺、皮埃尔·保罗·帕索里尼……一首友谊的回响曲,一幅精神星丛的系谱
★ 潜能、剩余、语言、姿势、敞开、幼年……一场概念的考古之旅,一部个人的思想阅读史
★ “与一种诗意的实践保持联系的生命形式,不论是什么,总在工作室里,总在他的工作室里。”
-内容简介-
“我正在这本书中做什么?”
“我难道不是冒险把我的工作室变成一间小博物馆,并亲自给读者们当导游吗?”
这本书是一幅阿甘本的自画像。
借用艺术史上耳熟能详的图像主题,哲学家吉奥乔·阿甘本向自己发起一项挑战——不书写一部常规的回忆录,而是绘制一幅“工作室里的自画像”。
从工作室出发,以栖居其间的照片、手迹、书籍、摆件等珍贵物品的图像作为绘制的起点,阿甘本的每一道笔触描绘的都是他生命中的人与物——从哲学家到艺术家,从诗歌到音乐,从法国研讨班期间对海德格尔的切近,到他对本雅明手稿和踪迹的追寻,从薇依的伦敦文稿、对阿伦特的致信、麦尔维尔的神学,到夜空中星辰所发出的关乎正义的质询——一切塑形其生命的思想,一切滋养其写作的相遇。
由此,阿甘本完成了这项自我挑战:通过仅仅谈论他人来谈论自己,通过工作室里的图像与优雅的散文式写作的并置,重绘了自己与生命中亲历的人与物的紧密联系,进而对自己作为哲学家的生命历程,展开了繁复而致密的回忆、反思……
作者简介
-作者简介-
吉奥乔·阿甘本(Giorgio Agamben,1942— ),意大利哲学家,当代具有世界影响力的思想家之一。代表作为“神圣人”系列。拜德雅已出阿甘本著作:《语言的圣礼:誓言考古学》、《宁芙》、《奇遇》、《普尔奇内拉或献给孩童的嬉游曲》、《品味》、《什么是哲学?》、《什么是真实?物理天才马约拉纳的失踪》、《业:简论行动、过错和姿势》、《工作室里的自画像》。
-译者简介-
尉光吉,中国人民大学哲学博士,南京大学艺术学院助理研究员。出版有《不可言明的共通体》(与夏可君合译)、《艺术与诸众:论艺术的九封信》、《奇遇》、《普尔奇内拉或献给孩童的嬉游曲》、《不可能》、《爱情发明家》等译著,编有《对诗歌的反叛:安托南·阿尔托文集》。
目录信息
读后感
用户评价
这本《工作室里的自画像》初读时,我曾被其朴实的标题所吸引,以为会是一部传统意义上描摹艺术家日常琐事的散文集。然而,阅读过程中的体验却是层次丰富且引人深思的。它并非简单地罗列创作的艰辛或灵感的乍现,而更像是一场深入艺术家内心世界的漫游。作者的笔触细腻得近乎刻薄,对光影、材质以及空间氛围的捕捉,足以让读者在脑海中构建出一个栩栩如生的创作场景。我特别欣赏其中对于“等待”的描绘,那种在寂静中与作品对视、进行无声对话的状态,极具感染力。这种对创作过程的内在剖析,远超出了技术层面的讨论,触及了艺术与存在的关系。尤其是在探讨媒介与自我表达的张力时,作者展现出惊人的洞察力,让人忍不住停下来反复咀嚼那些看似随意却蕴含深意的语句。它成功地将一个私密的工作空间,转化为一个可以与所有追求创造性生命的人产生共鸣的场域。
这本书最让我着迷的地方,是它如何巧妙地将“自我”这一主题进行了解构与重塑。与其说是“自画像”,不如说是一系列关于“观看”与“被观看”的实验记录。作者似乎在不断地试探,哪一个瞬间、哪一种姿态,最接近他试图捕捉的那个“真实的自我”。这种试探过程充满了矛盾和自我辩驳,读起来非常过瘾。文风非常具有画面感,但奇怪的是,它很少使用华丽的辞藻来堆砌画面,而是通过极简的、近乎禅意的描述,让画面自行在脑海中生长出来。比如描述工具的磨损和陈旧,那些刀痕和污渍,被赋予了比完成品更深远的故事性。这本书提供了一种全新的视角去理解“创作不是目的,而是生存的方式”,它鼓励读者去关注生活中的微小痕迹,并赋予其意义。
我发现,这本书的阅读体验具有很强的“个人反射性”。它不会直接告诉你应该如何思考艺术,而是设置了一个开放的场域,让你将自己的疑惑、挫折和微小的胜利投射进去。它的叙事结构并非线性,更像是艺术家工作室里那些堆叠错落的工作台面,每段文字都是一个独立的观察点,需要读者自己去串联起内在的逻辑线索。作者对“沉默”的运用达到了炉火纯青的地步,文字与文字之间的留白,比那些密集的描述更具张力,仿佛是刻意留给读者喘息和思考的空间。这本书的价值,在于它撕开了艺术创作那层神圣的面纱,让我们看到其背后是日复一日的艰苦选择和对未知世界的持续探索。它不是一本轻松读物,但读完后,你会觉得自己的精神世界被某种更坚韧的物质填充了。
读完合上书页的那一刻,我感到一股清新的空气涌入心房,仿佛自己也刚刚从那个被颜料、画布和未完成的草图堆满的工作室里走出来。这本书的魅力在于其无与伦比的“在场感”。作者似乎完全放弃了外部的评判标准,只专注于记录当下手中正在发生的一切。比如对某种特定颜料在不同光线下折射出的微妙色彩差异的描摹,细致到让人怀疑自己是否也能辨识出来。这种对细节的执着,构建了一种近乎冥想的阅读体验。不同于那些探讨艺术史或风格流变的著作,这本书更像是某人对着镜子,一笔一笔勾勒出自己精神结构的过程。其中对于时间流逝的感知尤为精妙,室内光线的变化如何影响创作的节奏和心境,被描绘得淋漓尽致,让人不禁反思自己日常生活中对时间流逝的感知是否也同样迟钝。
翻开这本书,扑面而来的是一种强烈的、近乎粗粝的真实感。它没有故作高深的理论框架,也没有矫揉造作的抒情。这本书的叙事节奏非常独特,时而急促如创作高峰期的灵感迸发,时而又陷入漫长、近乎停滞的自我审视之中。我印象最深的是作者描述如何处理“失败”的篇章,那不是那种标准的“从跌倒中站起来”的励志鸡汤,而是对创作过程中必然出现的“不完美”与“偏离预期”的坦然接受,甚至从中汲取新的方向。这种对过程的尊重,体现了一种成熟的匠人精神。书中的语言风格变化多端,有时像精确的工程图纸,一丝不苟地标示着物体的形态和光线角度;有时又像自由即兴的爵士乐,充满了跳跃的意象和突如其来的情感爆发。它挑战了我们对“艺术家”这一职业的刻板印象,揭示了创造力背后那份需要长期“守夜”的孤独与坚持。
“你爱某个人是因为你记得他/她,反之亦然,你记得某个人是因为你爱他/她。我们通过铭记来爱,我们也通过爱来铭记,最终,我们爱上了记忆一—也就是爱本身一—并记佳了爱一—也就是记忆本身。所以,爱意味着忘不了,意味着心头抹不掉一张面孔、一个姿势、一道光芒。但爱也意味着,我们其实再也拥有不了一段它的记忆,因为爱超越了记忆,不可追忆地、即刻地到场。”
起床在看阿甘本新书《工作室里的自画像》,看到作者在栖居的物的场:书、明信片、照片、手稿、笔记本及各种艺术品,以及精神之场,回忆之场里旅行。作者说冒险把我的工作室变成一间小博物馆,并亲自给读者们当导游,虽然我想要消失在朋友们的面孔和相遇中间,当然,栖居,对我而言,意味着以尽可能大的强度去亲历这些友谊和这些相遇。配图丰富,写作风格有点让我想到约翰·伯格和塞巴尔德的混合。阿甘本最后结尾说到:我每日散步的花园里长的那一片高贵的爵床草。草地,草地就是上帝。在草地里——在上帝中——有我爱过的所有人。为了草地,如同草地,在草地里,我活过,并且,我会活下去。
值得一读
这一图文并茂的自画像,无疑是对于幸存的见证,也是对于生命剩余的清点。“为了草地,如同草地,在草地里,我活过,并且,我会活下去。”
“在我们的社会里,允许发生的一切无关紧要,而一部真正的自传应关注未发生过的事实。”这部篇幅简短而语言繁密的工作室素写薄,并非线性叙事的回忆录,更像是由几处工作室收藏品所组成的随笔片段集,由他与海德格尔、居伊·德波、卡尔维诺、巴赫曼等人之间的回忆而延伸开来。在每一段短暂记忆之后,都顺带出某种命题的强度论述,或许是由某位朋友的思想而引发出的哲思,或许是由某件物品或某帧照片引发的思考,通过书写别人来泄露自身,借助他人来素描自己。