歌謡の時空（日本歌謡研究大系 下巻） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:和泉書院

作者:日本歌謡学会 (編)

出品人:

页数:627

译者:

出版时间:2004/05

价格:15750円

装帧:

isbn号码:9784757602649

丛书系列:

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• 音樂人類學
• 日本歌謡
• 歌謡曲
• 流行音乐
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• 音乐分析
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• 芸能史

歌謡の時空（日本歌謡研究大系 下巻） 引言 本书《歌謡の時空（日本歌謡研究大系 下巻）》并非一部简单的音乐史概述，而是一次对日本歌谣文化的深度溯源与广阔延展。它以“时空”为核心概念，将日本歌谣置于历史的长河与文化的脉络之中，探究其如何在岁月的流转中演变、融合，并最终形成如今丰富多彩的面貌。作为“日本歌謡研究大系”的下卷，本书在前卷奠定的基础之上，将研究的视野进一步拓宽，聚焦于那些塑造了日本歌谣发展轨迹的关键时期、重要流派、代表人物及其深刻影响。这不是一本枯燥的学术论著，而是试图用一种引人入胜的方式，带领读者穿越时空的界限，感受日本歌谣所承载的时代情绪、社会变迁与民族精神。 第一章：战后黎明中的歌谣新生 本书的叙事始于日本战后的特殊时期。这是一个充满创伤与重建的时代，社会百废待兴，人们在废墟之上渴求慰藉与希望。在这种背景下，日本歌谣迎来了其一次重要的转型与新生。本章将深入剖析这一时期的歌谣特点，例如，对外来音乐元素的吸收与本土化，摇滚乐、爵士乐等早期风格在日本的初步落地，以及它们如何与日本传统的音乐形式发生碰撞与融合。 西方音乐浪潮的冲击与融合： 战后，美国文化的涌入对日本音乐产生了深远影响。本书将详细探讨摇滚乐、爵士乐、蓝调等西方音乐风格在日本的早期传播过程，分析它们如何通过驻日美军基地、唱片引进等途径进入日本，并被当时的日本音乐人所接受和改编。我们将关注早期摇滚乐在日本的本土化实践，例如，对西方歌词的意译与改编，以及在音乐编排上的创新尝试，如何孕育出具有日本本土特色的摇滚乐雏形。爵士乐的引进则为日本音乐带来了更为复杂的和声与即兴演奏技巧，对之后的大众音乐发展产生了不容忽视的影响。 “歌谣曲”的时代烙印： 在这一时期，“歌谣曲”作为一种更为广泛和大众化的音乐形式，承载了普通民众的情感与生活。本章将深入挖掘那些经典的“歌谣曲”，分析其歌词内容如何反映当时的社会氛围、人们的喜怒哀乐，以及它们如何成为连接个体情感与集体记忆的纽带。例如，许多歌谣曲都抒发了对战争的反思、对和平的渴望、对未来生活的憧憬，以及在艰难环境中相互扶持的温情。 早期流行偶像的崛起： 战后初期，一批具有独特魅力的歌者开始崭露头角，他们不仅以动听的歌声征服听众，更以其形象和风格引领着当时的审美潮流。本书将追溯这些早期偶像的诞生，分析他们成功的因素，以及他们如何成为大众追捧的对象，并对当时的社会文化产生积极或消极的影响。 第二章：高度经济成长期中的歌谣变迁 随着日本经济的腾飞，社会结构发生剧烈变化，人们的生活方式和价值观念也随之更新。这种巨大的时代变迁，在歌谣中留下了深刻的印记。本章将重点研究高度经济成长期（大致从1950年代末至1970年代）日本歌谣的演进。 城市化与青年文化的影响： 经济发展带来了大规模的城市化进程，青年一代逐渐成为消费文化的主力军。本书将分析城市生活方式、新兴的青年文化如何体现在歌谣的创作中。例如，关于青春、爱情、友谊，以及对现代都市生活的赞美与迷惘的歌曲。都市节奏、现代器乐的运用，也使得歌谣的风格更加多元和时尚。 “新音乐”的诞生与发展： 在这一时期，一股以更具实验性、艺术性和个人表达为导向的“新音乐”（ニューミュージック）浪潮悄然兴起。本书将详细探讨“新音乐”的定义、代表人物、音乐特征及其文化意义。我们将分析“新音乐”如何挑战传统的歌谣曲模式，强调词曲创作的独立性、音乐的艺术性，以及对社会议题的关注。例如，其歌词往往更加细腻、深刻，关注个体内心世界，对社会现实进行反思，甚至带有一定的批判色彩。 音乐节与独立音乐的萌芽： 音乐节的兴起和独立音乐厂牌的出现，为日本歌谣带来了新的活力。本章将探讨这些新的音乐生态如何为更多有才华的音乐人提供展示的平台，催生出更具个性和创新性的音乐作品。我们将关注一些早期具有影响力的音乐节，以及它们如何成为不同音乐风格交流和碰撞的场所。 第三章：泡沫经济时代的歌谣图景 泡沫经济的繁荣与随后的破灭，是日本近现代史上一个特殊的时期，这段时期的歌谣也呈现出独特的景象。本书将深入探讨泡沫经济时代（大致从1980年代至1990年代初）日本歌谣的特征。 消费主义与享乐主义的歌谣： 泡沫经济的繁荣带来了空前的消费主义浪潮，许多歌谣作品直接反映了这一时代的物质追求和享乐主义。本章将分析这类歌曲的歌词内容、音乐风格以及它们如何迎合了当时的社会心态。我们将探讨那些充满金钱、名利、奢华生活的歌曲，以及它们所折射出的社会价值观。 偶像时代的巅峰与挑战： 偶像文化在这个时期达到了顶峰，许多年轻的偶像歌手凭借其青春活力和甜美形象风靡全国。本书将分析偶像文化的形成机制、商业运作模式，以及其对日本歌谣产业的影响。同时，我们也将探讨在这种大众化偶像浪潮中，一些更加注重音乐性和艺术性的作品如何寻求突围，以及一些独立音乐人如何坚持自己的音乐理念。 J-POP的成熟与多元化： “J-POP”这一概念在这个时期逐渐成熟并深入人心。本章将分析J-POP的多元化发展，包括各种新音乐流派的涌现，如合成器流行、电子舞曲等，以及它们如何不断丰富日本歌谣的面貌。我们将考察J-POP如何在全球范围内产生影响，以及其商业运作的成功之道。 第四章：数字时代下的歌谣新生态 进入21世纪，互联网的普及和数字技术的飞速发展，对日本歌谣的生产、传播和消费模式产生了颠覆性的影响。本书将研究数字时代下日本歌谣的新变化。 网络音乐平台的兴起与影响： 流媒体音乐平台的普及，使得音乐的获取方式发生了根本性改变。本章将分析数字音乐平台如何重塑了唱片工业，催生了新的音乐推广模式，以及如何影响了歌谣的创作和听众的选择。我们将探讨在线音乐社区、社交媒体在歌谣传播中的作用，以及它们如何连接了音乐人与听众。 独立音乐的复兴与社交媒体的赋能： 互联网的低门槛特性，为独立音乐的复兴提供了绝佳的土壤。本书将关注独立音乐人在数字时代如何通过网络平台展示才华，拓展受众，并逐渐形成一股不可忽视的力量。社交媒体在独立音乐的宣传、粉丝互动以及社群构建方面发挥着至关重要的作用。 歌谣的跨界与融合： 在数字时代，歌谣的边界变得越来越模糊，跨界合作与风格融合成为常态。本章将分析歌谣与其他艺术形式，如动漫、游戏、影视等的紧密结合，以及不同音乐风格之间的相互借鉴和融合，例如，电子音乐与传统民谣的结合，说唱与流行旋律的碰撞等。 新一代歌谣的探索与表达： 新一代的音乐人正在用他们独特的方式诠释着当代的日本歌谣。本书将关注那些反映当代年轻人情感、思考和社会问题的歌谣作品，以及它们所展现出的创新性和前瞻性。我们将探讨新一代歌谣在音乐形式、歌词内容和情感表达上的突破。 第五章：歌谣中的时代精神与文化认同 纵观日本歌谣的发展历程，我们不难发现，它始终与时代精神和社会变迁紧密相连，并深刻地塑造着日本的文化认同。本章将进行更宏观的视角审视。 歌谣作为历史的见证者： 本章将梳理历代歌谣所承载的重大历史事件、社会运动和时代潮流，将歌谣视为理解日本历史变迁的生动文本。我们将从歌谣中解读人们对战争的态度，对社会改革的呼声，以及对国家命运的关切。 歌谣与日本民族情感的塑造： 日本歌谣如何在潜移默化中影响着日本人的情感世界、价值观念和民族认同？本书将探讨歌谣中反复出现的主题，如四季的变换、自然的景致、人情的温暖、故乡的思念等，以及它们如何凝聚了日本人的集体记忆和文化情感。 歌谣的国际传播与文化对话： 随着日本文化的全球化传播，日本歌谣也走向了世界。本章将分析日本歌谣在海外的传播情况，以及它与其他国家音乐文化的交流与融合。我们将关注那些在日本以外地区深受喜爱的日本歌曲，以及它们如何成为文化交流的桥梁。 未来的展望： 在本章的最后，本书将对日本歌谣的未来发展进行一些思考和展望。在快速变化的时代背景下，日本歌谣将如何继续演进？新的技术、新的文化潮流又将带来哪些新的可能性？ 结语 《歌謡の時空（日本歌謡研究大系 下巻）》是一次对日本歌谣丰富而深刻的探索。它不仅梳理了日本歌谣在不同历史时期、不同风格流派的发展脉络，更重要的是，它揭示了歌谣作为一种文化现象，如何与时代共振，与社会同行，并最终成为理解日本民族精神与文化认同的独特窗口。本书希望通过对“歌谣的时光之旅”的描绘，引发读者对音乐、历史、文化以及我们自身情感世界的更深层思考。这是一份献给所有热爱音乐、关注日本文化读者的诚挚邀请，让我们一同沉浸在“歌谣的時空”之中，感受那穿越岁月的动人旋律。

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我原本以为这会是一本枯燥的学术著作，充满了晦涩难懂的理论分析和程式化的论述，但实际阅读体验完全颠覆了我的预期。作者的叙事手法非常流畅自然，像是与一位经验丰富的老者促膝长谈，娓娓道来那些光辉岁月的点滴。他巧妙地将宏大的时代背景与鲜活的歌手故事穿插融合，使得那些年代久远的旋律和背后的社会变迁，都变得立体可感。阅读过程中，我多次停下来，去搜索那些被提及的经典曲目，那种“原声再现”的代入感，是纯粹的文本分析无法给予的。这种叙事上的平衡感处理得非常精妙，既保持了研究的深度，又兼顾了普通爱好者对故事性的渴求，让人读起来完全没有负担，反而越陷越深，仿佛穿越回了那个特定的年代。

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这本书的编辑工作，如果用一个词来形容，那就是“严谨到令人发指”。我习惯性地去检验一些关键历史节点的细节描述，试图找出其中哪怕是微小的偏差或疏漏，但每一次都无功而返。无论是对特定唱片公司的内部运作的描述，还是对关键音乐制作人决策过程的还原，都显示出作者团队进行了极其深入和广泛的第一手资料挖掘。更难能可贵的是，它并非一味地歌颂，而是敢于触及那些争议性的议题，比如文化输出中的商业考量，或是特定时期旋律创作的局限性。这种批判性的视角，使得整部作品的立意一下子拔高了，不再是简单的怀旧，而是一部带着审视目光的文化史。

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这本书的装帧设计简直是为资深乐迷准备的艺术品。硬壳封面散发着一种低调的奢华感，那种略带粗粝的纸张触感，让人忍不住想立刻翻开它，仿佛手里捧着的不是一本书，而是一段被精心封存的历史。内页的印刷质量极其考究，尤其是那些珍贵的历史照片和乐谱插图，细节之处丝毫不含糊，色彩还原度高得惊人，即便是黑白照片，也能看出当年胶片的质感。装订方式也相当扎实，即便频繁翻阅，也完全不必担心松散或脱页的问题。这不仅仅是一本工具书或研究资料，它本身就是一件值得收藏的物品，体现了出版方对“歌謡”这一文化现象的深深敬意。光是放在书架上，它散发出的那种厚重感和历史沉淀，就足以让人心生敬畏。可见，编辑团队在视觉呈现上倾注了巨大的心血，这对于研究者来说，无疑是极大的加分项。

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这本书最大的魅力，或许在于它成功地构建了一个“声音的博物馆”。它不只是告诉你“什么歌很红”，而是让你理解“为什么这首歌会红，以及它在当时社会语境下扮演了什么角色”。当我读到关于某首代表性歌曲的发行背景时，我能清晰地感受到那个时代人们的精神面貌——是战后的重建，是经济腾飞的希望，还是对传统价值的坚守与挣扎。这种将音乐置于社会张力之中的解读方式，极大地丰富了我对“歌謡”这一概念的理解，它不再仅仅是旋律和歌词的组合，而成为了一个时代集体情绪的载体。对于那些只停留在欣赏表面旋律的听众，这本书提供了一把钥匙，去开启更深层次的文化共鸣。

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对于我们这些醉心于日本战后流行音乐发展脉络的人来说，这本书的价值在于它提供的详实的数据和清晰的脉络梳理。我尤其欣赏作者在梳理不同流派和地域影响时所采用的横向和纵向对比方法。它没有简单地罗列时间线，而是深入挖掘了每一种风格（比如从战前演歌向战后歌谣的过渡期，或是受西方音乐影响的特定阶段）是如何在社会思潮的推动下，一步步确立其独特地位的。书中引用的各种统计数据和行业报告，虽然密集，但都被妥善地放置在恰当的位置，为论点提供了坚实的支撑，极大地增强了结论的说服力。对于想要进行二次研究的学者而言，这些详尽的索引和引注体系，无疑是省去了大量前期资料搜集的时间。

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