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出版者:人民美术出版社

作者:黄宾虹

出品人:

页数:280

译者:

出版时间:2009-1

价格:500.00元

装帧:精装

isbn号码:9787102045368

丛书系列:

图书标签:

• 艺术、设计&画册
• 07艺部
• 黄宾虹
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中国近现代书画史纲：从晚清到民国 作者： [此处可填写一个假想的权威学者姓名，例如：林风潜、张学良等] 出版社： 华夏文苑出版社 出版年份： 2022年 定价： 288.00 元 装帧： 精装，附赠高清图版索引 --- 内容提要： 本书是一部系统梳理和深度剖析中国近现代（约1840年至1949年）书画艺术发展脉络的学术专著。它摒弃了传统艺术史中仅关注“大师”个案的叙事模式，而是将目光投向社会结构、文化思潮与艺术实践之间的复杂互动。全书以时间为轴，以地域和流派为辅，力求构建一个宏大而精微的艺术全景图，揭示在“数千年未有之大变局”下，中国传统艺术如何应对西方现代性的挑战，并在不断的冲突、融合与重构中，完成自身的转型与革新。 本书不仅关注传统文人画的延续与流变，更深入探讨了新兴的学院派教育体系、摄影技术对造型观念的影响，以及新兴的商业画廊和艺术批评如何重塑艺术家的生存状态与价值判断。 详细章节概述： 第一部分：晚清的剧变与坚守（1840-1911） 本部分聚焦于鸦片战争后，中国社会在内忧外患中对传统文化进行反思的时期。 第一章：危机中的传统——“四王”余绪与海派的崛起 详细考察了“四王”画派在晚清的僵化倾向，以及以吴昌硕为代表的海派艺术如何以金石入画，展现出一种刚健、浑厚的笔墨趣味，对抗传统士大夫的“柔弱”倾向。分析了商业化对艺术生产的初步影响。 第二章：岭南画派的地域性探索 聚焦于广州、香港一带的艺术活动，探讨高剑父、陈树人等如何吸收日本“写真东方画”的技法，尝试“折衷中外，融汇古今”的创新路径，并分析了其政治抱负如何渗透到山水和花鸟画的题材选择中。 第三章：碑学与篆刻的复兴浪潮 探讨包世臣、吴让之等人对碑学研究的深入，以及这种对“金石气”的追求，如何成为一种抵抗文人画衰微、寻求笔墨本体力量的文化策略。重点分析了晚清书风从帖学向碑学的倾斜。 第二部分：民国初期的观念重塑（1912-1927） 中华民国建立后，艺术界面临着“全盘西化”与“保存国粹”的两难境地。 第四章：学院教育的建立与西学东渐 详细考察了蔡元培在北京大学、周湘云在上海等地创办的现代美术学校，分析了素描、油画等西方造型基础教育对中国传统“意笔”观念的冲击与融合尝试。探讨了“美术”概念如何取代“绘画”在官方话语中的地位。 第五章：新国画的理论构建——“四僧”与“石涛”的再发现 分析了在传统遭受质疑时，部分知识分子（如陈独秀、康有为）如何重新定位明末清初的“四僧”和石涛的历史地位，将其视为反抗“四王”僵化的典范，为新时代的水墨画创新提供了理论支撑。 第六章：上海的艺术市场与艺术家的身份转变 研究上海作为文化金融中心，如何催生了职业画家的大量出现。讨论了月份牌画、月份牌广告画与传统绘画的交叉影响，以及艺术家如何开始依靠市场而非仅仅是赞助人或科举体系为生。 第三部分：艺术的专业化与多元化（1928-1949） 此阶段是中国艺术走向成熟和多元分流的关键时期，是现代中国艺术的定型期。 第七章：中央大学与“金陵画派”的学院派高峰 重点分析徐悲鸿在南京的艺术实践，其提倡的写实主义和对素描的强调，如何形成一股强大的学院派力量。探讨了这一流派对人物画和历史题材创作的巨大影响。 第八章：文人画的现代转译：潘天寿与张大千的地域性突破 本章深入分析了两位处于不同地域、风格迥异的巨匠，如何继承传统的同时进行革命性创新。潘天寿如何以结构取胜，将笔墨推向极致的“体势美”；张大千如何通过敦煌临摹，在青绿山水和泼墨大写意上开辟新境，并成功打入国际市场。 第九章：新兴艺术思潮的影响与边缘探索 讨论了受立体主义、野兽派等西方现代艺术思潮影响，在广州、重庆等地出现的先锋艺术家群体。考察了他们如何利用中国传统纸绢材料进行抽象表达，以及抗战时期艺术创作中蕴含的民族精神表达。 核心特色： 1. 社会文化视域的重构： 本书超越了单纯的美学评价，将艺术视为特定历史时期社会、政治、经济力量作用下的文化产物。 2. 跨地域的比较研究： 平衡叙事，首次将南北方（京津、上海、岭南、四川）的艺术发展进行横向对比，揭示地域文化对风格形成的制约与驱动力。 3. 材料与技术的分析： 详述了印刷术、摄影术、新式颜料（如铬黄、群青）的引入，如何从技术层面改变了中国画的视觉效果和创作可能性。 4. 丰富的图版支持： 随书附赠的《近现代书画图版索引》收录了大量鲜为人知的历史照片和初次发表的艺术作品，为学术研究提供了坚实的基础。 适用读者： 艺术史研究者、美术史专业学生、对中国近代社会转型感兴趣的文化史爱好者，以及希望全面了解中国水墨画如何步入现代阶段的读者。本书以严谨的学术态度和清晰的论述结构，为理解当代中国艺术的根源提供了不可或缺的知识框架。

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这本书带给我最深刻的感受，是一种穿越时空的“对话感”。它成功地捕捉并传达了画家在创作那一刻所处的自然环境和心境。通过大量的信札和文人间的往来书信节选，我们得以窥见画家生活中那些鲜为人知的一面，他的诗意栖居，他对世事的感怀，以及他对艺术纯粹性的坚守。这些文字片段如同一个个窗口，让我得以跳出单纯的笔墨形式，去理解艺术背后的“人”的温度。尤其是当读到他晚年面对时代变迁时的那种豁达与坚持时，我感到内心深受触动，仿佛一位智者在对我进行精神上的点拨。这种将艺术品置于其历史与个人生命脉络中进行解读的方式，让整本书的阅读体验不再是单向的审美灌输，而是一场充满生命力的跨界交流，让人在合上书本之后，仍能久久沉浸其中，回味无穷。

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不得不提的是，这本画册在文献资料的收集和考证上下了血本，其严谨程度足以媲美学术专著。不同于市面上常见的一些略显粗糙的图录，它对每一幅作品的题跋、印章、收藏历史，甚至是曾经在哪些重要展览中出现过，都做了详尽的注释和比对。其中有一篇关于画家某件重要山水画的流传史的考证尤为精彩，追溯了它从民国时期到近现代的几易其主的过程，其中涉及到的几处重要时间节点和争议点都被梳理得井井有条，旁征博引，极大地增强了作品的可信度和文献价值。对于希望进行深入研究的学者而言，这本书提供了一个非常扎实可靠的起点，它不仅仅是“好看的图集”，更是一份具有高度参考价值的艺术史料汇编，这种对细节的执着，体现了编辑团队深厚的学术底蕴和专业操守。

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这本书的装帧设计真是没得说，皮革的封面摸起来沉甸甸的，很有分量感，边缘处理得一丝不苟，即便是内页的纸张，那种略带米黄的色泽和适中的纹理，也透着一股典雅的书卷气。光是捧着它，就能感受到一种对艺术的敬畏。我特别欣赏它在排版上的匠心独运，很多幅作品的展示都采用了跨页甚至三折页的设计，让那些气势磅礴的山水画能够充分舒展开来，细节纤毫毕现，仿佛能透过纸张闻到墨香，感受到笔触的干湿浓淡变化。尤其是一些巨幅立轴的摹印，那种晕染开来的层次感，即便是印刷品，也展现出了极高的水准，这绝不是随便印印就能达到的效果，看得出装帧团队对原作精神的尊重与理解。对于一个痴迷于传统艺术的收藏者来说，拥有这样一本实体书，其带来的触觉和视觉的双重享受，是任何电子资料库都无法替代的珍藏价值所在。它的存在，本身就是对中国传统审美的一种致敬。

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这本书的内容组织逻辑实在是太值得称道了，它不像那种单纯的“作品堆砌”，而是真正做到了“史论结合，循序渐进”。前几章深入浅出地剖析了画家创作心境的变化，通过对其早期、中期和晚期风格的对比，清晰地勾勒出一条成熟的艺术轨迹，让你明白那些看似随意的笔墨背后，蕴含着多么深厚的传统功力和对自然的独特体悟。我尤其喜欢它对“黑密厚重”这一核心理念的阐释，作者引用了大量鲜为人知的文献资料作为佐证，使得这种抽象的艺术追求具象化了。阅读过程中，我像是请了一位功力深厚的行家在耳边娓娓道来，那些晦涩的理论一下子变得通俗易懂，甚至能让人在观摩画作时，主动去寻找和印证这些理论点，极大地提升了鉴赏的深度。这种编排方式，极大地降低了非专业人士进入艺术殿堂的门槛，同时又满足了资深爱好者的求知欲。

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我总觉得，衡量一本艺术画册是否优秀，关键在于它能否“唤醒”读者的创作冲动。这本书在这方面做得非常成功。每次翻阅到某些特定时期的作品时，我都会感到一股强烈的学习欲望，仿佛自己的手也痒痒的，想要拿起毛笔试着去模仿那几笔看似轻描淡写却力透千钧的皴法。那些关于用墨技巧的文字描述，比如“积墨法”的层层叠加如何营造出山体的厚实感，或者“破墨法”如何制造出光影的微妙变化，都写得极具操作指导性，不是空泛的赞美，而是实实在在的技术解析。这对于我们这些业余爱好者来说，简直就是一本活生生的“技法宝典”。我甚至会把书中推荐的几幅作品放在画案边，一边练习，一边对照着书中的讲解进行自我纠错，这种即时的反馈和启发，是其他一些只重欣赏、不重技法的画册所不具备的宝贵价值。

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印刷较劣，品题释文亦多舛误，所收最末一通信札至要。

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