表演、体制、观众 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海人民出版社

作者:赵丽瑾

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2020-1

价格:68.00元

装帧:平装

isbn号码:9787208162099

丛书系列:

图书标签:

• 电影
• 艺术史
• 社会学
• 艺术
• 近代史
• 近现代史
• 政治学
• 赵丽瑾
• 表演学
• 戏剧理论
• 社会学
• 文化研究
• 体制分析
• 观众研究
• 表演批评
• 艺术社会学
• 传播学
• 文化人类学

《光影叙事：电影叙事学导论》 书籍简介 《光影叙事：电影叙事学导论》是一部深入剖析电影艺术核心——叙事机制的专著。本书旨在为电影研究者、创作者以及对电影叙事原理有浓厚兴趣的读者提供一套系统而精妙的分析框架，用以理解影像如何讲述故事，以及故事的结构如何影响观众的感知与体验。本书摒弃了空泛的理论说教，而是立足于经典与当代电影实例，细致拆解了叙事元素的构成、叙事结构的变迁、时间与空间的运用，以及叙事视角对意义生产的关键作用。 全书结构严谨，脉络清晰，共分为六个核心章节，层层递进，构建起一座坚实的叙事学知识殿堂。 第一章：叙事学基础：从文本到影像 本章首先界定了“叙事”在电影语境下的特殊性。不同于文学叙事，电影叙事是视听语言的综合产物。我们探讨了叙事的基本要素——“故事”（fabula，即事件的实际顺序）与“话语”（syuzhet，即事件的呈现顺序）之间的辩证关系。重点分析了叙事者（Narrator）在电影中的隐性与显性体现，并讨论了如何通过剪辑、景别、运动等电影技术语言来构建叙事意图。此外，本章还引入了叙事学中的关键概念，如“不可靠叙事者”在影像媒介中的转化与挑战，为后续的深入分析奠定理论基石。 第二章：叙事结构的多维解析：经典模型与后经典重构 叙事结构是理解故事骨架的关键。本章详尽阐述了经典的“三幕剧结构”（开端、中段、解决）的内涵及其在好莱坞电影中的高效运作机制。然而，本书并未止步于经典模型，而是将重点转向后经典叙事的复杂性。我们分析了非线性叙事、循环结构、碎片化叙事等新兴模式，并探讨了它们如何挑战传统的时间逻辑和因果链条。通过对克里斯托弗·诺兰、昆汀·塔伦蒂诺等导演作品的案例研究，读者将清晰地看到结构如何服务于主题，以及结构本身如何成为一种叙事风格。 第三章：时间魔术：电影中的时间组织与体验 时间是电影叙事最富弹性的维度。本章专注于探讨电影如何操控时间，以达到对观众心理状态的精确调控。我们细致区分了“场内时间”（diegetic time，故事世界内的时间流逝）与“银幕时间”（screen time，银幕上呈现的时长），并深入剖析了闪回（Flashback）、闪前（Flashforward）、伸延（Duration）和省略（Ellipsis）等时间技法对叙事节奏和情感张力的影响。特别是对“慢镜头”在哲学和叙事层面的意义进行了独到解读，揭示了时间压缩与延展如何重塑观众对事件重要性的判断。 第四章：视点与主体性：谁在看？谁在说？ 叙事视角是决定观众进入故事世界的深浅度的关键。本章的核心议题是“视点”（Point of View）。我们从古典的“全知视角”和“有限视角”出发，深入探讨了电影中“主观镜头”（POV Shot）的运用。书中辨析了“凝视”（Gaze）的概念，分析了镜头语言如何建构人物的主体性，以及通过景深、焦点变化来引导观众的注意力与情感倾向。探讨了“视觉不可知论”的叙事策略，即如何通过限制视觉信息来制造悬念和不确定性。 第五章：空间叙事：场景、布景与地理政治 电影空间不仅仅是故事发生的背景，它本身就是一种叙事力量。本章将空间视为叙事元素，研究了场景设计、美术指导、摄影机运动如何共同构建出具有象征意义的空间场域。我们分析了封闭空间（如密室、孤岛）如何强化心理压力，以及开放空间（如广阔的沙漠、都市丛林）如何界定人物的自由与束缚。此外，本书特别关注了“地理政治叙事”，即空间如何承载文化、权力与身份的冲突，如何通过布景的选择来无声地评论社会现实。 第六章：人物塑造与驱动力：动机、行动与弧光 人物是驱动叙事的核心引擎。本章聚焦于人物的内在逻辑与外在展现。我们分析了人物的动机（Motivation）如何从内心世界转化为银幕上的具体行动。重点讨论了人物“弧光”（Character Arc）的设计，即人物如何经历转变、成长或堕落的过程，并探讨了静态人物（Flat Character）在叙事中作为参照或推动力的作用。最后，本书通过复杂的群像戏分析，阐述了多主角叙事中，不同人物的行动如何交织、碰撞，共同推动宏大叙事的进展。 总结与展望 《光影叙事》以其扎实的理论基础和丰富的电影文本分析，力求为读者提供一套“看电影”的全新工具。本书不仅教授如何识别叙事技巧，更引导读者反思这些技巧如何共同作用，建构起一个复杂、多义且引人入胜的影像世界。掌握这些叙事学的原理，将使每一次观影体验都成为一次主动的、富有洞察力的探索之旅。

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《表演、体制、观众》这本书，如同一个精心构建的思维模型，将艺术领域中三个核心要素的相互作用展现得淋漓尽致。作者在“表演”的探讨上，并没有仅仅停留在演员的技巧层面，而是将其视为一种具有社会功能和意义的行为。他认为，表演是一种普遍存在的社会实践，是人们在特定情境下为了达到某种目的而进行的“呈现”。书中通过大量跨文化、跨历史的案例，展示了表演在宗教仪式、政治活动、节日庆典以及日常生活中的不同角色，揭示了表演作为一种沟通和建构认同的强大力量。在“体制”的分析上，作者展现了其宏大的理论视野和扎实的史料考据。他将“体制”定义为塑造艺术生产、传播和接受的各种社会结构、规则和权力关系。他深入剖析了经济体制（如艺术市场的运作、赞助模式、版权保护）、政治体制（如政府的文化政策、审查制度、意识形态的塑造）以及传播体制（如媒体的传播方式、技术发展、教育体系）如何共同作用，影响着艺术家的创作自由、作品的传播范围以及公众的审美偏好。他以清晰的逻辑和生动的语言，揭示了体制的塑造力和制约力。而“观众”的章节，则将焦点引向了我们。作者分析了观众群体的多样性、他们的期待、他们的接受方式，以及他们如何通过参与和互动来影响艺术的发展。他强调了观众的能动性，以及观众的反馈和批评如何塑造艺术的价值判断。这本书让我对艺术的理解不再局限于作品本身，而是将其置于一个更为广阔的社会、经济、政治和文化背景下进行审视。

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这本书的标题《表演、体制、观众》就足以引人深思，它暗示着一种三位一体的复杂关系。阅读过程中，我惊喜地发现作者的论述丝丝入扣，逻辑严谨，将这三个看似独立的概念巧妙地融合在一起。在“表演”的探讨上，作者并没有仅仅停留在舞台上的肢体动作或情感表达，而是将表演视为一种普遍存在的社会现象，一种个体在与他人互动时所进行的“呈现”。他分析了不同情境下的表演，从古代的祭祀仪式到现代的政治集会，再到日常的人际交往，都展现了表演的深刻社会内涵。作者认为，表演是构建社会认同、传递文化价值、甚至挑战既定秩序的重要方式。在“体制”的章节，作者更是展现了他宏大的理论视野。他将“体制”理解为一套无形或有形的规则、结构和权力关系，这些因素共同作用，塑造了艺术的生态环境。他深入剖析了经济体制、政治体制、教育体制以及文化传播体制如何影响着艺术的生产、传播和消费。例如，政府的文化政策如何影响艺术家的创作自由，市场经济如何驱动艺术品的商业化，以及媒体的传播方式如何塑造公众的审美偏好，这些内容都让我受益匪浅。而“观众”的视角，则让读者有机会审视自身。作者分析了不同观众群体的构成、他们的期待、他们的接受方式，以及他们如何通过反馈和参与来影响艺术的发展。他强调了观众的能动性，以及观众的参与如何推动艺术的创新和发展。整本书的写作风格极其流畅，但字里行间又流露出作者深厚的学术功底。它不仅仅是一本关于艺术的书，更是一部关于社会、权力与文化互动的深刻洞察。

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作为一名长期关注文化议题的爱好者，我一直对“表演、体制、观众”这个书名所暗示的深刻连接感到好奇。拿到这本书后，我立刻被它严谨的学术态度和广阔的视野所吸引。作者并非仅仅将这三者割裂开来阐述，而是巧妙地构建了一个复杂而动态的互动网络。在探讨表演的本质时，书中详细剖析了不同时代、不同文化背景下的表演形式，从古典戏剧的程式化到现代表演的实验性，无不涵盖。更令人印象深刻的是，作者并没有停留在对表演技巧的罗列，而是深入挖掘了表演作为一种人类交流和表达方式的社会功能。当讨论到“体制”时，我发现书中对权力结构、社会规范、经济基础等对表演艺术产生影响的因素进行了极为细致的梳理。它揭示了艺术并非凭空产生，而是深深植根于其所处的社会土壤之中。无论是国家对艺术的资助政策，还是市场经济对艺术生产的驱动，亦或是宗教、政治意识形态对艺术表达的塑造，作者都以扎实的史料和敏锐的洞察力进行了层层剖析。而“观众”的部分，则更是充满了对我们自身反思的契机。书中探讨了观众的期待、接受度、参与方式，以及观众群体自身的构成和演变。它让我们意识到，表演的意义并非完全由表演者单方面赋予，而是在与观众的互动中不断被建构和诠释的。整本书读下来，我仿佛经历了一场思想的盛宴，每一个观点都如同经过精心打磨的宝石，闪耀着智慧的光芒。这本书不仅仅是一本关于艺术的书，更是一本关于人类社会、权力运作和文化生态的百科全书。它提供了一个全新的视角来理解我们所身处的文化环境，让我对“是什么让我们成为今天的我们”这个问题有了更深刻的认识。

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我一直对那些能够将看似分散的现象整合起来，并从中挖掘出深刻联系的著作怀有特殊的偏好。而《表演、体制、观众》恰恰满足了我的这一期待。作者在书中对“表演”的定义，远超出了狭义的戏剧或舞蹈表演。他将其视为一种广泛存在的社会现象，一种个体在特定情境下为了达到某种目的而进行的有意识的“呈现”。这种呈现可以是舞台上的戏剧化演绎，也可以是政治家在公众面前的讲话，甚至是个人在社交媒体上的形象管理。作者通过大量跨文化、跨历史的案例，展现了表演的普适性和复杂性。在谈及“体制”时，这本书的分析尤其引人入胜。作者将“体制”理解为一套无形或有形的规则、结构和权力关系，这些因素共同作用，塑造了表演的发生环境和发展轨迹。他深入剖析了经济体制、政治体制、教育体制以及文化传播体制如何影响着艺术家的创作自由、作品的传播渠道和观众的接受方式。书中对艺术赞助、市场运作、审查制度等方面的探讨，为我们理解艺术产业的运作机制提供了宝贵的 insight。而“观众”的部分，更是让我对我们自身的参与有了全新的认知。作者并没有将观众描绘成一个同质化的群体，而是细致地分析了不同观众群体的构成、偏好、批评标准，以及他们在接受和解读艺术作品时的能动性。他强调了观众在艺术价值塑造中的重要作用，以及观众的参与如何推动艺术的创新和发展。读完这本书，我感觉自己对艺术与社会的互动关系有了更加立体和深刻的理解，也更加清楚地认识到，我们每个人在其中都扮演着重要的角色。

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初翻开《表演、体制、观众》，我便被其独特的切入点所吸引。很少有书籍能如此直观地将“表演”这个看似个体化的艺术行为，与宏观的“体制”和多元的“观众”联系起来。作者的写作风格极为流畅，却又蕴含着深厚的理论功底。在论述“表演”时，他并没有局限于舞台上的肢体语言或声乐技巧，而是将其视为一种社会实践，一种与他人建立联系、传递信息、甚至挑战既定秩序的方式。他追溯了表演在宗教仪式、政治集会、日常生活中的不同面貌，强调了表演者在特定情境下所扮演的“角色”及其背后的心理动机。书中关于“体制”的分析，更是让我大开眼界。作者将“体制”定义得极为宽泛，不仅包括国家层面的文化政策、艺术机构的运作模式，还涵盖了行业协会的规则、市场准入的壁垒，乃至社会普遍接受的审美标准。他以大量生动的案例，展示了体制如何在无形中塑造着艺术的生产、传播和消费。例如，对某个时期国家对戏剧创作的严格审查，或是某个时代对特定表演风格的推崇，都深刻地影响了艺术家的创作方向和作品的最终形态。而“观众”的部分，则如同一面镜子，映照出我们作为接收者的身份和影响力。作者探讨了观众的构成如何随着时代和技术的发展而变化，从少数精英阶层到大众媒介的普及，观众的口味和期待也在不断演变。他提出，观众并非被动的接受者，而是积极的参与者，他们的反馈、批评甚至漠视，都在重塑着表演的生命力。这本书的价值在于，它让我们看到了艺术背后错综复杂的利益纠葛、权力博弈和社会互动，从而更全面地理解我们所喜爱的艺术作品是如何被创造、传播和接受的。

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当我打开《表演、体制、观众》这本书时，我期待的是一份能够深入浅出地剖析艺术背后复杂机制的读物。这本书并没有让我失望，甚至超出了我的预期。作者在“表演”的部分，并没有拘泥于传统的表演理论，而是将表演视为一种更广阔的社会行为，一种个体为了实现特定目的而进行的“呈现”。他详细阐述了表演的社会功能，以及它如何在不同文化和社会情境下扮演着重要的角色。无论是宗教仪式中的虔诚表演，还是政治宣传中的口号式呼喊，亦或是市场营销中的形象包装，都离不开表演的逻辑。更令我赞叹的是，作者在“体制”的分析上展现了非凡的深度。他将“体制”视为影响艺术生产、传播和接受的各种社会结构、规则和权力关系。他深入探讨了经济体制（如艺术品市场的运作和赞助体系）、政治体制（如政府的文化政策、审查制度和意识形态引导）、以及传播体制（如媒体的报道方式和技术的普及）如何共同作用，塑造了艺术的面貌。他通过对不同时期、不同国家艺术史的案例分析，揭示了体制的塑造力和制约力。而“观众”的维度，则让我们有机会反思自身在整个艺术生态中的位置。作者分析了观众群体的多样性，以及他们如何在接受和解读艺术作品时发挥能动性。他强调了观众的反馈、参与和批评如何影响艺术的价值判断和发展方向。这本书不仅提升了我对艺术的理解，更让我深刻认识到，艺术与社会环境之间密不可分的关系。

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《表演、体制、观众》这本书，如同一盏明灯，照亮了我一直以来对艺术与社会互动关系的模糊认知。作者以其敏锐的观察力和深刻的分析能力，将这三个看似独立的元素编织成了一张有机的网络。在“表演”的维度，他将焦点放在了表演的社会功能上，而非仅仅是技巧本身。他认为，表演是一种普遍存在的社会实践，是人与人之间进行互动、构建身份、传递信息的重要媒介。无论是舞台上的戏剧，还是政治家的演讲，亦或是日常生活中的社交，都带有表演的属性。作者通过对不同文化、不同历史时期表演形式的梳理，揭示了表演的多样性和复杂性。在“体制”的分析中，这本书更是提供了令人耳目一新的见解。作者将“体制”定义为塑造艺术生产、传播和接受的各种社会结构、规则和权力关系。他深入剖析了经济体制（如艺术市场的运作）、政治体制（如政府的文化政策和审查制度）、以及文化传播体制（如媒体和教育）如何共同作用，影响着艺术的生态。他通过大量鲜活的案例，展示了这些体制如何限制或鼓励艺术家的创作，如何影响作品的传播，以及如何塑造观众的审美口味。而“观众”的部分，则将焦点拉回到我们身上。作者分析了观众群体的多元化，以及他们在接受和解读艺术作品时的能动性。他强调了观众的参与如何影响艺术的价值判断和发展方向，让我们意识到，观众并非被动的接收者，而是艺术生命力的重要组成部分。总而言之，这本书以其宏大的视野和精辟的论述，为我们提供了一个全新的理解艺术与社会互动的框架。

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一直以来，我都在寻找一本能够解释艺术创作如何与社会环境深度互动的书籍，而《表演、体制、观众》恰好满足了我的这一渴望。作者的写作角度极其独特，他没有将“表演”仅仅理解为舞台上的艺术技巧，而是将其视为一种普遍存在的社会实践，一种个体在与他人互动、构建社会关系过程中所进行的“呈现”和“扮演”。书中对不同文化背景下表演形式的梳理，以及表演如何服务于仪式、宗教、政治等功能的探讨，都极具启发性。他认为，表演是构建社会认同、传递文化价值、甚至挑战既定秩序的重要方式。更为关键的是，作者在“体制”的分析上展现了惊人的深度和广度。他将“体制”理解为一套影响艺术生产、传播和接受的规则、结构和权力关系。他深入剖析了经济体制（如艺术市场的运作和赞助体系）、政治体制（如政府的文化政策和审查制度）、以及文化传播体制（如媒体的传播方式和技术的普及）如何共同作用，影响着艺术家的创作自由、作品的传播范围以及公众的审美偏好。他以清晰的逻辑和生动的语言，揭示了体制的塑造力和制约力。而“观众”的维度，则将焦点引向了我们。作者分析了观众群体的多样性、他们的期待、他们的接受方式，以及他们如何通过参与和互动来影响艺术的发展。他强调了观众的能动性，以及观众的反馈和批评如何塑造艺术的价值判断。这本书不仅拓宽了我对艺术的认知，更让我深刻认识到，艺术与社会环境之间密不可分的关系，以及我们在其中所扮演的角色。

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在我看来，一部优秀的图书，不仅仅在于其内容的新颖，更在于它能否引发读者对自身所处世界的深入思考。《表演、体制、观众》无疑具备了这样的特质。本书的主题看似聚焦于艺术领域，但作者的笔触却延伸至了更广泛的社会层面。在“表演”这一部分，作者并没有满足于对演员技艺的评述，而是将表演视为一种社会交往的基本方式，一种个体与他人互动、建立身份认同的途径。书中对不同社会情境下的“表演性”进行了细致的梳理，例如政治家的演讲、商业广告的宣传，甚至日常人际交往中的“扮演”。他揭示了在这些看似平常的场景中，表演的策略、技巧和目的与舞台表演有着共通之处。而“体制”的分析，则是本书的另一大亮点。作者对“体制”的界定非常开阔，他将其视为塑造我们行为和认知模式的各种社会结构和权力网络。他深入探讨了经济体制（如市场经济对艺术创作的影响）、政治体制（如政府的文化政策和审查制度）以及社会文化体制（如大众传媒、教育体系）如何共同作用，对艺术的生产、传播和接受产生了深远的影响。书中对艺术基金运作、行业协会规范、甚至版权保护等方面的详细阐述，都让我们得以窥见艺术产业背后的复杂运作。在“观众”的章节，作者更是将焦点转向了我们——作为艺术作品的接收者。他分析了观众群体的多元化，以及不同群体在审美偏好、解读方式上的差异。他强调了观众的互动性，以及观众的反馈和参与如何影响着艺术的走向。这本书让我们认识到，艺术并非孤立的存在，而是深深地交织在社会、经济、政治和文化之中。

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当我拿到《表演、体制、观众》这本书时，心中涌起的是一种久违的期待，一种希望能通过阅读来拓展自身认知边界的渴望。读完这本书，我不得不说，这份期待得到了极大的满足。作者在“表演”的论述中，将焦点从个体演员的技巧转向了表演的社会功能和意义。他认为，表演不仅仅是舞台上的艺术呈现，更是一种广泛存在的社会实践，一种个体在与他人互动、构建社会关系过程中所进行的“呈现”和“扮演”。书中对不同文化背景下表演形式的比较，以及对表演如何服务于仪式、宗教、政治等功能的探讨，都极具启发性。更为重要的是，作者对“体制”的分析，为我们理解艺术的生存环境提供了至关重要的线索。他将“体制”理解为一套影响艺术生产、传播和接受的规则、结构和权力关系。无论是政府的文化政策、艺术基金的运作、市场的供需关系，还是媒体的传播方式，甚至是教育体系对人才的培养，都构成了艺术的“体制”环境。他通过大量的案例，展示了这些体制如何塑造了艺术家的创作空间，影响了作品的风格和内容，并最终决定了作品的传播范围和影响力。而“观众”部分，则让读者有机会反思自身的角色。作者分析了观众群体的构成、他们的期待、他们对艺术的解读方式，以及他们如何通过消费、评论和参与来影响艺术的发展。他指出，观众并非被动的接受者，而是积极的参与者，他们的存在和互动，是艺术生命力的重要来源。这本书的魅力在于，它能够将个体化的艺术行为与宏观的社会结构巧妙地联系起来，让我们看到艺术背后更为广阔的图景。

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非常出色的一部关于共和国十七年时期的知名电影演员研究的论著，创造性地将基于好莱坞电影体制的西方电影明星研究的诸多理论，在一个全新的革命文化与意识形态的语境下，加以引申和利用，对十七年时期的知名电影演员的表演哲学、生产机制与受众接受机制等，都作出了精彩而到位的分析。作者之于电影文本的细读功力，对于西方艺术与社科理论的熟稔与创造性运用，以及对于共和国十七年前后文化、权力与意识形态机制的深刻理解，都让人印象深刻。电影史研究、文化研究和艺术文化史、社会文化史的相关爱好者与研究者，都能从本书当中，大有获益。

评分☆☆☆☆☆

看到之后直接下单了，趁家里停电阅读了一下，应该是北师大的博士论文，资料翔实，且由于这个领域本来就存在空缺，感觉还是挺有价值。但比较可惜的是，感觉艺术和电影研究学者总是缺乏对于“人”本身的微观关注，无论是明星还是受众，尤其后面受众的部分感觉是前面部分体制的延续，如果能加上微观一点的分析肯定好一些，是否可以有一些更好的观点出现，不那么平。

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与其说是探究社会主义明星本身，不如说是站在好莱坞明星制的角度探讨社会主义明星的“去明星化”和意识形态建构。没有太新的观点，可能因为“十七年”电影确实是一个特殊的文本。

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看到之后直接下单了，趁家里停电阅读了一下，应该是北师大的博士论文，资料翔实，且由于这个领域本来就存在空缺，感觉还是挺有价值。但比较可惜的是，感觉艺术和电影研究学者总是缺乏对于“人”本身的微观关注，无论是明星还是受众，尤其后面受众的部分感觉是前面部分体制的延续，如果能加上微观一点的分析肯定好一些，是否可以有一些更好的观点出现，不那么平。

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与其说是探究社会主义明星本身，不如说是站在好莱坞明星制的角度探讨社会主义明星的“去明星化”和意识形态建构。没有太新的观点，可能因为“十七年”电影确实是一个特殊的文本。