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出版者:上海古籍出版社

作者:沃兴华

出品人:

页数:158

译者:

出版时间:2008-11

价格:48.00元

装帧:

isbn号码:9787532552696

丛书系列:书法创作论

图书标签:

• 书法
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翰墨丹青：中国传统绘画的意境与技法探微 一部深入探索中国传统绘画精神内核与实践技巧的百科全书式著作。 --- 卷首语：笔墨的呼吸与世界的交融 本书并非旨在对中国书法艺术的创作理论进行阐释，而是将目光投向与“笔墨”这一核心媒介紧密相连的另一大艺术门类——中国传统绘画。我们相信，笔墨的哲学性与技法性，在绘画领域得到了更为丰富和直观的体现。《翰墨丹青：中国传统绘画的意境与技法探微》力求带领读者穿越时空，深入体验中国古代文人画家们如何通过有限的材料，构建无限的宇宙。 本书核心观点在于，中国传统绘画（尤其是文人画）的精髓，不在于对客观事物的摹写，而在于对画家主体精神的抒发与对自然万物“气韵”的捕捉。它是一门关乎“写心”的艺术，是哲学、诗歌与视觉艺术的完美结合。 第一章：形神兼备——中国画的本体论基础 本章首先确立了中国画区别于西方造型艺术的根本视角。我们探讨了中国传统美学中“气”与“韵”的概念，它们是中国画的灵魂所在。 1.1 气韵生动的哲学根源： 详细分析了魏晋时期谢赫提出的“六法”中，首要的“气韵生动”如何被后世发展为绘画的最高标准。讨论了道家“道法自然”思想对画家观察世界方式的影响，强调了“意在笔先”的重要性。 1.2 笔墨语言的张力： 中国画的语言系统是独特的。本节将传统笔法拆解为“骨法用笔”与“墨分五色”两个维度进行深入研究。 骨法： 探讨了线条的力度、速度与提按，分析了“十八描”在人物画中如何表现人物的内在性格，而非单纯的轮廓勾勒。 墨法： 细致区分了焦、浓、重、淡、清五种墨色的层次变化，以及如何利用“涨墨法”、“破墨法”等技巧，在平面上营造出深邃的空间感与物质的质感。 1.3 空间与虚实的辩证： 中国画不使用焦点透视，而是采用散点透视和高远、平远、深远等多种空间处理手法。本章重点分析了“计白当黑”的构图哲学，即留白（虚）如何成为承载意境和引导视线的主要元素。 --- 第二章：山水之间——文人画的意境营造与流派演变 山水画是中国画的集大成者，它承载了中国文人“寄情山水、隐逸避世”的理想。 2.1 师古与创新：从唐代“雄浑”到宋代“精微”： 梳理了唐代李思训的青绿山水（注重装饰性与富贵气）与荆浩、关仝的北方山水（强调雄伟气势与斧劈皴法）的差异。重点分析了南宋马远、夏圭“一角两角”的构图，如何以极简的手法表达“留白有尽，意境无穷”的禅意。 2.2 元四家的精神高度： 深入解读黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙四位大师如何将书法入画，彻底确立了“笔墨即心画”的文人画主流地位。特别是倪瓒的“折带皴”与萧疏的意境，体现了对世俗的疏离。 2.3 清代的融合与地域性： 考察了董其昌提出的“南北宗论”的历史影响，以及“四王”对传统笔墨的集大成式整理，同时讨论了石涛、八大山人等“遗民画家”如何通过怪异的笔触表达激越的个体情感，使笔墨更具表现力。 --- 第三章：花鸟虫鱼——物我两忘的生命赞歌 花鸟画是表现生命力与季节更迭的独特视角。它与文人画中的“梅兰竹菊”四君子精神紧密相连。 3.1 写意花鸟的“生意”： 区别于工笔的细致描摹，本章侧重写意花鸟（如徐渭、吴昌石一派）对物象的提炼。分析了如何通过一两笔墨的晕染，捕捉花朵的朝气或竹叶的劲挺。 3.2 四君子的哲学意蕴： 梅（傲骨）： 论述了寒冬独立、不媚时俗的品格象征。 兰（幽香）： 探讨了空谷足音、淡泊宁静的文人情操。 竹（气节）： 分析了中通外直、虚心有节的君子之道。 菊（隐逸）： 阐释了凌霜独立、淡泊名利的归隐情怀。 3.3 禽鸟的动势捕捉： 探讨了如何利用中国画的“线描”技巧，捕捉飞禽走兽的瞬间动态，如赵佶（宋徽宗）对鸟雀神态的精准拿捏，以及如何通过结构简化来强化动物的生命力。 --- 第四章：人物画的典范与笔墨转型 人物画是历史传承中最为艰难的领域，因为它与“形似”的要求最为接近，但也最考验画家对“神似”的把握。 4.1 魏晋风度与顾恺之的“传神论”： 回溯人物画的源头，解析“以形写神”的早期探索，及其对后世人物造型理念的奠基作用。 4.2 仕女与高士的造型语言： 重点对比了唐代吴道子的“吴带当风”的飘逸线条（充满动感和宗教气息）与宋代李公麟“白描”的洗练精致（注重结构与衣纹的提炼）。分析了不同朝代服饰的衣纹画法如何服务于人物身份和情感的表达。 4.3 晚清民初的变革： 考察了任伯年、蒲华等画家如何将花鸟画的笔墨技巧（如泼墨、晕染）引入人物画的背景处理和光影塑造中，为现代中国画的人文精神注入新的活力。 --- 第五章：理论的实践——书画同源的艺术通汇 本章旨在证明，中国画的技法，是书法技法在二维平面上的自然延伸和扩展。 5.1 题跋与印章的艺术： 探讨了题跋（诗文）在中国画中的不可分割性。优秀的题跋不仅是作品的注解，更是画家在另一个维度的自我抒发，它赋予了画面以文学的深度。同时，分析了篆刻艺术如何通过印泥的朱红与墨色的黑白对比，完成对画面的视觉收尾和象征性强调。 5.2 笔法的互证与转化： 具体展示了篆书的“中锋行笔”如何对应山石的阳刚之气（如披麻皴），以及草书的连带与流动如何转化为云雾、水流的形态。讨论了书法中的“提、按、顿、挫”在描绘物象时，如何转化为轻柔或遒劲的笔触。 结语：当代视域下的传统回望 《翰墨丹青》最终落脚于当代艺术的语境。它呼吁现代艺术家在继承传统笔墨的精湛技艺时，更要继承其背后“天人合一”、“以心观物”的哲学精神，使这份承载了数千年东方智慧的艺术形式，在今天的世界中，依然能够发出其独特而深沉的时代之声。 --- (全书共计约五大章，约十五万字内容架构的详尽提纲，聚焦于中国传统绘画的理论、技法、流派和哲学基础。)

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这本书的出现，简直是为我这种还在“摸索”阶段的书法爱好者注入了一剂强心针。以前学书法，总觉得是在机械地模仿，但《书法创作论》的出现，让我开始审视自己创作的“灵魂”。书中对“气韵生动”的解读，让我明白书法并不仅仅是技巧的堆砌，更是一种情感的表达，一种精神的传递。作者从多个角度剖析了“气”在书法中的重要性，比如笔画的力度、速度、提按顿挫所产生的视觉冲击力，以及章法的虚实相生、疏密有致所营造的整体氛围。我印象最深的是关于“神采”的论述，它不是外在的华丽，而是内在的生命力，是每一笔都充满个性和活力，仿佛拥有自己的生命。这本书的语言风格非常朴实，没有过多的术语堆砌，但字里行间却蕴含着深邃的哲理，让我受益匪浅。我开始尝试着在临帖时，去体会古人的用笔感受，去揣摩他们心中的意境，而不是简单地复制字形。这种转变，让我感到自己的书法正在发生微妙的变化，从“形似”逐渐走向“神似”。

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作为一个长期从事艺术创作的人，我对“创作”二字有着天然的敏感。《书法创作论》这本书，恰恰切中了我的兴趣点。它并非侧重于基础技法的讲解，而是将目光聚焦在书法创作的“心法”和“道”上。书中对于“师造化”的阐释，让我茅塞顿开。作者认为，书法家的灵感并非凭空而来，而是来源于对生活、对自然的细致观察和深刻感悟。那些山川河流的壮丽，花鸟虫鱼的灵动，甚至人情世故的起伏，都可以转化为笔下的线条和墨色。这种将艺术创作与生活体验紧密结合的理念，让我深受启发。我一直觉得，好的艺术作品，一定有着其独特的情感内核和生命张力，而这本书正是教我们如何去挖掘和表达这种内在的生命力。它鼓励我们走出书房，去感受世界，去体验生活，然后将这些感悟融入到自己的书法创作中。这种开放性的创作思路，让我觉得书法不再是束之高阁的古老技艺，而是充满无限可能性的现代艺术。

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对于已经掌握了一定基础书法的我来说，《书法创作论》的出现，就像是为我打开了一扇新的大门。这本书的独到之处在于，它并没有停留在对传统书法的“继承”层面，而是着重探讨了“创新”的路径和可能性。作者在书中分析了历史上书法艺术发展的几个重要转折点，以及那些敢于突破常规、开宗立派的书法家们的思想和实践。这让我意识到，真正的书法大家，不仅要有扎实的功底，更要有独立思考和敢于创新的勇气。书中对于“时代精神”在书法创作中的体现，也让我产生了浓厚的兴趣。如何将当下的时代气息，通过书法这一古老的艺术形式表达出来，这其中蕴含着巨大的挑战和机遇。这本书的语言风格显得颇为犀利和深刻，不回避问题，直指核心，让我能够在阅读中不断地进行自我反思和审视。它挑战了我原有的许多固有的观念，让我开始思考，如何在传承优秀传统的基础上，赋予书法新的生命和意义。

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刚拿到这本《书法创作论》，封面设计就透着一股沉静古朴的气息，淡雅的色彩与笔墨的晕染恰到好处地融合，瞬间就勾起了我对传统艺术的深深向往。迫不及待地翻开，虽然我并非科班出身，只是一个对书法充满热爱和好奇的爱好者，但这本书的编排逻辑清晰，引人入胜。它并非仅仅罗列理论，而是像一位经验丰富的老者，娓娓道来，将抽象的书法创作过程具象化。我尤其喜欢其中关于“意在笔先”的阐述，作者用生动的语言描绘了书法家在动笔前，心中早已构建起完整的意象，这种精神层面的准备，才是赋予笔画生命力的源泉。阅读过程中，我仿佛置身于一个古老的书房，伴随着笔墨的清香，一同感受文字的力量与美。书中的插图和例字也极具代表性，让我能够直观地理解作者所传达的理念，虽然我离真正掌握这些境界还很遥远，但这本书无疑为我指明了一个方向，激发了我对自身创作的思考和探索。它不是那种让人望而生畏的学术专著，而是更像一位良师益友，引导着我一步步接近书法的奥秘，感受那份独有的宁静与专注。

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我一直以为，书法创作是一件非常个人化、非常神秘的事情，直到我读了《书法创作论》。这本书的内容，让我对“创作”这个词有了全新的理解。它不像我之前看过的很多关于书法教学的书籍，只是教你如何写得像某位大家，而是从一个更宏观、更哲学的角度，去探讨书法创作的本质。书中关于“韵”的论述，让我感受到了前所未有的深度。它不是简单的字形美，也不是笔画的流畅，而是一种内在的、难以言说的气息，一种流淌在字里行间的生命韵律。作者通过大量的分析和解读，让我看到了书法作品中蕴含的丰富情感和思想，也让我明白了，为什么有些作品能够穿越时空，打动人心。这本书的叙述方式非常具有引导性，仿佛在和我进行一场深入的对话，不断地提出问题，引导我去思考。虽然我可能无法完全理解书中的所有精髓，但它无疑让我对书法创作的理解上升到了一个新的层次，让我开始真正去体会书法作品的“言外之意”和“味外之旨”。

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探索的勇气可嘉。书末肖鑫先生的宏论比沃兴华本人的理论高屋建瓴得多

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自己建立一套评价体系吧，探索精神可嘉

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