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出版者:上海远东出版社

作者:吴良忠

出品人:

页数:246

译者:

出版时间:2009年

价格:98.00元

装帧:平装

isbn号码:9787807068341

丛书系列:

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好的，这是一本关于《世界建筑史》的图书简介： --- 《世界建筑史：从史前遗迹到未来构想》 引言：空间的叙事者 建筑，是人类文明最宏大、最持久的载体。它不仅仅是遮风避雨的物理结构，更是特定时代社会结构、信仰体系、技术水平和审美情趣的物化表达。本书《世界建筑史：从史前遗迹到未来构想》旨在梳理人类自诞生之日起，如何利用和塑造空间，构建起我们今日所见的复杂文化景观。这不是一本枯燥的年代编年史，而是一场穿越时空的深度对话，去聆听那些矗立不倒的石头、木材和钢铁讲述的关于生存、权力、神圣与世俗的故事。 第一部分：起源与神圣的奠基 (史前至古典时代) 第一章：原始的几何与永恒的方位 我们将从巨石阵、哥贝克力石阵等史前遗迹开始，探讨早期人类对天空、太阳和季节的观测如何转化为最初的建筑布局。这一时期的建筑是原始信仰与生存需求的直接体现，其功能大于形式，但其中蕴含的宇宙观已然奠定了后世的建筑哲学。 第二章：两河流域与尼罗河的泥板与方尖碑 美索不达米亚的吉库拉塔（Ziggurat）如何从宗教祭坛演变为城市的制高点？古埃及的金字塔和神庙，如何通过其精确的几何比例和对永恒的追求，成为法老权力与来世信仰的终极象征？我们将深入解析这些庞大工程背后的组织管理能力和宗教意图。 第三章：爱琴海的迷宫与多立克、爱奥尼、科林斯柱式的诞生 从克里特岛的米诺斯宫殿的复杂布局，到迈锡尼的防御工事，爱琴海文明展现了早期对空间叙事的敏感性。随后，我们将重点剖析古希腊的神庙建筑，特别是帕特农神庙，解析其“视觉修正”的哲学基础，以及三柱式（多立克、爱奥尼、科林斯）如何不仅是一种结构，更是一种关于秩序、美学和公民精神的宣言。 第四章：罗马的实用主义与宏伟的帝国 罗马人继承了希腊的柱式，却将重点转向了工程技术。本书将详述罗马人在拱券、交叉拱顶和混凝土（Opus Caementicium）上的革命性突破。万神殿的巨大穹顶如何定义了光的运用？帝国的浴场、引水渠和巴西利卡（Basilica）如何体现了帝国对公民生活、公共服务和法律秩序的全面控制？罗马的建筑语言，是帝国扩张和治理能力的直接体现。 第二部分：信仰的塑造与中世纪的超越 (中世纪) 第五章：拜占庭的穹顶与光线之谜 在君士坦丁堡，拜占庭的建筑师们解决了如何在一个方形基座上支撑巨大圆形穹顶的难题。圣索菲亚大教堂（Hagia Sophia）不仅是技术上的奇迹，更是“天国在人间”的视觉化尝试。我们将探讨其马赛克艺术与建筑空间的融合，揭示其对东西方文化交汇的影响。 第六章：罗马式：坚固的堡垒与朝圣之路 受制于技术和防御需求，欧洲中世纪早期的建筑趋向于厚重、朴拙和内向。罗马式教堂和修道院，以其半圆拱和厚实的墙体，构筑了信仰的庇护所。我们将考察其对朝圣路线的组织，以及其朴素的叙事风格在欧洲范围内的传播。 第七章：哥特式：向天空的垂直攀升 哥特式建筑是人类对“超越性”的极致表达。飞扶壁、肋拱和尖拱的组合，使得墙体被解放，取而代之的是巨大的彩色玻璃窗。沙特尔、兰斯和巴黎圣母院，这些“光线与玻璃的奇迹”，如何通过其精妙的结构平衡，引导信徒的目光和心灵直指天堂？我们将详细分析其结构原理和象征意义的复杂交织。 第三部分：文艺复兴的回归与巴洛克的戏剧性 (近代早期) 第八章：文艺复兴：重拾古典的理性之光 当欧洲重新审视古希腊罗马的文献，建筑学迎来了理性主义的回归。布鲁内莱斯基的佛罗伦萨大教堂穹顶，标志着对古典工程学的复兴。本书将探讨阿尔伯蒂、布拉曼特和帕拉第奥如何将黄金分割、对称性、模块化和柱式重新引入设计，将建筑视为一种精确的数学和哲学表达。 第九章：巴洛克与洛可可：情感、运动与光影的交响 随着宗教改革和君主集权的加强，建筑风格转向动感、夸张和强烈的戏剧效果。巴洛克建筑，以贝尼尼和波罗米尼为代表，通过流动的线条、巨大的尺度和对内部光线的精准控制，旨在震撼和说服观者。洛可可则将这种情感表达推向了更精致、更私密的室内装饰层面。 第十章：启蒙时代的秩序与古典复兴 在启蒙运动的影响下，建筑再次回归对古罗马和希腊的纯粹模仿，强调清晰、简洁和公共性。这种新古典主义（Neoclassicism）如何影响了国会大厦、博物馆和城市规划，成为现代国家权力和公民理性的象征？ 第四部分：工业革命的冲击与现代主义的诞生 (19世纪至20世纪初) 第十一章：钢铁、玻璃与新的材料革命 19世纪的工业革命彻底颠覆了建筑的物理可能性。铸铁、钢材和结构玻璃的出现，使得建筑师能够挑战传统承重墙的限制。从伦敦的水晶宫到埃菲尔铁塔，本书分析了技术进步如何迫使美学观念进行调整。 第十二章：现代主义的宣言：功能、纯粹与社会责任 面对20世纪初的社会转型，一批建筑师（勒·柯布西耶、密斯·凡德罗、格罗皮乌斯）高呼“形式服从功能”。我们将深入剖析包豪斯学派、国际风格的原则，解析“去除一切不必要的装饰”这一理念背后的社会乌托邦理想，以及其对标准化、大规模住宅的贡献和争议。 第五部分：多元的探索与后现代的回响 (20世纪中后期至今) 第十三章：野兽派的混凝土力量与现代主义的批判 二战后，粗野主义（Brutalism）以其未经修饰的混凝土（Béton Brut）和强调结构的真实性，成为许多公共建筑的选择。但其僵硬的形象也引发了对现代主义冷漠的反思。 第十四章：后现代主义的回归与折衷主义的解构 对国际风格单调性的反抗，后现代主义（Postmodernism）重新拥抱历史元素、符号和幽默感。从文丘里的“少即是乏味”到詹克斯对“双重编码”的追求，建筑开始重新与历史文脉和大众文化对话。 第十五章：高技派、解构主义与可持续的未来 从高技派（High-Tech）对建筑构件的暴露与赞美，到解构主义（Deconstructivism）对传统稳定性的挑战，当代建筑呈现出前所未有的多样性。最后，我们将探讨生态建筑、参数化设计以及如何在一个资源有限的世界中，重新定义建筑的社会、环境责任和美学边界。 结语：未完成的蓝图 建筑史是一部永不终结的草稿。本书的每一页，都试图揭示建筑师在材料、结构、光线与人文需求之间进行艰难权衡的过程。阅读此书，不仅是认识过去的建筑，更是培养一种解读我们周围环境、预见未来生活方式的能力。 ---

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说实话，最初拿起这本厚厚的《美术版本过眼录》时，我有点担心它会是一本晦涩难懂的学术专著，毕竟“版本”和“过眼”这两个词听起来就充满了专业的门槛。然而，我的顾虑很快就被打消了。作者的叙事方式非常高明，他巧妙地将枯燥的版本学知识融入到引人入胜的“故事”之中。例如，书中关于某件传世孤本的流传轨迹描写，简直就是一部微缩的史诗，充满了戏剧性的转折——从皇家秘库到战火纷飞的颠沛流离，再到现代博物馆的重见天日。这种叙事技巧使得即便是初涉此领域的读者也能轻松进入状态。更让我赞叹的是，作者在描述每一次“版本更迭”时，总能适时地插入当时的艺术思潮评论，让读者明白，版本之变，实乃时代心境之映照。这本书的价值，绝不仅在于提供了信息的清单，更在于它提供了一种看待艺术品生命力的全新视角——每一个版本，都是那个特定时间点上，艺术与权力、技术与审美的“合谋”产物。读完之后，我对那些博物馆里的展品，那种“唯一性”的信仰开始动摇，取而代之的是对“多样性”的欣赏。

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这本《美术版本过眼录》真是让我大开眼界，它不仅仅是一本书，更像是一扇通往艺术史深处的窗户。我尤其欣赏作者在梳理不同历史时期艺术品版本流变时的那种严谨与细腻。比如，书中对某些经典画作不同摹本之间笔触、用色乃至装裱细节的对比分析，简直达到了“吹毛求疵”的地步，但也正因如此，才能清晰地勾勒出艺术在时间长河中如何被“转译”和“重塑”的过程。作者并没有停留于简单的版本罗列，而是深入探讨了不同版本背后的社会背景、收藏家趣味乃至技术条件的制约。读到关于宋代拓本与明代刻本差异的那一章时，我几乎能想象出古代工匠们在灯下精雕细琢的场景，那种对原作精神的敬畏与再现的努力，隔着千年依然能感受到。这本书的阅读体验，不是那种快餐式的知识摄取，而是需要静下心来，像一个真正的鉴赏家一样去品味每一个字句中蕴含的考据深度。对于任何一个对艺术文献学、版本学感兴趣的痴迷者来说，这绝对是一部不可多得的案头宝典，它教会你如何“看清”而非仅仅“看见”。

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这本书带给我最大的收获，是认识到“完美”在艺术流传中的悖论。作者通过对大量“次要版本”的深入挖掘，颠覆了我过去那种“越接近原作越好”的传统观念。书中有一段精妙的论述，指出某些在流传中被不断修补、重绘、甚至“优化”的版本，虽然技术上偏离了原作，但在特定的历史阶段，它们反而更好地契合了当时的审美需求，甚至成为了新的“范本”。这些被视为“瑕疵”的版本，有时比所谓的“原版”更能体现出艺术生命力的顽强与适应性。这种对“不完美”的赞颂，让我对艺术品的“光环”有了更成熟的理解。它不再是高高在上、不可触碰的圣物，而是一种有生命、会呼吸、会根据环境调整自己的有机体。读完后，我对待那些带有一点点“历史痕迹”的旧物，态度都变得更加宽容和欣赏了。这不仅仅是一本关于美术版本的书，更是一本关于时间、变化与价值重塑的哲学读物。

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这本书的装帧设计本身就透露出一种对“版本”的致敬，这本身就很有趣。纸张的质感、印刷的精细度，都仿佛在模仿书中探讨的那些高级品相的古籍。然而，真正让我震撼的是作者对材料科学在版本鉴定中的应用分析。他没有停留在传统的“看印泥”、“辨纸色”的经验主义层面，而是引入了现代光谱分析、显微成像等技术手段来佐证某些版本的真伪与年代。这使得整本书的论证体系显得异常坚实有力，如同戴上了一副X光眼镜去审视历史。特别是书中对不同时期水印和纸张纤维的对比图解，简直是教科书级别的示范。我记得其中一节专门分析了清代宫廷画院中不同画师使用特制泥金纸的微妙差别，那种对细节的执着令人咋舌。它让我意识到，艺术版本的考证工作，早已不是凭感觉的“意淫”，而是严谨的、多学科交叉的科学探索。这本书极大地提升了我对“版本”概念的理解维度，将其从美学范畴拓展到了物质科学的层面。

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我通常不太喜欢阅读那种观点过于强烈的学术著作，总觉得容易陷入作者的个人偏见。但《美术版本过眼录》的平衡感拿捏得极好。作者在提出自己倾向性的判断时，总是会清晰地列出所有支持和反对的证据链，把最终的“裁决权”留给了读者。这种开放式的讨论，极大地激发了我的批判性思维。比如，在讨论某件早期雕版画的“首印本”争议时，作者列举了三派主流观点，每一派的论据都言之凿凿，分析得丝丝入扣，让人不禁在脑海中进行辩论。这使得阅读过程充满了智力上的“博弈感”。它不强迫你接受既定结论，而是邀请你加入到历史学家和鉴定家的行列，一同去探寻真相的模糊边界。这种高质量的智力互动，是我在其他艺术类书籍中很少体验到的。它更像是一场与历史的深度对话，而不是单方面的灌输。

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第三本就露马脚了。书后很大篇幅介绍几个民间艺人，不知背后有什么故事。实话说，三本书都没什么文献学功底，纯粹是分享藏品。

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第三本就露马脚了。书后很大篇幅介绍几个民间艺人，不知背后有什么故事。实话说，三本书都没什么文献学功底，纯粹是分享藏品。

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不错，入门很好，通过阅读此书开了眼界

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第三本就露马脚了。书后很大篇幅介绍几个民间艺人，不知背后有什么故事。实话说，三本书都没什么文献学功底，纯粹是分享藏品。

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第三本就露马脚了。书后很大篇幅介绍几个民间艺人，不知背后有什么故事。实话说，三本书都没什么文献学功底，纯粹是分享藏品。