具体描述
作者简介
安德烈·巴赞（Andre Bazin, 1918～1958），法国《电影手册》创办人，二战后西方最重要的电影批评家、理论家，法国新浪潮电影之父。
崔君衍，毕业于北京外国语大学，巴黎大学访问学者，哈佛大学高级访问学者，香港城市大学访问教授。主要著述有《现代电影理论信息》、《电影心理学研究》、《电影符号学》等；主要译作有《世俗神话》、《电影哲学概说》、《影片美学》；主编有《电影美学与心理学》、《电影艺术词典》、《现代艺术大辞典》电影分科等。
目录信息
读后感
事物的影像也像时间的延续，仿佛一句可变的木乃伊。——巴赞 书概要线路1：电影基本构成——电影拍摄手法——电影的文本极其相关性——电影表现手法分析 线路2：探险电影——儿童电影——西部片——超西部片——纯电影——写实电影 摄影是自然造物的补充，而不是替代。而电影是...
评分巴赞对蒙太奇的评价建立在电影本体论的立场上，即影像与客观现实中的被摄物的同一。在《摄影摄像的本体论》一文中，巴赞提出，电影再现事物原貌的本性是电影美学的基础。因此，演员不应先于存在而表现，摄影棚和人造光应尽可能地排除在电影拍摄的流程之外，叙事结构应尊重事件...
评分巴赞对蒙太奇的评价建立在电影本体论的立场上，即影像与客观现实中的被摄物的同一。在《摄影摄像的本体论》一文中，巴赞提出，电影再现事物原貌的本性是电影美学的基础。因此，演员不应先于存在而表现，摄影棚和人造光应尽可能地排除在电影拍摄的流程之外，叙事结构应尊重事件...
评分巴赞对蒙太奇的评价建立在电影本体论的立场上，即影像与客观现实中的被摄物的同一。在《摄影摄像的本体论》一文中，巴赞提出，电影再现事物原貌的本性是电影美学的基础。因此，演员不应先于存在而表现，摄影棚和人造光应尽可能地排除在电影拍摄的流程之外，叙事结构应尊重事件...
评分1.《摄影影像的本体论》 照相术的发明彻底打破了传统绘画艺术对现实世界复原的想象和努力，直接通过摄影机复制对象，传统绘画中无法解决的艺术家的主观性问题在摄影技术这里得以解决。人类与时间抗衡的心理愿望（木乃伊情结）在照相术的发明以及之后活动影像的出现这里得到了真...
用户评价
这部作品，坦白说，从一开始就带着一种难以言喻的厚重感，仿佛作者不是在探讨电影本身，而是在试图解构我们对“影像”这个概念的所有先验认知。我本来期待的是一本清晰梳理电影流派、技术革新或是导演风格演变的入门指南，结果却像被扔进了一片哲学思辨的迷雾之中。书中的论述逻辑跳跃性极大，常常从对某一特定镜头运动的细微分析，突然转向对主体性与客体性之间关系的深刻质疑。我花了很长时间才适应这种叙事节奏，尤其是在处理那些晦涩的德语哲学词汇时，阅读体验更像是解密一桩陈年的档案，而非享受一次流畅的知识吸收。比如，作者在讨论“蒙太奇”时，并没有停留在剪辑的层面，而是将其提升到了存在论的高度，探讨碎片化的时间如何构建出一种虚假的、被控制的“现实感”。这种深度固然令人敬佩，但也极大地提高了读者的门槛，对于只想了解“如何欣赏一部好电影”的普通爱好者来说，这本书可能更像是一块难以啃动的硬骨头，充满了需要反复查阅和沉思的段落。它更像是写给那些已经熟谙电影史，并对现象学、符号学有一定涉猎的学者们的一份深度报告，而非大众普及读物。
评分阅读这本书的过程，我体验到了一种智力上的双重感受：既有如获至宝的兴奋感，也有面对巍峨高山时的挫败感。作者似乎非常钟爱用排比句和长难句来构建他的论点，使得每一页的内容都充满了信息密度。我发现自己不得不频繁地使用荧光笔来标记那些关键的转折词和定义，否则很容易在上下文的洪流中迷失方向。尤其值得一提的是，关于“观看主体性”的部分，作者借鉴了诸多后结构主义的理论视角，探讨了技术媒介如何塑造我们的感知器官，以及电影院环境在这一过程中的隐秘作用。他将电影院描述为一个“受控的、准宗教性的体验空间”，这种提法非常犀利。然而，这种对“宏大叙事”的偏爱，使得书中对电影作为一种大众娱乐或商业艺术形式的讨论显得非常单薄，甚至有些轻蔑。这让作为一名同时热爱艺术片和商业片的普通观众的我，感到有些许疏离。这本书更像是在为“电影的最高形态”立传，而对那些服务于普通人日常精神需求的电影，则几乎不屑一顾。
评分读完第一遍后，我最大的感受是，这本书与其说是在“告诉”你电影是什么，不如说是在“逼迫”你去思考——你所认为的电影，到底是不是电影？作者的写作风格极其个人化，充满了强烈的断言和挑战性的反问，读起来就像是在跟一个非常固执的、知识渊博的导师进行一场永无休止的辩论。他对任何既定的定义都嗤之以鼻，试图用一种近乎解构主义的方式，把“电影”这个词拆解到原子层面，然后观察剩下的残骸。这种写作手法在描述某些特定的欧洲先锋电影时尤为有效，它成功地将那些原本晦涩难懂的艺术作品置于一个更广阔的文化和理论框架下进行审视。然而，这种用力过猛的批判性也带来了一个问题：书中对“正面”论述的篇幅严重不足。当你合上书本时，你可能对电影的“可能性边界”有了全新的认识，但对于如何具体地去识别和欣赏一部传统叙事片中的优秀技巧，却感到一片茫然。它更像是一面镜子，反射出你思想中的盲区，而不是一幅地图，指引你前进的方向。我希望作者能在保持批判力度的同时，也提供一些更为坚实的立足点供读者参考。
评分这本书的视角极为独特，它似乎完全绕开了我们通常理解的电影的“叙事功能”，而将焦点放在了“物质性”上——胶片本身、放映机的机械运动、光束穿过空气的轨迹。作者对这些“非人文”元素的关注达到了近乎痴迷的程度。他笔下的电影，与其说是一种艺术创作，不如说是一种物理现象的记录与重现。这种彻底抽离了传统叙事分析的立场，让这本书在电影理论界显得鹤立鸡群。我尤其欣赏作者在分析声音设计时所采用的立体空间概念，他不仅仅讨论声音的来源和内容，更探讨了声波本身如何作为一种能量场来作用于观众的身体感知。这种将美学研究拓展到生理学和物理学边界的尝试，是这本书最大的亮点。但同时，这种对技术物质性的过度强调，也使得部分篇章读起来有些枯燥，缺乏情感的温度。它更像是一份极其详尽的“电影结构工程蓝图”，而非一部引人入胜的理论随笔。对于那些寻求情感共鸣或行业八卦的读者来说，这本书提供的价值可能并不直接，它提供的更像是一把极其精密的尺子，用来测量那些不可见的维度。
评分这本书的装帧和排版本身就透露出一种“反商业化”的决心。纸张的质地粗粝，字体选择也偏向于古典的衬线体，这无疑增加了阅读时的仪式感，但也间接劝退了那些习惯了轻薄、易携书籍的读者。内容上，作者对“光”与“时间”这两个核心要素的探讨，占据了整本书的绝大部分篇幅，其论述的细致程度令人咋舌。他对于胶片颗粒在特定光照条件下如何影响观众的潜意识接收过程的分析，简直细致到了微米级别，甚至引用了大量的物理光学实验数据来佐证其美学观点。这部分内容非常迷人，但也非常耗费精力。我不得不承认，有几次我需要停下来，在脑海中复盘他刚刚建立起来的复杂概念链条。与其他探讨电影的著作相比，这部作品明显缺乏案例的支撑，很少直接引用具体的电影片段进行“示范教学”，更多的是纯粹的理论推导。因此，这本书的价值更倾向于提供一套理解电影的“理论工具箱”，而不是提供一套“电影鉴赏教程”。它要求读者自己去实践这些工具，去检验理论的有效性。
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