具体描述
From the end of the nineteenth century a national musical consciousness gradually emerged in the United States as composers began to turn away from the European conventions on which their music had been modeled. It was in this period of change that experimentalism was born and America subsequently became, as it still is, a major source of new musical ideas for European musicians. David Nicholls considers the most influential figures in the development of American experimentalism, including Charles Ives, Charles Seeger, Ruth Crawford, Henry Cowell and the young John Cage. He analyzes the music and ideas of this group, explaining the compositional techniques invented and employed by them and the historical and cultural context in which they emerged. The book is thus an important contribution toward our understanding of some of the most challenging music of the twentieth century.
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目录信息
读后感
用户评价
这本书在结构上的安排着实令人拍案叫绝，它采取了一种近乎散文诗的叙事方式，而非传统的年代线性推进。许多章节的过渡是基于“主题”而非“时间”，比如一个章节可能集中探讨“失真与机械的韵律”，即便这些概念在时间线上跨越了数十年的光景。这种非线性的叙事，有效地避免了将早期的声音探索僵硬地固定在某个固定的“先驱”标签下。我阅读时，经常会发现作者在分析某一小段早期乐谱时，会突然跳跃到20世纪30年代某个激进艺术家对电力应用的构想，然后在结尾处，又巧妙地将两者联系起来，指出它们在精神内核上的共通之处——都是对“既定媒介的暴力重塑”。这种看似跳跃，实则环环相扣的处理手法，要求读者必须保持高度的注意力，因为信息的关键点往往隐藏在看似无关的段落对比之中。它迫使我不再以“谁在谁之前做了什么”的眼光去看待历史，而是去理解不同声音实验之间那些看不见的哲学脐带，这种阅读体验是极具挑战性，但也极富回报的，因为它揭示了深层次的艺术共谋。
老实说，我买这本书是抱着一种“寻宝”的心态，希望能找到一些鲜为人知、但极具影响力的早期美国声音的详细记录。我原以为会读到大量关于诸如哈里·帕奇（Harry Partch）的早期理论雏形，或者是一些在芝加哥和纽约地下圈子里流传的、关于非西方音阶调式的早期实践的深入剖析。但这本书的叙事风格，却显得异常的“克制”和“疏离”。它更像是一部详尽的编年史，而非充满热情的评论集。每一次提到某个重要的声音突破，作者总是迅速地将其置于更宏大的时代背景之下，然后笔锋一转，又去探讨当时的报纸评论如何看待这些“怪声”。这种处理方式，使得阅读过程充满了学术的严谨性，但对于寻求具体作品分析的读者来说，可能会感到一丝挫败。我渴望听到那些具体乐章的细节——哪个打击乐器的运用打破了常规？哪段旋律的进行是前所未有的？但这本书似乎更关注的是“为什么”这些声音在那个时刻得以产生，而非“是什么”声音本身。它更像是一份关于文化气候的诊断书，而不是一份音乐样本的目录。这种对具体音乐本体的“留白”，让读者不得不自行去补全那些被提及的、但未被细致描绘的声音片段，颇有一种“会心一笑”的默契感，但对于新手来说，门槛无疑是提高了。
如果要用一个词来形容这本书的阅读感受，那或许是“未竟之境”。作者似乎有意地在书的结尾处留下了大量的空白和开放性的问题，并没有提供一个明确的结论，即“1940年美国实验音乐最终走向了何方”。这与许多学术专著力求提供清晰总结的惯例大相径庭。书中最后几章，对战争阴影下艺术家们心态的描绘，以及对技术伦理的讨论，都以一种悬而未决的姿态结束。这种处理方式，与其说是叙述的缺陷，不如说是一种深刻的呼应——正如实验音乐本身所具有的不断自我否定和重构的特性一样，这本书也拒绝提供一个静态的终点。它更像是一张邀请函，邀请读者带着书中所建立的理论框架，去聆听1940年之后那些全新的、未曾记录的声音实践。我合上书本时，脑海中回荡的不是某个既定的历史定论，而是一系列关于“声音的未来可能性”的疑问。这本书成功地将历史的叙事变成了一种对未来聆听的预热，它的价值不在于它告诉了你什么已经发生，而在于它点燃了你去探索什么尚未被充分认识的激情。
这本书的书名是《美国实验音乐 1890-1940》，但我的阅读体验却远远超出了这个时间跨度和地理范围的预设。当我拿起这本书时，我期待的是一份扎实的学术梳理，关于那些被主流音乐史略过的前卫声音，那些在世纪之交到二战前夕，美国本土作曲家们如何在受欧洲影响的同时，试图打破传统的调性、结构和乐器配置的束缚。然而，这本书的叙事视角却是如此的广阔和出人意料。它没有过多纠缠于那些直接被称为“实验音乐”的流派——比如早期的噪声探索或者微音高研究——相反，它巧妙地将目光投向了更深层的文化土壤。作者似乎在暗示，真正的实验性并非仅仅存在于音乐的技法本身，更在于它对社会、技术和个体意识形态的反思。我发现自己被带入了一个关于“声音的政治”的探讨中，探讨了录音技术如何颠覆了音乐的物质性，以及爵士乐的即兴元素在何种程度上可以被视为对既定音乐范式的抵抗。这种宏观的、社会学的解读，让我对“实验”的定义有了全新的认识，它不再是孤立的作曲家在工作室里的“怪异”尝试，而是一种与时代脉搏紧密相连的文化现象。作者对社会思潮的洞察力，使得原本可能枯燥的音乐分析变得生动且富有张力，彷佛历史的声响正从书页中溢出。
这本书的装帧和排版给人的感觉非常“厚重”，仿佛它是一份档案汇编，而非一本面向大众的音乐读物。但真正让我感到意外的是，作者在处理“地域性”问题时所展现出的细致入微。我原以为关于“美国实验音乐”的讨论会高度集中于东海岸的精英知识分子圈层，毕竟那是当时艺术实验的温床。然而，作者花了相当大的篇幅去探讨了中西部和西部的声音实践，特别是那些与当地的民间音乐传统、移民社区的歌唱方式以及特定的工业噪音环境相结合的探索。这种对“地方性声音”的重视，极大地拓宽了我对“实验”范畴的理解。例如，书中对某个特定地区铁路噪音如何被当地的民间音乐家吸收并内化为节奏结构片段的描述，栩栩如生，充满了现场感。这种对边缘声音的挖掘，使得整本书的基调不再是那种高高在上的学院派批判，而更像是一场深入田野的记录。它成功地将1890到1940这五十年间，美国社会各个角落里那些不经意的、非正式的“声音反叛”都纳入了考察范围，让实验音乐不再是少数天才的专利，而是整个社会对工业化和都市化的一种集体反应。
