宜兴紫砂器造型图集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:潘春芳

出品人:

页数:399

译者:

出版时间:2008-6

价格:80.00元

装帧:

isbn号码:9787500310396

丛书系列:

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华夏瓷韵：中国陶瓷艺术鉴赏与发展史 图书概述 《华夏瓷韵：中国陶瓷艺术鉴赏与发展史》是一部旨在全面梳理和深入剖析中国悠久陶瓷发展历程的学术性专著。全书以时间为轴线，以地域为脉络，系统梳理了自新石器时代陶器萌芽至近现代陶瓷艺术的演变轨迹，重点剖析了不同历史时期具有里程碑意义的窑口技术、审美风尚以及文化内涵的变迁。本书不仅侧重于对传世珍品的图像学研究和断代考证，更深入探讨了陶瓷艺术如何作为中国传统文化的重要载体，映照出社会结构、思想观念、科技进步和对外交流的动态过程。 全书共分十章，配有大量高精度彩色图片和翔实的图表说明，力求在学术严谨性与可读性之间达到完美平衡。 --- 第一部分：史前曙光与早期定型 (约300字) 本书开篇追溯至中国陶瓷艺术的源头——新石器时代。详细介绍了仰韶文化、马家窑文化、龙山文化等早期制陶技术的突破，重点阐释了彩陶上抽象几何纹饰所蕴含的原始宇宙观和生活图腾。随后，笔触转向夏商周三代的陶器与原始青瓷的出现，分析了从泥质到炻器，再到早期釉的过渡如何标志着中国迈入真正的“瓷器时代”。商代刻划纹和几何印纹的运用，以及周代礼器制度对早期陶器造型的制约和影响，均进行了细致的图录分析和比较研究。此部分强调了早期制陶工艺中“泥料选择”与“烧成温度”对最终器物美学风格的决定性作用。 --- 第二部分：汉唐气象：青瓷的成熟与白瓷的崛起 (约350字) 进入秦汉，青瓷烧制技术在越窑、德清窑等地达到成熟，其温润如玉的釉色被赋予了“类玉”的审美高度。本书详尽分析了汉代青瓷明器中模仿生活场景的造型特点，以及东汉晚期越窑青瓷中开始出现的刻花和印花工艺。唐代是陶瓷史上的一个高峰，不仅南方的越窑青瓷继续辉煌，北方邢窑白瓷的出现更是开创了“南青北白”的格局。邢窑白瓷以其“类雪似银”的质地，成为宫廷和文人士大夫追捧的新宠。同时，唐三彩的釉彩技术和丰富多彩的动物、人物造型，代表了盛唐开放包容的时代精神。我们专门辟出章节，探讨了唐代陶瓷对外交流，特别是丝绸之路沿线，对中亚乃至伊斯兰世界的影响。 --- 第三部分：宋代审美：五大名窑与文人趣味 (约400字) 宋代是中国古典美学登峰造极的时期，陶瓷艺术的审美转向了内敛、含蓄和意境的表达。本书将重点聚焦于宋代的“五大名窑”——汝、官、哥、定、钧。对于汝窑的“雨过天青云破处”的釉色机理、钧窑的“入窑一色，出窑万彩”的窑变奇观，进行了深入的化学分析和审美解读。定窑的覆烧法对口沿的影响，以及哥窑的“金丝铁线”开片纹的形成机制，均配有高清微距图解。此外，本书还广泛收录了磁州窑的民间朴素风格、龙泉窑的厚釉青瓷，以及建窑和吉州窑的兔毫、玳瑁等特殊釉变茶盏，揭示了宋代士大夫的茶道文化对陶瓷造型与装饰的深刻影响。 --- 第四部分：元明清的革新：彩瓷的登场与高峰 (约450字) 元代是陶瓷史上的一个转折点，青花瓷的成熟标志着彩瓷时代的全面开启。本书详细论述了元景德镇窑如何结合波斯进口的钴料，烧制出气势恢宏的青花大器，其题材内容和雄浑的笔法，体现了蒙古族统治下多元文化的交融。明代，尤其是永乐、宣德时期，青花的烧制达到了巅峰，釉下青花与釉上五彩（斗彩、孔雀绿彩等）的技法不断推陈出新，造型上也更趋于规范化和程式化。清康熙、雍正、乾隆三朝，被誉为“彩瓷的黄金时代”。书中详细对比了青花、粉彩、珐琅彩的技法差异，分析了官窑体系下对器型设计的高度集约化管理，以及外销瓷（如“广彩”）对西方审美品位的迎合与再创造。最后，本书还探讨了晚清时期民窑的衰落与复兴，为近现代陶瓷艺术埋下的伏笔。 --- 结语 《华夏瓷韵》旨在提供一个清晰、立体的中国陶瓷艺术全景图。它不仅是高校陶瓷史、考古学专业的参考教材，更是对所有喜爱中国传统工艺美术的读者，一本值得细细品味的鉴赏指南。全书的最终目的，是让读者理解，每一件看似寻常的陶器或瓷器，都是凝固的历史，是中华民族千年匠心精神的物质载体。

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http://yxyb.blog.sohu.com/94023246.html 南京艺术学院教授、硕士生导师潘春芳编著的《宜兴紫砂器造型图集》日前出版发行，宜兴紫砂行业协会为此组织专题座谈。该书集中了故宫博物院、上海博物院、唐云先生八壶精舍的古代经典紫砂藏品以及当代紫砂名家的作品，件件都有精确的...

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http://yxyb.blog.sohu.com/94023246.html 南京艺术学院教授、硕士生导师潘春芳编著的《宜兴紫砂器造型图集》日前出版发行，宜兴紫砂行业协会为此组织专题座谈。该书集中了故宫博物院、上海博物院、唐云先生八壶精舍的古代经典紫砂藏品以及当代紫砂名家的作品，件件都有精确的...

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我必须得说，这本书的文献价值和历史梳理部分做得非常扎实，远超我预期的一本“图集”。它不仅仅是展示了“是什么”，更深入挖掘了“为什么”。通过对不同历史时期代表性造型的收录和对比，我们可以清晰地看到紫砂美学是如何在历史长河中沉淀和发展的。比如，清代早期那种略显拙朴的线条，到清代中晚期那种追求繁复和精巧的风格转变，书中的图片给予了最有力的佐证。这种深入的图文结合，让那些晦涩的紫砂史料变得生动起来，不再是冰冷的文字堆砌。对于研究紫砂工艺史的学生来说，这本图集无疑是不可多得的珍贵资料，它将抽象的理论概念具象化了。我特别喜欢书中对一些经典老壶造型的“解构分析”，它让我们能站在巨人的肩膀上，去理解那些被时间检验过的经典设计的永恒魅力。

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这本书带给我一种宁静而深邃的审美体验，它让我慢了下来。在现在这个快速消费的时代，我们很少有机会能如此专注地去欣赏一件器物的美。图集中那些造型简洁、意蕴悠长的作品，比如那些看似朴实无华的“一粒珠”或“半月壶”，在高清的摄影下，它们所散发出的那种浑然天成的气韵，令人屏息。它教会我，真正的美往往藏在最克制、最简约之处。这本书的排版设计本身就在传达一种“留白”的哲学，器物与器物之间的间距、图注的位置都恰到好处，没有丝毫的拥挤感，使得每一件作品都能独立呼吸，展现其独特的生命力。它不只是一个造型的数据库，更像是一本关于“器物之魂”的静默颂歌，让人在反复翻阅中，逐渐沉淀出一种对“简、雅、拙、朴”的深层理解和追求。

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这本《宜兴紫砂器造型图集》简直是视觉的盛宴，我翻开第一页就被那些精美的器物深深吸引住了。那些线条的流畅感，器形的饱满度，以及细节的处理，都让人忍不住想要上手去触摸一番。我平时对紫砂壶的了解仅限于能泡茶好不好，但这本书让我看到了紫砂艺术的无限可能性。它不仅仅是记录了器物的照片，更像是在讲述每一件作品背后的故事。那些传统造型的演变，从基础的圆、方、扁到后期的花塑、筋囊，每一种都有其独特的韵味。特别是一些筋纹器的制作难度，光是看着图示我就能想象到制作者付出的心血。这本书的装帧和印刷质量也相当出色，图片清晰锐利，色彩还原度极高，使得那些紫砂特有的“砂性”和温润感几乎要从纸面上溢出来。对于一个初涉紫砂领域的爱好者来说，这本书无疑是一本极佳的入门向导，它让我对紫砂的审美有了一个全新的认识，不再仅仅关注实用性，更多的是沉浸在其独特的艺术魅力之中。

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这本书的编排结构真是独具匠心，它没有采用那种枯燥的年代顺序或者作者归类法，而是将造型分门别类，比如“掇只类”、“仿古类”、“方器类”等等，这种划分方式非常直观，便于读者快速定位自己感兴趣的器形进行深入研究。我尤其欣赏它在对比展示上的功力。比如同一款式的“供春”，书中可能会并列展示不同时期、不同大师的作品，让你清晰地看到随着时代审美更迭，壶嘴的过渡、壶身比例的微调是如何影响整体气质的。这种横向对比分析，极大地拓宽了我的鉴赏视野，我以前总觉得紫砂壶的造型变化不大，翻完这本书才发现，看似简单的变化背后蕴含着制壶人对“度”的精准把握。对于那些希望提升自己眼力的收藏者而言，这本书提供的参照系是无价的，它教会我们如何从最基础的线条逻辑去解读一件紫砂器，而不是只停留在“好看”的表层判断上。

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作为一名对传统工艺怀有敬意的工匠，我对书中那些对造型细节的剖析感到尤为震撼。这本书对“筋”、“口”、“流”、“把”这些关键部位的特写镜头简直是教科书级别的示范。例如，在展示某款“线云纹”时，书中不仅有整体效果图，还有放大到极致的局部图，让你能清楚地看到线条的起承转合处是否流畅自然，收尾是否干净利落。这不仅仅是看图，更像是在进行一次无声的技艺传授。它揭示了紫砂造型的内在逻辑——如何通过造型来体现砂料的质感，如何通过比例来平衡视觉重量。对于我们这些致力于传承传统技艺的人来说，这本书提供了一个非常高标准的“校准器”。它提醒着我们，任何一件看似随意的造型，背后都凝聚着对制器之道的深刻理解。读完后，我感觉自己的手上都有了想去捏泥的冲动，那种对造型美的原始渴望被彻底点燃了。

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全是各种紫砂壶的竖切面图纸，专业性太强。不适合我，适合做壶的师傅看。

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