曹光灿书法作品集

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出版者:
作者:曹光灿
出品人:
页数:46
译者:
出版时间:2008-4
价格:28.00元
装帧:
isbn号码:9787536696976
丛书系列:
图书标签:
  • 书法
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  • 中国书法
  • 字帖
  • 临摹
  • 书法技法
  • 艺术作品
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具体描述

《曹光灿书法作品集》主要内容:余喜好书法有年,偏好行草,行学王赵,草法晋唐。在研读法贴及临池基础上,涉足创作,积少成多,终有积累。亦好格律诗,藉以书写人生际遇、名胜流连、记录感时意绪、山水忘情。于平水韵用二法:凡与今韵同或大致同者,取这;相去远者,不取,补以今韵。此集所书之律诗绝句皆为敝帚。丑媳见公婆,集中书诗均祈方有同仁指教,不胜感谢。

翰墨传薪:中国古代书论与书法实践精要 【本书特色与定位】 本书并非单一书家作品的汇编,而是聚焦于中国书法艺术发展史上那些奠定基石、影响深远的理论精粹与实践路径的系统梳理与深入探讨。它旨在为对中国传统文化有深厚兴趣的读者,特别是书法学习者、艺术史研究者以及文化鉴赏家,提供一个全面而扎实的知识框架,理解“何为书法之美”、“何以法古人”的内在逻辑。 本书的核心理念在于“格物致知”——通过对古代书论文本的细致剖析,结合经典碑帖的实例印证,探究书法艺术从技法层面的“用笔”“结字”,上升到哲学层面的“气韵”“神思”的完整过程。我们相信,优美的作品是理论指导下的实践成果,而理论的生命力则在于其对实践的指导价值。 【内容结构与深度解析】 本书共分为七个主要篇章,层层递进,构建起一个从宏观视角到微观技法的完整体系: 第一章:书法的形而上学——“道”与“法”的初探 本章着眼于书法艺术的哲学根基。我们追溯了先秦时期文字产生的原始动机,探讨了汉代以来“书为心画”的观念如何确立。重点分析了魏晋时期对书法的“人品与书品”关系的论述,如卫夫人《笔阵图》中对点画的初步规定,以及张怀瓘在《书断》中对历代书家品格的梳理。 我们深入研读了东晋二王(王羲之、王献之)理论的精髓——“中和之美”。这不是简单的平衡,而是对“险绝”与“平正”之间辩证关系的把握。通过对这些经典论述的解读,读者将认识到,书法首先是一种精神的表达,其次才是手上的技巧。 第二章:笔法之源——用笔的力度与结构 用笔是书法的骨骼。本章集中火力剖析了历代关于“笔法”的论述,着重辨析了“藏锋起笔”与“露锋入笔”在不同书体中的适用性差异。 1. 汉隶的“蚕头燕尾”与魏碑的“方笔内敛”: 详细比对了汉代隶书碑刻中的笔法特点。例如,对于“横画收笔”的处理,如何从碑刻的方折中体会其古拙之力,以及如何区别于唐代楷书中对“挑笔”的精致化处理。 2. 唐楷的“中锋统领”与线条的“筋骨”: 重点研究欧阳询、虞世南、褚遂良、颜真卿、柳公权等大家对中锋运笔的独到见解。颜真卿“屋漏痕”的提法,并非指线条的粗细,而是指其内在的厚度和精神的饱满度。本章会通过大量细节图解,阐明笔杆与纸面的角度、运笔速度对墨迹质感的影响。 第三章:结字之道——空间布局的艺术 如果说用笔是点画的生命力,那么结字便是篇章的骨架。本章探讨了如何在方寸之间处理字的“疏密”、“欹侧”与“向背”。 1. 楷书的“间架”原则: 依据唐人规范,解析结构中的“主笔”与“偏旁”的相互关系。如欧阳询“三十六法”中关于“险中求正”的精妙之处。 2. 行草的“呼应”与“连带”: 行书和草书的结字突破了楷书的独立性,强调字与字之间气息的连贯。本章将分析张旭、怀素、米芾等人如何在字形上做出极端的让位,以保证整体气势的畅通无阻。 第四章:书体的演进与理论的承载 本章采用编年体与专题研究相结合的方式,梳理了篆、隶、楷、行、草五种书体的理论基石。 1. 篆书的“规矩”与“意态”: 考察秦小篆的规范化进程,以及《说文解字》对字体结构的定义,这构成了后世所有书体的基础。 2. 隶书的“蚕变”与“波磔”: 详细分析隶书从篆书演变中获得的“扁平化”和“蚕头燕尾”的审美趣味,以及其对唐代楷书结构的影响。 3. 草书的“意匠”与“符号化”: 区别于今草的连带,探讨章草的隶意保留,以及狂草中艺术家如何将情感外化为具有抽象美感的线条符号。 第五章:历代名家书论的“争鸣”与融合 本章是本书的亮点,聚焦于不同学派理论之间的张力与和解。 苏轼对唐法的反思: 探讨苏轼“我书意造水平真”的理念,如何将对自然的体悟融入笔端,区别于“格律派”的束缚。 赵孟頫的“复古”观: 分析其提倡“以书入画,以画入书”的思想,以及他如何强调楷书的唐人笔意。 董其昌的“平淡天真”: 解析董其昌对“禅意”与“文气”的追求,如何指导后世江南文人书风。 通过对比分析,读者将明白,书法理论并非一成不变的教条,而是不同时代、不同心性书家在追求“至美”过程中产生的不同路径。 第六章:书法的鉴赏与品评标准 理论最终要落实到对作品的鉴赏上。本章提供了一套系统性的品评方法论,而非主观的好恶。 1. 论“气”与“韵”: 探讨如何从作品的整体气势中感知书家的人格与学养。气是生命力,韵是风度。 2. 论“墨”与“法”: 详细分析墨色的浓淡干湿(墨法)如何辅助于笔法的力度变化,以及在同一作品中,不同部分的笔法是否统一协调(法度)。 3. 论“时”与“境”: 考察一件作品的风格特征与其创作时的历史背景、书家心境之间的关联。 第七章:法帖的流传与临摹之道 临摹是学习的必经之路。本章探讨了历代重要法帖(如《兰亭集序》《快雪时晴帖》等)的流传历史,以及学习不同法帖的侧重点。 临摹的层次: 从最初的“形似”(对应笔画的结构),到“意似”(对应书家的气韵),最终达到“神似”(融入自我理解的创新)。本章强调,临帖的目的在于“化古为我”,而非成为古人的影子。 【结语】 本书旨在为读者提供一个深邃而广博的视角,去理解中国书法艺术背后所蕴含的文化深度与审美哲学。它不是教人如何写出“一模一样”的作品,而是引导学习者真正领悟古代圣贤在笔墨间留下的智慧,从而开创属于自己的翰墨之路。通过对这些经典理论的研读,我们期望读者能跨越时间,与历史上的伟大书家进行一场深刻的对话。

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初读这本作品集,我最大的感受是那种扑面而来的力量感与深厚的文化底蕴。选择的作品跨度似乎很广,从早年的青涩试笔到后期的成熟稳健,清晰地勾勒出一位书法家心路历程的轨迹。我特别留意了那些章草和魏碑的作品,那些线条的起承转合,简直就是一堂生动的用笔教学课。尤其是几幅榜书大字,笔锋如刀,入纸三分,那种“力透纸背”的视觉效果,即使隔着纸张,也能真切地感受到作者运腕时的提按顿挫。阅读过程中,我常常会停下来,对着某一个字的结构反复摩挲,试图捕捉到那一瞬间气韵流转的奥秘。这本书不只是简单地罗列作品,它更像是一部无声的宣言,展示了传统笔墨在当代语境下依然可以迸发出的旺盛生命力。对于每一个热爱传统文化的同道中人来说,这都是一份极具启发性的精神食粮。

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这本书的选材视角非常独到,它似乎没有局限于传统意义上最光鲜亮丽的“代表作”,而是穿插了一些更具生活气息和探索性的作品。我注意到其中有几幅尺幅较小的行书对联,字里行间流淌着一种文人雅士的闲适与洒脱,那种不经意间的灵动,反而更显功力深厚,少了些许刻意为之的痕迹,多了几分自然天成的大气。这种对“过程”的记录,对于学习者而言尤为宝贵,它揭示了伟大的作品并非一蹴而就,而是点滴积累、不断完善的结果。此外,印刷的色彩还原度也令人赞叹,墨色的浓淡干湿变化被忠实地记录下来,即便是屏幕上难以捕捉的“飞白”效果,在这本书里也得到了很好的体现,让人几乎可以闻到墨香。它提供了一种沉浸式的体验,仿佛能与创作者进行跨越时空的对话。

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作为一名对中国传统文化抱有浓厚兴趣的普通读者,我惊喜地发现,即便是没有深厚的书法功底,也能从这本书中感受到艺术的魅力。这本书的叙事方式非常克制而内敛,没有过多的理论说教,而是让作品本身说话。这对我这样的初学者非常友好,可以抛开复杂的技法解读,单纯地去感受线条带来的美感冲击。特别是那些书写古诗词的作品,文字内容的意境与书法的气韵完美融合,形成了一种和谐的张力。我甚至会根据书上展示的某几句诗的意境,去想象作者当时创作时的心境,这种代入感是其他许多纯粹的理论书籍无法提供的。它成功地架起了一座桥梁,让严肃的艺术欣赏变得更加亲近和可触及,让人由衷地感叹,真正的艺术是可以超越专业门槛,直抵人心的。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮,从拿到手的那一刻起,我就感觉这是一件值得珍藏的艺术品。封面选材考究,那种略带粗粝感的纸张,配合着烫金的标题,透露出一种沉稳而又不失典雅的气息。内页的排版布局更是匠心独运,留白恰到好处,既保证了作品的清晰展示,又营造出一种宁静致远的阅读氛围。我尤其欣赏它在细节处理上的用心,比如每幅作品旁边的注释,字体选择和位置安排都非常讲究,既不喧宾夺主,又能提供必要的背景信息。装订方式也很扎实,感觉即便是经常翻阅,也不会轻易散页。整体而言,这本书在视觉上传达了一种对书法艺术的尊重和敬畏,让人在欣赏内容之前,就已经被这份诚意所打动。这不仅仅是一本作品集,更像是一件经过精心打磨的工艺品,体现了出版方对艺术品位的坚持。

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翻阅这本书时,我产生了一种时间被拉长的错觉,仿佛每一次翻页都是一次与历史的对话。这本作品集在编排上似乎有一种精妙的节奏感,它将不同体裁的作品巧妙地穿插在一起,避免了审美疲劳。比如,在欣赏完一页气势磅礴的楷书后,紧接着可能就是几页洒脱灵动的草书,这种对比反而凸显了每种书体的独特性。我最欣赏的是它对“气韵生动”的捕捉能力,很多作品中的提笔和收笔,那种微妙的控制,展现了作者对笔墨特性的深刻理解。它不仅仅是一部作品的汇编,更像是一部关于“如何持守传统并融入个人生命体验”的教科书。这本书的价值,不仅在于记录了某位艺术家的成就,更在于它为我们提供了一种审视传统、传承文化的优秀范本。它的存在,本身就是对我们传统艺术生命力的有力证明。

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