具体描述
作者简介
路易斯·贾内梯（Louis Giannetti），美国著名电影理论家和影评人，俄亥俄州凯斯西储大学荣誉教授。贾内梯毕业于爱荷华大学及波士顿大学，20世纪60年代晚期开始讲授18世纪英语文学，后转入电影研究。他的作品雅俗共赏，内容涵盖政论、文学和戏剧等多方面，代表作有《美国电影大师》《闪回：电影简史》《戈达尔及其他：电影形式论文集》等。
英格玛·伯格曼（1918-2007），瑞典电影导演。代表作有《第七封印》《芬尼与亚历山大》《处女泉》等。
黑泽明（1910-1998），日本电影导演。代表作有《罗生门》《乱》《七武士》等。
焦雄屏，著名电影学者，华语世界最有影响力的电影人之一，现任台湾电影金马奖主席，“电影馆”系列丛书主编，著有《法国电影新浪潮》等四十余册文集。1975年毕业于台湾政治大学新闻系，1981年获得美国德州大学奥斯汀分校电影硕士学位,后就读于美国加州大学洛杉矶分校电影博士班。现主持台湾电影中心，并任教于台北艺术大学电影创作研究所。焦雄屏是台湾新电影的重要评论者和推动人，同时作为担任世界各大电影节评委次数最多的华人，她一直致力于将中国优秀的导演及电影推向世界。近年来多次与大陆和港台众多重要导演合作，监制了蔡明亮的《洞》、王小帅的《十七岁的单车》以及许鞍华的《姨妈的后现代生活》等一批优秀电影。
目录信息
读后感
我和电影的缘分，始于2004年。我的大学生涯是相当糟糕的回忆，而学校图书馆五楼只要3块钱就能看2片的电影放映厅是我为数不多的惊喜之一。只要3块钱就可看2片，每周末5个场次10部电影。起初我和所有人一样，在这里花3块钱看大片，比如那时刚上映《无极》，以及后来的《夜宴》、...
看电影，学电影，做电影，大概有这么几条道儿，套用戏曲界的说法，就是科班、草班、票友。不管哪条道，如今都不断地涌现出天才与庸才。人们往往把二者的产生归咎于天分的高低，而忽略了作为一种艺术形态与传播手段，电影内在的表现规律与再现方式的传承所带来的独特的可习...
我所写的大概都是一些私话，因为这本书实在是触动我回忆起许多，也思考了很多。两年前，我开始对电影感兴趣，但不是具体的影片，而是我想了解电影这门艺术。之后找到了一些有关认识电影的书，有高校教材，比如《电影概论》，《电影史》这类，还有精装的畅销图书，因为选择太多...
我从小就喜欢翻箱倒柜，不仅折腾自己家，也折腾亲戚家。折腾自己家的最大收获就是翻出来一堆连我爸自己都想不起来的他当年阅读过的书籍，比如《雁鸣湖畔》之类的阶级斗争小说。我10岁的时候，找到一本疑似叫《当代青年生活指南》的书籍，里面分门别类教育当时的青年交际礼仪、...
安徒生在他的散文《光荣的荆棘路》中写下：“这条光荣的荆棘路，跟童话不同，并不在这个人世间走到一个辉煌和快乐的终点，但是它却超越时代，走向永恒”。电影又何尝不是一种把时光定格在胶片当中的永恒艺术呢。《认识电影》这部经典的著作，将引领我们踏上光影的荆棘路，层层...
用户评价
老实说，我一直觉得电影评论这东西，要么过于晦涩难懂，要么就流于肤浅的“好看/不好看”的标签，很少有能真正触及灵魂深处的。但这本书，完全颠覆了我的预期。它探讨的焦点并非那些光鲜亮丽的明星或票房数字，而是电影工业背后那套庞大而沉默的“权力结构”。作者对制片人制度、好莱坞黄金时代的工会斗争，以及独立电影人如何在商业洪流中挣扎求生的描绘，极具洞察力。特别是关于“审查制度”如何潜移默化地影响剧本创作的分析部分，简直振聋发聩。它让我开始思考，我们今天看到的每一部电影，其最终版本，到底有多少是艺术家的初衷，又有多少是被资本和政治力量修正过的妥协产物？这不再是关于“我喜欢什么样的大片”，而是关于“我们作为一个社会，愿意被什么样的故事所定义”。这本书的价值在于，它成功地将一部消遣品（电影）置于严肃的社会学和历史学的审视之下，让读者在阅读过程中不断进行自我反思。
这本书最让我感到震撼的，是它对“跨文化交流”视角下的电影史的梳理。它跳出了传统的西方中心论的叙事框架，将目光投向了更广阔的世界舞台。作者花了相当大的篇幅来探讨日本的“物哀”美学是如何影响了欧洲的艺术电影，以及拉丁美洲的“魔幻现实主义”如何反哺了好莱坞的类型片创作。这不仅仅是罗列不同国家的导演名字，而是深入挖掘了地理、政治环境、乃至哲学思辨是如何在不同的光线下，投射出不同形态的银幕奇观。通过这种全球化的视野，我清晰地看到，所谓的“电影语言”并非一成不变的，它是一个不断吸收、消化、再创造的活体。阅读过程中，我不得不频繁地去查阅那些陌生的国家名字和导演作品，感觉就像进行了一场高强度的思维旅行。它强迫我走出自己熟悉的舒适区，去拥抱那些带着异域风情的、充满生命力的影像表达，极大地拓宽了我对“电影可能是什么”的想象边界。
这本书的叙事节奏和结构设计，本身就是一部绝佳的电影教材。它没有采用传统的年代线性叙事，而是像一个经验丰富的老导演，在不同场景间自由切换，却总能找到最巧妙的衔接点。举个例子，它可能前一页还在分析意大利新现实主义的自然光运用，下一页马上跳跃到当代数字摄影的色彩校准，但通过一个共同的“真实感”主题，将两者巧妙地串联起来。这种跳跃感，非但没有造成阅读障碍，反而模拟了观众在观看一部结构复杂、多线并行的现代电影时的体验。我尤其喜欢作者对于“声音设计”的详尽剖析。很多评论家都忽略了声音的魔力，但这本书用大量的篇幅，从Foley艺术到环境音轨的层次构建，展示了声音是如何在视觉信息缺席时，扛起叙事的大旗。读完之后，下次我走进影院，我会特地在安静的段落里闭上眼睛，去辨认那些被精心安排的“寂静”和“噪音”，那种沉浸感是前所未有的。
这部影片分析的深度，简直让人拍案叫绝。作者仿佛拥有一把万能钥匙，能轻易开启电影制作的每一个密室。从早期的默片时代，到如今光怪陆离的数字特效，每一个技术飞跃、每一次叙事手法的革新，都被他梳理得井井有条，逻辑清晰得如同精密仪器的工作流程。我尤其欣赏他对蒙太奇理论的解读，那不仅仅是简单的镜头拼接，而是对观众潜意识的精确操控，书中用大量的经典案例，比如某个冷战时期悬疑片的标志性剪辑，来展示这种“无形之手”是如何塑造情绪的。更难得的是，作者并没有停留在理论的象牙塔里，而是将这些复杂的概念，用最日常、最贴近我们观影体验的语言娓娓道来。读完后，我再去看那些老电影时，简直像换了一副高清的眼镜，之前只是被故事吸引，现在却能清晰地看到导演在光影、景深、运镜上布下的每一颗棋子，那种被“看穿”的惊喜感，是单纯的娱乐无法给予的。它让我意识到，看电影从来就不是被动的接受，而是一场与创作者之间心照不宣的智力博弈。
我得承认，我过去看那些关于电影理论的著作时，常常会感到一种强烈的疏离感，那些名词术语堆砌起来的文字，仿佛只为少数精英阶层服务。然而，这部作品的语言风格极其平易近人，带着一种资深影评人的那种特有的、带着点狡黠幽默的智慧。它就像一位知识渊博的长辈，坐在你身边，一边递给你一杯热茶，一边跟你聊他看过的几千部电影。比如，它在解释“第三幕高潮”时，没有引用任何复杂的学术模型，而是直接拿我们都熟悉的超级英雄电影的最终对决为例，轻松地拆解了那种从希望到绝望再到最终胜利的经典情绪曲线，让你在会心一笑中就领悟了核心精髓。这种将高深的艺术理论“去学术化”的能力，是这本书最了不起的地方。它成功地拉近了普通观众与电影艺术殿堂之间的距离，让“懂得欣赏”不再是一种特权，而是一种可以学习和掌握的技能。
