陈金章山水画精选

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页数:28
译者:
出版时间:2008-4
价格:48.00元
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isbn号码:9787807383529
丛书系列:
图书标签:
  • 陈金章
  • 山水画
  • 国画
  • 艺术
  • 绘画
  • 中国画
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具体描述

《陈金章山水画精选》为陈金章花鸟画作品精选,可供广大花鸟画爱好者或学习者欣赏、临摹。陈金章,1929年出生,广东化州人。广州美术学院教授、硕士研究生导师。原中国画系副主任,岭南画派纪念馆副馆长,广东省美术家协会理事,中国美术家协会会员。对传统笔墨的运用并巧妙地吸收西洋绘画某些优点融会在自己的创作中,使画面既有现实感,而又极有时代气息。作品多次参加全国美展。

《宋元山水画意境探微:兼论元四家与明清转型》 图书简介 本书并非对单一画家作品的汇编,而是深入探究中国山水画发展史中几个关键转折点的学术专著。全书以宏大的历史视野和细致的文本考据,聚焦于宋代院体画的成熟与院外文人画的勃兴,并延伸至元四家对笔墨精神的重塑,以及明清之际山水画在理论与实践上如何应对时代变革的复杂过程。全书结构严谨,论证充分,旨在为读者构建一个理解中国山水画“意境”生成与流变的立体图谱。 --- 第一部分:北宋气象——巨碑式的写实与情景交融 本书开篇聚焦于北宋,此阶段的山水画被视为中国古典山水艺术的高峰。我们着重分析了两个并行的脉络:以范宽为代表的“雄伟峻峭”的北方山水及其背后的哲学根源。范宽的《溪山行旅图》并非仅仅是对太华山脉的描摹,而是体现了“一树一石,皆成妙理”的宇宙观。我们详细考察了其标志性的“雨点皴”,分析其如何将坚硬山体的体积感与内在的生命力完美结合。 随后,重点探讨了郭熙及其《早春图》所代表的“可游、可居、可观”的境界。郭熙的理论成就——尤其是其关于“可行、可望、可游、可居”的论述,被置于宋代理学兴起的大背景下考察。他的“层层深厚”与“望过之远”的技法,体现了画家如何试图在二维平面上构建一个可供心灵漫游的无限空间。我们指出,宋代理学对“格物致知”的强调,深刻影响了宋代画家对自然物象的细致观察与结构把握能力。 此外,本书对南宋的李唐、刘松年、马远、夏圭“南渡四家”的艺术转变进行了深入剖析。南渡后的山水画,在主题上明显倾向于对故国的追忆与怀古,风格上则趋向于“一角半边”的构图,即所谓的“边角之景”。我们对比研究了马远的“留白”与夏圭的“湿笔拖皴”,论证了这种空间处理方式如何既是技法的革新,也是南迁文人复杂心境的外化,它放弃了北宋全景式的铺陈,转而强调局部的精致与意境的含蓄。 第二部分:元代文人画的自觉——笔墨本体的回归 元代是山水画史上的一个关键断裂期。随着蒙古人的统治,传统士大夫阶层失去了施展抱负的政治舞台,他们的艺术取向开始彻底转向“内求”,艺术的审美标准从“形似”转向“神似”,甚至超越“神似”而直指“笔墨本体”。 本部分的核心在于对元四家(黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙)的系统梳理。 1. 黄公望(子久): 重点分析其“平远”的构图特点,以及其独创的“披麻皴”在表现江南丘陵湿润松软质感上的贡献。黄公望的画作常被视为“墨戏”的典范,其用墨的浓淡干湿变化,已超越了对景物的描绘,成为独立的情感符号。 2. 吴镇(仲圭): 探讨其“墨竹”精神对山水画的影响。吴镇的画作往往带着一种沉郁、朴拙的气质,他将梅兰竹的文人象征意义融入山水结构中,强化了山水画的“士气”。 3. 倪瓒(元镇): 倪瓒的“折芦皴”和“一笔画”被视为对物象的极致简化。本书认为,倪瓒通过极简的线条和广阔的空白,表达了对世俗的疏离感和孤高清冷的文人情操,他的画是“无中生有”的典范,对后世写意画影响深远。 4. 王蒙(叔明): 作为四家中最具创新精神的一位,我们详细解读了王蒙如何融合诸家之长,创造出“繁密点染”的“郁郁苍苍”的风格,其“牛毛皴”的运用,表现出对“万物盈积”的宇宙观念的拥抱。 我们强调,元四家确立了“笔墨即意味”的理论基石,使得后世的山水画家必须在“守古”与“创新”之间,以对笔墨的理解深浅来衡量成就高低。 第三部分:明清转型——程式的固化与写意的新生 明代山水画呈现出明显的“复古”与“创新”的张力。本书分为两个层面讨论: 1. 明初院体与“台阁体”的延续: 考察“浙派”画家如戴进、吴伟如何试图在继承宋代院体画的雄大结构的同时,融入元代笔墨的松动性。然而,这种结合往往导致笔墨的粗放化和程式化,缺乏内在的生命力。 2. 吴门画派的鼎盛与“文人正宗”的确立: 重点分析“吴门四家”——沈周、文徵明、唐寅、仇英。 沈周:作为吴门开山祖师,他继承了元代倪瓒的简淡与黄公望的笔墨趣味,形成了沉稳、厚重的“沈家样”。 文徵明:他将传统功力推向极致,其精细入微的“细笔”与洒脱的“写意”并行,显示出明代士人对技艺的全面追求。 唐寅与仇英:他们的作品则分别代表了对“意”与“形”的侧重,唐寅的洒脱和仇英的工整,为后世的艺术分野提供了成熟的范式。 清代的新阶段: 这一部分探讨了晚明董其昌提出的“南北宗论”对山水画史观产生的巨大影响。董其昌试图建立一个清晰的谱系,将黄公望、倪瓒等文人画家提升到“南宗”的正统地位,对“浙派”等强调形似与设色的画派则贬抑为“北宗”。我们详细分析了董其昌的“平淡天真”论,以及他如何通过“仿古”来达到“写胸中逸气”的创作目的。 最后,本书以石涛(原济)的“一画说”和“搜尽奇峰打草稿”作为总结。石涛对程式化的强烈反叛,提出“墨中有画,画中有我”的激进观点,预示着山水画将彻底从对古代范式的模仿,转向对个体精神世界的彻底释放,为近代艺术的变革埋下了伏笔。 --- 总结 本书通过对宋、元、明、清四个关键历史阶段的深入剖析,不仅展现了中国山水画在技法(皴法、点苔、用墨)上的演变轨迹,更重要的是,揭示了山水画作为中国文人精神载体的内在逻辑——即画家如何通过对自然物象的取舍与线条的运用,来表达其对宇宙、对时代、对自己生命状态的终极思考。全书力求以扎实的史料和深入的美学分析,描绘出中国山水画意境精神的流变历程。

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读后感

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坦白说,我一直在寻找一本能系统梳理近现代水墨画发展脉络的资料集,这次偶然得到的这本画册,虽然主题定位似乎更偏向于经典范式的再现,但其选取的作品在技法层面的跨度还是挺大的。我特别欣赏其中几幅处理北方山川的作品,那份雄浑博大、气势磅礴的意境,与南方山水的温婉秀丽形成了鲜明的对比。尤其是那些刻画悬崖峭壁和飞瀑流泉的篇章,线条的力度感十足,结构布局严谨而不板滞,体现了画家深厚的传统功力和对空间感的精准把握。翻阅时,我甚至能想象出画家是如何在案前,蘸墨提笔,一气呵就的豪迈气概。这本书的排版风格相对现代一些,留白的处理得当,使得每一幅画作都能独立呼吸,不会相互喧宾夺主。这对于深入研究不同地域山水题材的处理差异,提供了极佳的样本对比材料,着实是拓宽视野的好帮手。

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说实话,我买这本书纯粹是为了寻找一种久违的宁静感。现在的艺术市场充斥着太多浮躁和概念化的作品,而这本画册中的所有山水,都带着一种时间沉淀下来的厚重与平和。它们不急于向你看展示什么惊天动地的奇景,而是娓娓道来,让你慢慢沉浸其中。画面中对云雾的处理尤为出色,那种似有若无、虚实相生的空间处理,极大地拓展了画面的纵深感和神秘感。即便是那些构图相对简单的近景小品,也因为光影的巧妙安排,使得画面充满了生机。这本书的装订结实,便于经常翻阅和携带,我常常在午后阳光最好的时候,泡上一壶清茶,对着其中一幅山水静思良久,感觉自己的呼吸节奏都慢了下来,所有的烦恼仿佛都被那无边的山峦和流水吸纳殆尽,真是一本难得的“心灵疗愈”之作。

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我更倾向于从纯粹的审美角度来评判一本画集,而这本收录了大量经典山水佳作的画册,无疑达到了很高的水准。它成功地捕捉到了中国山水画中那种“可游、可居、可观”的境界。我尤其关注那些点景人物的处理,即便是寥寥数笔勾勒出的樵夫或高士,都赋予了画面以生命和人文气息,使得原本宏大的自然景观,瞬间变得亲切可人,充满了生活情趣。这本书的印刷色彩还原度极高,特别是那些浅绛山水中的赭石与藤黄的微妙变化,那种历经岁月沉淀后的苍茫感,被清晰地呈现了出来,这对于学习设色技法的人来说,价值连城。每一页都像是打开了一扇通往古代文人精神世界的窗户,让人在喧嚣的现代生活中,找到一处心灵栖息的净土。

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从一个痴迷于技法细节的“老学究”角度来看,这本书的价值在于它提供了一个观察不同时代、不同流派画家如何处理“树法”和“点苔”的宝库。例如,对松针的细密刻画,有的如铁线,有的则如蟹爪,形态万千,却无一不合乎自然之理。再看那些用以增强画面层次感的苔点,或浓墨重彩,或淡墨晕染,极大地丰富了山体的质感。这本书的编排似乎有意将不同风格的作品穿插对比,这使得读者在阅读时,需要不断地调整自己的审美焦点,这本身就是一种高强度的艺术训练。我甚至拿出了放大镜,去细看那些墨色的干湿变化是如何影响到线条的骨力和肉感的。如果说艺术是哲学的具象化,那么这本书无疑是收藏了许多关于“存在”与“虚无”的精妙论述。

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最近翻阅了市面上几本关于中国传统艺术的画册,其中一本让我印象极为深刻,虽然我手头上这本书并非专门聚焦于某一位画家,但其收录的那些作品,那种气韵生动、笔墨酣畅淋漓的景象,着实让人沉醉。尤其是一些描绘江南水乡烟雨迷蒙的场景,墨色的浓淡干湿处理得恰到好处,远山如黛,近水含烟,仿佛能感受到空气中弥漫着湿润的水汽。画中对皴法的运用极为讲究,既有斧劈皴的雄健有力,又不乏披麻皴的细腻柔和,显示出画家对自然万物的深刻观察和理解。而且,装帧设计也颇具匠心,纸张的选择既能很好地承载墨色的晕染,又在触感上给予读者一种朴拙的亲切感。每一幅作品前,我都习惯性地静坐良久,试图去捕捉那隐藏在笔触背后的时间流逝感和生命律动。这本书简直是传统山水精神的一场视觉盛宴,对于任何一个渴望领略中国古典美学的人来说,都是一份不可多得的珍藏。

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