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出版者:瑠璃書房

作者:山內長三

出品人:

页数:494

译者:

出版时间:1981-1

价格:JPY 6900

装帧:精装

isbn号码:9784817021175

丛书系列:

图书标签:

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• 1981
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《东方风韵：中国文人画的千年流变》 内容简介： 本书旨在为读者勾勒出一幅清晰而深刻的中国文人画发展脉络图。它不仅仅是一部艺术史的梳理，更是一部关于中国知识分子精神世界与审美情趣的探幽发微之作。从魏晋时期士大夫阶层“以画言志”的肇始，到唐宋文人画的初步自觉，直至元明清的成熟与鼎盛，本书力求展现文人画如何超越单纯的技艺层面，成为承载个体生命体验、哲学思考与文人士大夫群体身份认同的核心载体。 第一部分：孕育与觉醒——早期探索与“画为心声”的定型 第一章：魏晋遗风：超越“形似”的起点 本章追溯中国绘画从宫廷供奉的匠人艺术向士人精神寄托的艰难转型。重点探讨玄学思潮对早期绘画观念的冲击，特别是“以形写神”理论的提出，如何为后世文人画确立了精神内核。我们详细分析了顾恺之、陆探微等早期艺术家的实践，阐释了他们如何将个人修养与笔墨运用相结合，奠定了“外师造化，中得心源”的基本原则。这一时期，“画”的价值开始由客观的描摹转向主观的抒发。 第二章：唐宋之变：风格的分野与文人意识的萌芽 唐代是中国绘画的黄金时代，但文人画的地位仍相对边缘。本章将对比“画工”与“画人”的艺术取向。我们深入剖析了王维的“诗中有画，画中有诗”理念，视其为文人画理论的里程碑。进入宋代，随着理学的发展和士大夫阶层的壮大，文人画的独立性日益增强。苏轼对“意”的强调，彻底将绘画的重心从技法转移到胸襟气度。通过对李公麟等人的分析，揭示了宋代文人如何开始有意识地以笔墨的雅俗来划分阶层。 第二部分：巅峰与定论——元四家的精神坐标与笔墨革命 第三章：元代：“异端”的崛起与水墨的解放 元代是文人画发展史上一个关键的转折点。国破家亡的背景催生了士人“避世”与“绝交”的心理，促使他们将艺术活动推向极致的自我表达。本书将元四家——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——的艺术实践置于时代洪流之中进行考察。 黄公望与“皴法”的演变： 分析他如何将山水体验融入独特的皴擦技法，追求笔墨的浑厚与内敛。 倪瓒与“逸气”的极致： 探讨其极简的构图、干涩的笔法如何成为“洁身自好”的符号，及其对后世“冷逸”风格的深远影响。 吴镇与水墨的酣畅： 考察其雄健的笔势与对竹梅的偏爱，如何体现文人的傲骨与隐逸情怀。 王蒙的“密体”： 剖析其繁复的层层点染与对笔墨复杂性的探索，展现了隐逸生活下的另一种精神景观。 本章的核心在于阐释元四家如何通过对传统笔墨的解构与重塑，完成了水墨语言的彻底“文人化”，确立了以“逸品”为最高标准的艺术评价体系。 第四章：元代绘画的理论基石——从“格物致知”到“胸中丘壑” 本章侧重于理论文献的梳理，包括汤垕的《画鉴》、盛懋的论述等。探讨了元代理论家们如何系统化地建构了“文人画”的谱系与评价标准，特别是将书法入画的理论推向高峰，强调笔墨的“书写性”与“音乐性”。 第三部分：传承、分化与世俗化——明清文人画的复杂图景 第五章：明代前期：院体余风与“吴门画派”的兴盛 明代初期，文人画在官方语境下与院体艺术并行发展。随着明成化、弘治年间文化政策的调整，以沈周、文徵明为代表的吴门画派崛起，将元四家的笔墨传统与江南的富庶文风相结合。本章分析了沈周的沉郁、文徵明的精工以及唐寅的俗雅，展示了文人画在地域文化影响下的风格调和与推广。 第六章：明末的转型：个性解放与“董其昌体系”的建立 晚明时期，社会思潮空前活跃，文人画进入了对个体情感表达的极致探索阶段。董其昌是本章的绝对核心。我们详细解读其“南北宗论”的建立，如何以历史梳理的方式确立了文人画的正统谱系（以董、巨、元四家为“南宗”正脉），并强调“以书入画”的终极目标。他的理论不仅为明末的松江画派定下了基调，也深刻影响了清代及后世对文人画的认知。徐渭、陈淳等人的浪漫主义笔墨，则构成了对主流学院派的有力补充。 第七章：清代：复古、创新与“四王”的集大成 清初，在“正统”思想的驱动下，王时敏、王鉴、王翚、王原祁组成的“四王”继承并集大成了董其昌的理论遗产。他们将“临仿”前人视为最高准则，通过对元四家笔墨的反复提炼，追求一种高度提纯、近乎抽象的“可品鉴性”的笔墨语言。 然而，清代文人画并非一潭死水。本章同时深入探讨了“四僧”——石涛和八大山人——的颠覆性贡献。石涛“我自成家”的宣言，标志着文人画从“模仿古人”向“表现自我”的再次飞跃。八大山人以其极简、寓意深沉的形象，表达了对时代变迁的复杂心绪。 第四部分：笔墨的终结与精神的回响 第八章：晚清的余晖与文人精神的流变 晚清时期，随着西方文化冲击的加剧，传统文人画面临前所未有的挑战。本章探讨了“扬州八怪”在继承传统的同时，如何引入市井趣味和强烈的情感色彩，以及他们对文人画的“世俗化”倾向。最后，本书将简要勾勒出近现代以来文人画在转型期的挣扎与延续，强调其作为中国知识分子精神寄托的文化意义是如何贯穿始终的。 结语：笔墨的哲学 本书最终将回归文人画的本质：它不是一种绘画技法，而是一种生活态度和精神哲学。通过对数千年文人画实践的梳理，我们得以窥见一个民族在不同历史阶段如何用毛笔和水墨来界定自身、对抗虚无、实现个体价值的伟大历程。本书旨在让读者理解，在中国艺术史中，笔墨的轻重缓急，皆是心意的流淌。

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初次接触《日本南画史》，我便被它所营造出的那种沉浸式的阅读体验所深深吸引。书中的文字如同涓涓细流，缓缓道来日本南画发展的历史长河，字里行间充满了严谨的学术考证和深刻的艺术洞察。我期待书中能够描绘出那些在历史长河中闪耀的南画大师们的创作历程，以及他们如何在时代洪流中坚守艺术的初心。南画的“南”字，是否意味着一种独特的地域性文化印记，它又如何在吸收外来文化的同时，保持自身民族特色？我希望能够通过这本书，深入理解南画所倡导的文人画精神，例如对自然景物的热爱，对人生哲理的体悟，以及这些精神如何在笔墨丹青之间得以生动呈现。这本书是否能为我打开一扇通往日本传统艺术世界的大门，让我能够更深入地理解和欣赏南画的独特魅力与历史价值。

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当我翻开《日本南画史》，我立刻被它所营造出的那种厚重而又宁静的学术氛围所感染。书中的文字如同涓涓细流，缓缓道来日本南画发展的历史长河，每一页都充满了考据的严谨和论述的清晰。我尤其欣赏作者在梳理不同流派和艺术家时，所展现出的那种逻辑性和条理性，使得我这样一个初学者也能清晰地把握南画发展的脉络。我期待书中能够有对一些关键的南画作品进行深入的剖析，例如它们的构图、色彩、笔墨特点，以及这些作品背后所蕴含的时代精神和文化背景。这本书是否能够帮助我理解南画与日本的自然环境、宗教信仰、哲学思想之间的微妙联系？我希望能够从中感受到南画所独有的那种宁静致远的东方美学意境，以及艺术家们在创作中所追求的那种精神上的自由与超脱。

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《日本南画史》这本书给我的最大触动，在于它所展现的艺术的生命力。南画并非一个静止的概念，而是在历史的长河中不断演变、不断被重新诠释的艺术形式。我期待这本书能够描绘出南画的“生命轨迹”，从它的起源，到它如何受到各个时代思潮的影响，再到它如何逐渐被后人所理解和继承。我对那些在时代变革中依然坚守南画传统的艺术家们感到由衷的敬佩，他们的坚持本身就是一种艺术的力量。这本书是否能够深入探讨南画的艺术理念，比如它对“意境”的追求，对“写意”的理解，以及这些理念如何体现在具体的画作中？我希望能够通过这本书，理解南画与日本文人阶层、士大夫阶层的紧密联系，以及它如何在精神层面满足了那个时代的审美需求。这是一次关于艺术传承与创新的深刻探讨，我渴望从中获得启发。

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初次接触《日本南画史》，我最直观的感受便是其内容的广度和深度。作为一本试图梳理日本南画发展历程的书籍，它必然要涉及大量的画家、流派、作品，以及时代背景下的社会文化因素。我翻阅目录时，便已经能感受到一种精心策划的脉络感，从早期受到中国影响的萌芽，到日本本土艺术家如何吸收、转化、创新，最终形成独具特色的风格，这一过程本身就充满了引人入胜的戏剧性。我尤其对那些在历史长河中被忽视但却贡献卓著的艺术家感到好奇，这本书能否为我揭示他们不为人知的才华？同时，南画所蕴含的文人画精神，那种追求诗意、注重内心的表达方式，是否也在这本书中得到了充分的阐释？我期待能够理解南画与日本传统哲学、文学之间的深层联系，以及它如何在社会变迁中保持或改变自身的特质。这本书能否像一位经验丰富的向导，引领我穿越复杂的艺术史迷宫，让我能够清晰地认识南画的演变轨迹，并从中品味出其独特的艺术价值和文化内涵，这是我阅读前最主要的期待。

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翻阅《日本南画史》，我立刻被其精心编排的结构和丰富的视觉材料所吸引。这本书不仅仅是文字的堆砌，更是通过大量高质量的画作插图，为我提供了一个直观的艺术体验。我喜欢在阅读作者的解读时，能够同时欣赏到那些历经岁月洗礼的杰作，感受艺术家们笔下的情感与意境。我期待书中能够详细介绍南画艺术的几个重要时期，以及每个时期代表性的画家及其风格特点。南画的“南”是否暗示着一种地域性的绘画风格，它与日本其他画派又有什么不同之处？我希望能够通过这本书，深入理解南画所倡导的文人画精神，例如对自然的热爱，对人生哲理的思考，以及这些精神如何在画作中得到体现。这本书是否能帮助我理解南画在日本艺术史中的地位和影响，以及它如何与日本的文化传统相互影响、共同发展。

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《日本南画史》这本书给我最深刻的印象，是一种严谨的学术态度与细腻的叙事风格的结合。在阅读的过程中，我明显感受到作者并非仅仅罗列事实，而是试图将每一位画家、每一个流派置于其所处的时代背景和文化土壤中去考察。这种“情境化”的叙述方式，使得人物的创作动机、艺术风格的形成，以及作品的意义都变得更加鲜活和易于理解。我惊叹于作者能够挖掘出如此丰富的史料，并以一种流畅、生动的语言将它们呈现出来，让即使是初次接触南画的读者，也能被深深吸引。书中的一些个案分析，对特定画作的解读，都充满了见解独到之处，让我能够从更深层次去欣赏这些作品。我尤其关注那些关于南画在吸收中国传统绘画技法时，如何融入日本民族审美特征的讨论，这其中一定蕴含着许多有趣的文化交流故事。这本书不仅仅是关于绘画本身，更是关于文化如何流动、如何转化、如何生根发芽的绝佳案例，它让我对艺术史的研究充满了敬意。

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《日本南画史》这本书，给我最深刻的印象是它所展现的艺术研究的深度和广度。我惊叹于作者能够如此细致地梳理日本南画的发展脉络，从其起源、演变，到各个流派的形成和代表人物的贡献，都进行了详尽的阐述。我期待书中能够对南画的艺术特征进行深入的剖析，例如其独特的用笔、用墨、构图和设色等方面，以及这些特征如何体现了日本民族独特的审美情趣。南画是否如其名，带有南方特有的温婉与秀美？它又如何在中国画的影响下，逐渐发展出自己独特的面貌？我希望能够通过这本书，理解南画与日本的文学、哲学、宗教等文化元素之间的密切联系，以及这些联系如何在艺术创作中得到体现。这本书是否能帮助我理解南画在日本艺术史上的重要地位和深远影响，以及它对后世艺术创作所带来的启示。

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这本书以其精美的装帧和厚重的分量，首先就给了我一种沉甸甸的期待感，仿佛捧在手中的是一块承载着悠久历史的玉石。翻开扉页，我被那种古朴而又不失典雅的设计深深吸引。尽管我并非日本艺术史的专业研究者，但作为一个对东方美学有着浓厚兴趣的普通读者，我一直对那些蕴含着东方哲学与自然观的画作情有独钟。《日本南画史》这个书名本身就自带一种神秘的吸引力，南画，听起来就充满了地域特色和一种不落俗套的韵味。我好奇它究竟描绘了日本绘画怎样的“南”方风情，又如何发展出其独特的历史脉络。我期待着能够通过这本书，窥见那些在岁月长河中沉淀下来的艺术瑰宝，了解它们是如何在文化的碰撞与融合中，逐渐形成自己鲜明的个性。这不仅仅是一次阅读，更像是一次穿越时空的旅行，去探寻那些隐藏在笔墨之间的故事，去感受那些艺术家们倾注在画卷上的情感与思想。我希望这本书能够为我打开一扇窗，让我看到一个我 heretofore 既熟悉又陌生的艺术世界，并且能够在我心中播下对日本南画更深层次探索的种子。

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拿起《日本南画史》，我首先被其精美的插图所吸引。高质量的印刷，让画作的细节和色彩得以最大程度地还原，这对于一本艺术史书籍来说至关重要。我喜欢在阅读文字描述的同时，对照书中的画作，去感受艺术家笔下的意境。我期待这本书能够展现南画作品中对自然的细腻描绘，以及那些寄寓在山水、花鸟、人物中的哲学思考。南画是否如其名，带有南方特有的温润与秀美？它又如何在与北方画风的对比中，确立自己的地位？我希望这本书能够深入剖析南画的技法特点，比如用笔、用墨、设色等方面，并且能够解释这些技法是如何服务于艺术家表达情感和思想的。同时，我也很好奇在历史发展过程中，南画是否经历过一些重要的转折点，例如受到西方绘画的影响，或者与其他日本本土艺术形式的融合，这些变化是否在这本书中有详细的记录和分析。

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《日本南画史》这本书，给我的感觉就像一位学识渊博的长者，用一种娓娓道来的方式，向我讲述一段关于艺术的传奇。我被书中那些跨越时空的艺术家们所吸引，他们用画笔描绘着自己内心的世界，也记录着时代的变迁。我好奇书中所描绘的那些“南画”究竟有着怎样的地域特色，它是否与日本的地理环境、气候条件，甚至风土人情有着密切的关联？我期待能够了解南画在发展过程中，如何借鉴了中国书画的精髓，又如何在此基础上融入了日本本土的审美趣味，形成了独树一帜的风格。书中关于不同时期南画风格演变的论述，是否能够清晰地展现出这种融合与创新的过程？我希望通过这本书，能够对日本南画有一个系统性的认知，并且能够从中体会到艺术的传承与发展所带来的魅力。

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