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出版者:中信出版集团

作者:李霖灿

出品人:

页数:276页

译者:

出版时间:2018-6

价格:68.00元

装帧:平装

isbn号码:9787508686622

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《李霖灿读画四十年》 书名： 李霖灿读画四十年 作者： 李霖灿 内容概要： 本书是著名艺术史家、故宫博物院研究员李霖灿先生，纵横画坛四十余载，对中国绘画艺术深刻洞察与独到见解的集结。这并非一本枯燥的学术专著，而是一场跨越时间长河的艺术对话，一次走进大师心迹的细腻体味。李霖灿先生以其丰富的学养、严谨的治学态度，以及对中国传统绘画独特的情感连接，将我们带入一个充满笔墨韵味、意境悠远的世界。 全书以时间为轴，由近及远，又穿插以专题性的解读，将近四十年间李霖灿先生对不同时代、不同流派、不同画家的绘画作品进行深入赏析的精华汇聚。他不仅仅是陈述画作的表面技法，更着力于发掘其背后所蕴含的时代精神、文人情怀、哲学思想以及艺术家个人的心路历程。每一篇文章、每一次解读，都如同一次精心的导览，引导读者拨开历史的迷雾，触碰到中国画的灵魂。 第一部分：溯源与洞见 在本书的开篇，李霖灿先生着重于对中国绘画源头的追溯与早期形态的剖析。他不会拘泥于简单的图录式介绍，而是试图还原那些古老画作诞生的时代背景，探讨其在历史长河中的演变轨迹。从石窟壁画的朴拙神秘，到帛画的生动灵气，再到早期山水画的雏形，他以敏锐的目光捕捉那些细微的笔触变化，解读其象征意义，揭示它们在中国绘画发展史上的奠基作用。 在此部分，李霖灿先生尤为强调“神韵”与“气韵生动”在中国绘画中的核心地位。他会详细阐述这些抽象的概念在中国古代美学思想中的根源，以及它们是如何体现在早期绘画作品中的。例如，在谈论顾恺之的《洛神赋图》时，他不会仅仅停留在对人物造型的描述，而是会深入探讨顾恺之如何以“传神写照”的艺术手法，将曹植笔下那飘渺虚幻的洛神形象，转化为视觉上的生动存在。他会分析线条的运用如何传递人物的内心世界，色彩的搭配如何烘托场景的氛围，以及整体构图如何营造出一种超凡脱俗的意境。 第二部分：唐宋风华，大家风范 进入唐宋时期，中国绘画迎来了辉煌的巅峰。李霖灿先生在这里将重点放在了那些承载着民族文化脊梁的大家身上。他会对阎立本、吴道子、张萱、周昉等唐代名家的作品进行细致的解读，分析他们如何将现实的观察与理想的表达相结合，如何用笔墨描绘出盛世的繁华与人物的丰采。 在宋代部分，李霖灿先生将倾注更多的笔墨于山水画的发展。他会深入剖析范宽《溪山行旅图》的宏伟气魄，李唐《万壑松风图》的苍劲骨力，以及马远、夏圭“一角”、“半边”山水所展现出的高度凝练与意境深远。他会探讨宋代画家如何从自然中汲取灵感，如何通过“可行、可望、可游、可居”的山水理论，将观者的情感融入画中，实现“天人合一”的艺术境界。他会仔细审视每一笔皴法的运用，每一处点苔的安排，以及墨色的浓淡干湿变化，如何共同构建出一个个既真实又充满诗意的山水世界。 此外，他对宋代宫廷画院的画家，如赵佶，也会有独到的见解。他会分析赵佶在花鸟画上的精工细致，以及其作为皇帝在审美趣味上的独特影响。但同时，他也会审慎地评价赵佶在政治上的失策，将其艺术成就与历史命运结合起来进行反思，提供一种多维度的解读视角。 第三部分：元明清的时代变迁与文人画崛起 元代是中国绘画史上一个重要的转折点，文人画的兴起成为重要的议题。李霖灿先生会深入探讨元四家——黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇——的艺术风格及其时代意义。他会分析黄公望《富春山居图》那种“未画之前，先有胸中丘壑”的创作理念，倪瓒“逸气”的清高孤绝，以及王蒙“卷云皴”的独特笔法。他会解读文人画如何摆脱宫廷画院的束缚，转向个人情感的抒发与精神的寄托，以及这种转向对中国绘画美学理念产生的深远影响。 进入明清两代，绘画风格更加多样化。李霖灿先生会关注明代浙派的粗犷写意，吴门画派的秀润雅致，以及晚明“公安派”对“性灵”的推崇。他会对沈周、文徵明、唐寅、仇英等大家的作品进行深入剖析，解读他们如何将师承与创新相结合，如何在传统的基础上发展出各自独特的面貌。 在清代部分，他会着重于“四王”的“摹古”与“新安画派”的“新画风”。他会探讨“四王”如何通过临摹古人的作品，达到一种“以古为师”的境界，以及这种创作方法在理论与实践上的得失。同时，他也会关注石涛、八大山人等个性鲜明的画家，分析他们如何在传统绘画的框架内，通过强烈的主观情感和独特的笔墨语言，创造出具有颠覆性的艺术作品。他会深入解读石涛“我之所得，自是我之所得”的独立精神，以及八大山人那种“哭笑皆是”的隐喻性表达，这些都是中国艺术史上极富生命力的篇章。 第四部分：近现代绘画的探索与传承 本书的后半部分，李霖灿先生会将目光投向近现代中国绘画的变革与发展。他会关注徐悲鸿、齐白石、黄宾虹、潘天寿等巨匠的艺术成就，分析他们如何在中西文化碰撞的时代背景下，进行中国画的革新与探索。 对于徐悲鸿，他会分析其“融合中西”的艺术理念，以及他对素描写实技法在中国画中的引入。对于齐白石，他会解读其“衰年变法”的艺术境界，以及其笔墨的简练、色彩的鲜活所展现出的生命力。对于黄宾虹，他会深入剖析其“黑、满、浓、湿”的山水画风格，以及他如何将传统笔墨与西方写实色彩相结合，创造出独特的新山水画。对于潘天寿，他则会着重分析其大气磅礴、雄健浑厚的画风，以及他如何在中国画的传承与创新中，走出一条独具特色的道路。 李霖灿先生还会关注一些被忽视的画家或画派，挖掘他们的艺术价值，提供全新的解读视角。他善于从宏观的时代背景出发，结合微观的笔墨细节，将艺术作品置于历史的洪流中进行审视，从而呈现出更为立体和深刻的认知。 艺术的感悟与人文的关怀 《李霖灿读画四十年》并非仅仅是对画作的分析，更蕴含着李霖灿先生对艺术本身的深厚感悟与人文关怀。他会将个人的人生阅历、哲学思考，以及对中国传统文化的理解，融入到对画作的解读之中。读者会在这本书中感受到他对笔墨线条的敬畏，对色彩意境的体悟，对画家心迹的揣摩。 李霖灿先生的文字，充满了学者的严谨，又不失文人的情趣。他能够将高深的理论用通俗易懂的语言表达出来，让非专业的读者也能感受到中国绘画的魅力。他的叙述，时而激昂，时而沉静，时而充满发现的喜悦，时而又带有历史的沉思。读者仿佛能跟随他一起，在画作前驻足，一同品味古人的智慧，一同感受艺术的温度。 这本书，是一份珍贵的文化遗产，是李霖灿先生四十年艺术探索的结晶。它不仅为艺术研究者提供了宝贵的学术资源，更为广大喜爱中国画的读者提供了一次深度体验艺术、认识中国文化的机会。它教会我们如何“读画”，不仅仅是看，更是用心去感受，去理解，去与古人进行一场跨越时空的对话。通过李霖灿先生的目光，我们得以窥见中国绘画波澜壮阔的历史长卷，领略那些不朽画作背后所蕴含的东方智慧与审美情趣，感受中华文明源远流长的艺术精神。 本书涵盖了从早期绘画到近现代的各个时期，从山水、人物、花鸟等各个画种，以及从宫廷画院到文人画的各种流派，可以说是对中国绘画史的一次全面而深刻的梳理与解读。李霖灿先生以其丰富的学识和深厚的情感，带领读者领略中国绘画的博大精深，感受笔墨丹青的无穷魅力。

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尽管《天雨流芳》按照纳西语发音是“去看书吧”的意趣。我觉得还是应该用回它的本名《艺术欣赏与人生》。上世纪六七十年代李霖灿先生在台大开的一门二十二讲的中国美术史，把中华艺术的美古今中外的融汇贯通，诗书画印的结合，特别是把绘画将诗句具象化的好处展现的淋漓尽致。...  

评分☆☆☆☆☆

在歌坛里有这么一句话，“歌红人不红”，形容一个歌手的作品全民传唱，红遍大江南北，独独没人记住歌手的名字。以此类推，李霖灿老师颇有点“书红人不红”的味道。抛开李老师的代表作《中国美术史》不谈，光《李霖灿读画四十年》就在两岸多次再版，书名也由台湾雄狮的《艺术欣...  

评分☆☆☆☆☆

在歌坛里有这么一句话，“歌红人不红”，形容一个歌手的作品全民传唱，红遍大江南北，独独没人记住歌手的名字。以此类推，李霖灿老师颇有点“书红人不红”的味道。抛开李老师的代表作《中国美术史》不谈，光《李霖灿读画四十年》就在两岸多次再版，书名也由台湾雄狮的《艺术欣...  

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来颖燕 　 《天雨流芳》的书名，自有渊源，据说此四字原是汉语，意为天降润雨，滋生万物，但如以纳西语发音，其意思却是“去看书吧”。但即使不知这番出典，这个名字本身，就可以让人心生平和，想到一幅木叶尽落，芳泽四散之际，一杯...  

评分☆☆☆☆☆

刚开始听说并且拿到《李霖灿读画四十年》这本书的时候，除了知道它是一本与“画”有关的书之外，而且看到其中有“四十年”的字样，所以不禁那肃然起敬之外，其余则几无所知。后来才知道，即使是这两点，也有一点还是略有出入的。因为在《李霖灿读画四十年》这本书里，不仅谈到...

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排颇具匠心，它不像传统的传记那样严格按照时间顺序铺陈，而是采取了一种主题式的串联，有时候一个章节的内容跨越了数十年的光阴，但主题却高度聚焦，比如“光影的追逐”或者“几何的秩序”，这种跳跃感非但没有造成阅读障碍，反而增强了艺术探索的连续性。尤其欣赏它对于早期作品的自我批判和反思，没有美化自己的成长过程，而是坦诚地展示了那些走过的弯路和迷茫期。这种透明度对于想从事相关领域的朋友来说，无疑是最好的教科书——艺术的进步往往伴随着痛苦的自我否定与重塑。通过这本书，我深切体会到，真正的艺术大师之所以伟大，不仅仅在于他们创造了什么，更在于他们如何看待自己的不足并将其转化为下一次飞跃的动力。每一次翻页，都像是在参与一场深度的学术研讨，而不是被动地接受信息灌输。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书带来的启发是多维度的，它超越了单纯的艺术史范畴，触及到了个体在时代洪流中如何保持独立思考和创作热情的哲学命题。内容中关于“观看”与“被观看”的辩证关系探讨，给我留下了极其深刻的印象。作者不满足于仅仅是描绘世界，他更热衷于解构我们习以为常的观看方式，引导读者去质疑视觉信息的可靠性与构建性。这种批判性的思维贯穿始终，使得整本书的调性保持在高水准的思辨状态。我感觉自己仿佛被拉进了一个更高维度的讨论空间，不再只关注作品的表层美感，而是深入探究其背后的认知论基础。对于那些对美学、哲学和当代文化现象感兴趣的读者来说，这本书绝对是不可多得的参照物，它提供的视角新颖且具有极强的启发性。

评分☆☆☆☆☆

从阅读的流畅性和趣味性来看，这本书在严肃性与可读性之间找到了一个近乎完美的平衡点。它没有采用晦涩难懂的专业术语堆砌，即便涉及一些前沿的艺术理论，作者也能用非常形象生动的比喻来加以阐释，使得非专业人士也能轻松理解其核心思想。例如，他描述某段时期的创作瓶颈时，将其比喻为“在没有地图的海域里寻找灯塔”，这种具象化的表达立刻拉近了与读者的距离。此外，书中的一些手稿和创作笔记的穿插展示，更像是作者不经意间留下的“彩蛋”，它们丰富了文本的层次，提供了更直接的情感接入点。总而言之，这是一次非常愉悦且富有教育意义的阅读体验，它不仅普及了艺术知识，更重要的是，它激励人去反思自身的生活态度和对世界的感知方式。这是一本值得反复品读，每次都会有新发现的佳作。

评分☆☆☆☆☆

读完后心里头一直盘桓着一种强烈的冲击感，这不是那种一眼就能被宏大叙事震撼的类型，而是更像一种涓涓细流，慢慢渗透进你认知深处的细腻打磨。作者的叙事口吻非常克制，不卖弄技巧，不刻意煽情，只是平静地陈述着每一个创作节点背后的思考，这种真诚的态度，在如今浮躁的文化圈里显得尤为珍贵。我特别欣赏其中关于“媒介转换”的论述，他如何从传统的绘画媒介，逐步过渡到对新材料和新观念的接纳与探索，整个过程的逻辑性是无懈可击的。读者可以清晰地看到，这不是一蹴而就的灵感迸发，而是基于长期积累和深刻反思的必然结果。这种娓娓道来的叙述方式，反而更有力量，它要求读者放慢脚步，真正去品味那些看似寻常的文字背后，隐藏着的巨大智慧和时间成本。阅读体验非常沉静，让人忍不住放下手机，专心致志地去“听”作者在对你讲述他的艺术“修行之路”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，从封面那种略带复古的字体选择，到内页纸张的质感，都能感受到出版方在细节上下的功夫。翻开书页，那种油墨散发的淡淡清香，让人忍不住想沉浸其中。特别是那些精心排版的插图，无论是早期那些略显粗犷的素描，还是后期色彩运用更加成熟的作品，都带着一股强烈的时代气息。阅读过程中，我仿佛能跟随作者的笔触，穿越到不同的时间节点，感受那个时代艺术创作的脉络和精神风貌。比如其中一幅描绘市井生活的场景，寥寥数笔，却把人物的劳碌与市井的喧嚣刻画得淋漓尽致，这种对生活细致入微的观察力，着实令人佩服。它不仅仅是一本画册，更像是一部视觉化的个人史诗，将艺术的演变与人生的境遇紧密地交织在一起，让人在欣赏艺术美的同时，也能体会到创作者在时光流转中的心路历程。这种厚重感和艺术性兼备的体验，是如今很多快餐式出版物难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

是我想要的介绍中国美术史的书，由不同主题构成，分为22个章节，是一本教我欣赏美术作品的书

评分☆☆☆☆☆

可惜插图质量一般

评分☆☆☆☆☆

经常折服于老先生优美的文笔和广博的知识，是一边读画一边读人生，这本谈人生可能更多一点，读出了一点儿公众号的味道。虽然有些地方的严谨性值得商榷，但不失为一本传统书画入门的好书。

评分☆☆☆☆☆

是我想要的介绍中国美术史的书，由不同主题构成，分为22个章节，是一本教我欣赏美术作品的书

评分☆☆☆☆☆

李霖灿的讲座，既然是讲座，所以他有意识地选取了很多“主题”，如苏轼、马、秋色、石头等等，犹如策展，每一个主题下介绍和欣赏同类的绘画作品，有时还不限于中国画，会引入西方雕塑与绘画乃至摄影来对比，语言流畅，能够用简单朴素的话，交代出一副作品的微妙处，是很好的通俗艺术读物。这些作品多半是台北故宫的藏品，提到的作品也都配有图，适合阅读时观看。不足有两点，一是图版印刷太粗，猜测是几十年前的台版，其实可以拿网上最新的作品扫描版来代替的，个别配图甚至黑糊糊的；二是作者有个有趣的地方，就是无论评点哪副画，都会有一个“玄言的尾巴”：“人生不也如此吗？”“这不就是人生吗？”“这种人生的态度，我们不应留意吗？”诸如此类，若只有一二处，不失为赏析后的升华，若每幅画皆如此，则流为程式了。