中国美术学院考前周增强课堂素描选-最新的美院高考生高分习作大汇编

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出版者:浙江人美
作者:周增强
出品人:
页数:63
译者:
出版时间:2007-9
价格:38.00元
装帧:
isbn号码:9787534023798
丛书系列:
图书标签:
  • 素描
  • 美术考研
  • 美术高考
  • 中国美术学院
  • 考前辅导
  • 高分习作
  • 基础训练
  • 写生
  • 静物
  • 头像
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具体描述

《中国美术学院考前周增强课堂素描选》内容简介:目前大部分素描考试都涉及到素描头像的写生或默写,它是对学生造型能力和艺术感悟能力的最好检验,因此画得一幅优秀素描头像,成为了进入高等艺术院校的一张重要入场券。

一、中国美术学院附中素描头像教学纲要与目标

附中素描头像教学放在素描静物之后,与素描石膏写生相互穿插进行。素描头像教学的要求主要是:1,把握形体基本特征,做到形神兼备,气韵生动。2注意头、颈、胸三者之间的关系。3,注意画面黑白灰层次的关系。4,在整体的基础上完成局部的深入刻画。

近几年来,中国美术学院附中在艺术类高考中成绩出类拔萃,屡创新高。仅去年06届毕业生“国美”考试,第一名就有10人次,前十名者有60多人次,而美术专业上线率接近100%。这是附中长期坚持科学的教学方针的成果。附中学生在就读期间,经历静物、石膏、大石膏、头像、半身像及全身像写生练习,中间又加入课外速写与下乡速写的训练,并把所学技法融入到创作实践当中。虽然只在最后一年才正式进入高考训练,但在这之前,就已经着力培养审美鉴赏能力,并打下了扎实的造型功底。

二、三小时素描头像写生的“技”与“巧”

好的生源,还要配合好的教学指导方针,才能出好的成绩。许多专业学校的学生,由于画惯了长期作业,在考试三小时内完不成作业;有的学生习惯结构画法,结果到处抠得很紧,使画面缺乏丰富的节奏变化;有的学生总是分出几块大面,不敢再深入,生怕破坏了整体,结果简单了事;还有的学生到处画黑一片,拉不开画面层次,以至于画面发闷又缺乏质感和表现力。种种不良现象产生的原因,都是教学要求与目的不明确,教学不得法所造成的。

既然谈及。“技法”一词,肯定是有其方法的,它是一种门道。在短时间内掌握它,这就需要技巧。

好的,这是一份基于您提供的书名,但内容完全不涉及“中国美术学院考前周增强课堂素描选”的图书简介,力求详细且自然: --- 书名: 《探寻古韵新境:宋代文人画的审美流变与精神内核》 引言:时间的回响与笔墨的对话 在中国艺术史的长河中,宋代无疑是一个光芒四射的时代。它不仅在政治、经济、科技上取得了辉煌的成就,更在思想、哲学和美学领域达到了前所未有的高度。宋代文人画的兴起与成熟,标志着中国绘画艺术从注重“形似”向追求“神似”与“意境”的深刻转型,成为后世艺术创作取之不尽的宝库。 本书旨在深入剖析宋代文人画的复杂面貌,探究其兴起背后的时代脉络、理论基础、核心美学追求及其对后世产生的深远影响。我们不仅仅着眼于名家巨作的表层技法,更试图挖掘隐藏在皴擦点染背后的文人士大夫阶层的精神世界与生存哲学。 第一部:时代背景与文人阶层的崛起 本部分首先描绘了宋代独特的政治与社会结构,特别是士大夫阶层——这一艺术创新的核心驱动力——的形成与发展。 第一章:北宋的文化转向与绘画的士人化 详细考察了宋太祖“重文抑武”的基本国策如何为文人艺术的繁荣提供了制度保障。分析了儒、释、道三家思想在宋代理学思潮下相互渗透、融合的过程,探讨了这种哲学基础如何为文人画的“写意”精神奠定了理论基石。重点剖析了李成、范宽等早期山水画大师如何开始将个人情感与山川景物相融合,标志着绘画主体性的初步觉醒。 第二章:院体与文人画的张力与互动 清晰界定了宋代“院体画”的精湛技艺和对“格法”的恪守,与文人画追求“不着形似”的自由精神之间的区别与联系。通过对徽宗朝画院的制度化研究,展示了官方艺术的巅峰,并对比分析了苏轼、米芾等文人如何通过诗词、书法入画,构建了一种区别于院体的、更强调个人修养的艺术话语权。 第二部:核心美学范畴的构建与实践 本部分聚焦于宋代文人画发展中形成的关键美学概念,并结合具体画作进行细致的技法与意境分析。 第三章:“意在笔先”:写意精神的理论阐发 深入解读了苏轼提出的“论画以形似,见与鄙夫不殊;论画以神似,则深入庙堂之美”,这是文人画从技术层面跃升至精神层面的宣言。分析了“笔墨”作为文人情感载体的内在逻辑,阐释了书法用笔如何直接影响到皴法和墨法的演变,将绘画视为“可卧游”的胸襟表达。 第四章:雅俗之辨与“拙”的审美 探讨了宋代文人如何通过推崇“天真烂漫”和“自然之趣”,对传统的程式化美进行反叛。“拙”不再是技艺的缺失,而成为一种高超的境界——即去雕饰、反匠气的至高品位。分析了米芾“墨戏”的随机性与不可预见性,以及其对画面气韵生动的贡献。 第五章:山水、花鸟的“托物言志” 细致分析了文人画如何将山水和花鸟题材转化为寄托情怀的媒介。在山水题材中,研究了“可游、可居、可观、可赏”的审美层级,以及南宋画家如马远、夏圭如何以“边角之景”表达颠沛流离中的孤傲与萧瑟。在花鸟画方面,重点剖析了写意花卉的兴起,如赵孟坚、李嵩等如何通过看似随意的点染,表达对气节、品格的坚持。 第三部:南宋的转折与元代的奠基 本书的后半部分探讨了靖康之变后,文人画在南宋所经历的审美深化,以及这些成果如何为元四家的成熟奠定了不可或缺的理论与技法基础。 第六章:南宋的“静穆”与“禅意” 分析了南宋画家们面对国破家亡的现实时,如何将对山河故土的眷恋转化为一种内敛、沉静的艺术语言。研究了“一角半边”构图如何营造出旷远空寂的意境,以及这种静穆美学中潜藏的禅宗无常观和对宇宙秩序的追问。 第七章:从士人到“元四家”的理论整合 总结了宋代文人画在笔墨、审美趣味上积累的全部资源,并清晰地展示了赵孟頫如何以“复古”的名义,系统性地整合了唐、五代的笔法与宋代的写意精神,为元代文人画的正式确立铺平了道路。探讨了黄公望、倪瓒等人在继承宋代遗风的基础上,如何将个人情怀推向极致的“书卷气”。 结语:未尽的对话 宋代文人画的遗产是关于“如何观看世界”的哲学实践。它教会后人,艺术的价值不在于对客观事物的精确复制,而在于创作者如何通过媒介,将自身的人格修养和对宇宙的理解,转化为笔墨间的独特韵律。本书期望能引导读者超越对画作表象的欣赏,进入到那个文人与笔墨共呼吸的时代,体悟其永恒的艺术精神。 读者对象: 艺术史研究者、中国古代绘画爱好者、书法与国学修习者,以及任何对宋代文化与审美情趣感兴趣的读者。 ---

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