具体描述
梅墨生是书画通才，并在史论方面功夫很深，在此之外又涉猎多方面的专门知识，可谓“有所专”且“游于艺”。本书共收入文章12篇，其中对八大山人山水画研究的独特视角，对戴本孝山水精神的一种探寻挖掘，对海派虚谷艺术风格的评述分析，对吴昌硕的人与艺的演变评述，对齐白石的诗与画，黄宾虹的黑与白，以及对林风眠、潘天寿、李可染、李苦禅、赖少其等代表这个大的历史阶段的诸多大家的评介，都能发抒个见，不苟于他人之言。
作者简介
梅墨生，号觉公，斋号为一如堂。书画家、诗人、学者。中国国家画院研究员，国家一级美术师。中国美术学院、北京大学艺术学院、厦门大学艺术学院、中国书法院、台湾艺术大学、北京中医药大学等多所大学客座教授、研究员。中国画学会理事，中国文艺评论家协会理事、杭州黄宾虹学术研究会名誉会长等。
目录信息
读后感
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用户评价
这本书的整体布局非常合理，内容翔实，足以引导读者深入了解中国画艺术。作者在《中国画艺术十二讲》中，对“中国画的鉴赏方法与收藏要点”的讲解，为我这样的初学者提供了极大的帮助。他并没有直接给出结论，而是循序渐进地引导读者掌握鉴赏中国画的基本方法。他从“看画面”入手，讲解了如何从构图、笔墨、色彩、题款、印章等多个方面来审视一幅画作，并如何去感受画作的整体意境和作者的情感表达。同时，他还分享了一些关于中国画收藏的实用建议，例如如何辨别真伪，如何评估画作的价值，以及在收藏过程中需要注意的一些事项。这些内容都非常接地气，让我觉得中国画艺术不再是遥不可及的，而是可以走进生活，可以被欣赏和珍藏的。作者的这种“授人以渔”的教学方式，让我受益匪浅，不仅提升了我对中国画的欣赏能力，也让我对中国画的收藏产生了浓厚的兴趣。
评分这本书的文字如涓涓细流，滋润着我枯竭的艺术感知。作者在《中国画艺术十二讲》中的每一个论述，都充满了智慧的光芒。他对于“中国画的题材选择与寓意表达”的解读，更是让我眼前一亮。他分析了中国画中常见的题材，如山水、花鸟、人物，并深入探讨了这些题材背后所蕴含的丰富寓意和文化象征。例如，山水画不仅仅是对自然景色的描摹，更是画家对宇宙人生哲理的思考；花鸟画中的每一朵花、每一只鸟，都可能寄托着画家的情怀和愿望；人物画更是承载着对历史人物的评价和对社会百态的描绘。作者还特别提到了一些不常见的题材，并对其寓意进行了深入的剖析，让我认识到中国画的题材选择之广泛，以及其中所蕴含的深厚文化底蕴。他用生动的语言，将那些抽象的寓意具象化，让我能够更容易地理解中国画作品所要传达的信息。
评分《中国画艺术十二讲》是一本让我相见恨晚的佳作。作者的语言风格非常别致，既有古典的韵味，又不失现代的活力。在关于“中国画的写意精神与笔墨情趣”的阐述中，作者对“写意”的理解尤为深刻。他解释了中国画的“写意”并非“写实”的对立面，而是一种更高层次的艺术追求，是通过简练的笔墨，抓住物象的“神”和“气”，并将其注入画家个人的情感和意趣。他详细分析了“笔墨情趣”的构成，包括用笔的疾徐、墨色的浓淡、线条的刚柔等，以及这些因素如何共同作用，营造出中国画特有的韵味和美感。作者还通过引用一些古代名家的评论和作品，来佐证自己的观点，让我对“笔墨情趣”有了更直观的感受。他强调了“以形写神”与“写意”的内在联系，以及中国画如何通过对物象的提炼和概括，来表达画家内心的情感和对世界的感悟。
评分《中国画艺术十二讲》给我带来的不仅仅是知识的增益，更是一种对艺术的全新认知。作者的行文风格非常洒脱，却又不失深度，他能够用最简洁的语言，阐释最复杂的艺术道理。在关于“书法与绘画的相辅相成”的探讨中，作者深入浅出地阐述了中国画中“书画同源”的艺术观念。他详细介绍了书法中的用笔、用墨、用结构，以及这些元素如何巧妙地运用到绘画之中，例如，书法中的“飞白”如何在山石的肌理中体现，草书的连绵如何在树枝的枝干中表现，篆书的古朴如何在印章的运用中体现。作者还通过对比不同书法家和画家在用笔上的相似之处，让我们直观地感受到书法对中国画造型和笔墨韵味的影响。他引用了许多古代名家对此的论述，让我深刻理解到，中国画的线条不仅仅是描绘物象的工具，更是画家情感和精神的载体，是中国画艺术灵魂的重要组成部分。这本书让我开始重新审视那些看似寻常的笔墨，去体会其中蕴含的精妙之处，也让我对中国画的整体审美有了更深刻的理解。
评分阅读《中国画艺术十二讲》的过程，就像在与一位博学多识的长者进行一场深入的对话。作者的文字功底极为深厚，他能够将抽象的艺术理论，用生动形象的比喻和引人入胜的叙述方式呈现出来，让即便是初次接触中国画的读者，也能轻松理解其中的精髓。我尤其欣赏他在探讨“中国画的笔墨语言”那一章节的详尽阐述。他不仅仅是简单地介绍勾、皴、擦、点、染等技法，而是深入挖掘了每一种笔法的背后所蕴含的情感表达和哲学意义。例如，关于“皴法”，他详细讲解了披麻皴、斧劈皴、牛毛皴等多种皴法在表现不同山石纹理时的独特效果，以及画家如何通过对皴法的灵活运用，赋予山石以生命力和质感。读到此处，我仿佛看到了古代画家们在宣纸上挥洒自如，用点点墨痕勾勒出千岩万壑的壮丽景象。作者还特别强调了“笔墨的意趣”，指出中国画的魅力不仅在于形似，更在于神似，在于笔墨之间流露出的画家个人气质和情感。这些都让我对中国画的认识，从表面的欣赏，上升到了对内在精神的探寻。这本书的价值不仅在于知识的传授，更在于它能够潜移默化地培养读者的审美情趣和艺术鉴赏力，让我开始用一种全新的视角去观察和品味周围的世界。
评分《中国画艺术十二讲》是一本让我感到惊喜和醍醐灌顶的艺术读物。作者的叙述风格非常独特，既有学者的严谨，又不失艺术家的浪漫。在谈到“花鸟画的意象与象征”时，他引用了大量的古代诗词和典故，将花鸟画的创作与中国传统文化中的吉祥寓意、人生哲理紧密结合。例如，关于梅、兰、竹、菊“四君子”的象征意义，他不仅阐述了它们各自的品格，还结合了历史上文人雅士对它们的赞美和寄托，让这些常见的花鸟题材变得意义非凡。读到关于“荷花”的章节，作者更是将荷花的“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”的精神，与中国古代君子的品德相媲美，并分析了不同朝代画家在描绘荷花时所体现出的时代特色和个人风格。这种将绘画技法、文化内涵与哲学思考融为一体的讲解方式，让我受益匪浅。这本书不仅仅是关于绘画技法的指导，更是一次关于中国传统文化和价值观的深度探索。它让我明白，中国画之所以能够流传千古，不仅仅是因为其精湛的技艺，更是因为它承载了中华民族深厚的精神内涵和审美追求。作者的解读，让这些古老的意象焕发出新的生命力，也让我在品味艺术的同时，获得了心灵的滋养。
评分这本书的装帧设计就充满了艺术气息，沉甸甸的质感，纸张的触感细腻且富有韧性，封面上的“中国画艺术十二讲”几个字，用了一种古朴而又不失力量的书法体，旁边点缀着一幅淡淡的留白水墨画，初见便能感受到作者对于中国画艺术的敬意和对这本书品质的追求。拿到书后，我迫不及待地翻阅，里面的插图精美绝伦，无论是山水、花鸟还是人物，都展现了中国画独特的意境和笔墨韵味。我特别喜欢其中关于“山水画的意境营造”那一讲，作者旁征博引，从古代的山水画理论讲到近代的实践，并结合具体画作进行深入剖析，让我对“可行、可望、可游、可居”的山水画境界有了更深刻的理解。尤其是在描述如何通过留白来表现云雾、山峦之间的空灵感时，作者的语言就如同他笔下的水墨一般，挥洒自如，又暗藏玄机，读来让人仿佛置身于烟雨朦胧的山水之间，心旷神怡。而且，书中穿插了一些画家的小故事和创作心得，这些细节让冰冷的理论变得生动有趣，也让我看到了中国画艺术背后深厚的人文情怀和不懈的艺术追求。我本身对中国画一直抱有浓厚的兴趣，但总觉得门槛较高，难以真正领略其中的奥妙，这本书的出现，恰好填补了我的知识空白，并且以一种循序渐进、深入浅出的方式，让我逐渐拨开了笼罩在中国画艺术上的神秘面纱，看到了它丰富多彩的内在世界。
评分这本书的整体风格既有学术的严谨性，又不乏人文的关怀。作者在《中国画艺术十二讲》中，将中国画艺术的多个方面进行了系统性的梳理和解读，其内容之丰富，视角之独特，都令人称道。我特别被“中国画的色彩运用与象征意义”这一章所吸引。作者并没有简单地介绍颜色搭配，而是深入探讨了中国画中色彩的哲学内涵和文化象征。他详细介绍了中国传统色彩的观念，例如五色（青、赤、黄、白、黑）的象征意义，以及不同颜色在中国画中如何用来表达特定的情感、意境和吉祥寓意。例如，红色在中国画中常常象征着喜庆、热情和生命力，而蓝色则可以表达宁静、深远和高洁。作者还结合具体的画作，分析了画家如何运用微妙的色彩变化来营造画面的氛围和深度，以及如何通过色彩的对比和协调来突出主题。他甚至谈到了“中国画的色彩并不完全依赖于客观的写实，而更多地是一种情感的抒发和意念的表达”，这让我对中国画的色彩观有了全新的认识。
评分《中国画艺术十二讲》是一本值得反复品读的艺术宝典。作者的叙事方式极其吸引人，仿佛一位经验丰富的导游，带领读者领略中国画的万千气象。在探讨“中国画的构图原则与空间处理”时，作者展现了他深厚的专业功底。他详细讲解了中国画构图的特点，如“散点透视”、“经营位置”等，并结合古代绘画的经典作品，生动地阐释了画家如何通过巧妙的构图来安排画面中的元素，营造出富有层次感和纵深感的空间。他分析了“留白”在中国画构图中起到的重要作用，如何通过空白来引导观者的视线，如何用虚实相生来表现意境。例如，在描绘山水画时，画家如何通过山峦的起伏、云水的流动来构建画面的节奏感和空间关系，以及如何通过留白来表现云雾的缥缈和山谷的幽深。作者还强调了中国画构图的“意在笔先”和“胸有丘壑”，即画家在动笔之前，心中已经有了完整的构图蓝图。
评分作为一名对东方美学情有独钟的爱好者，我毫不犹豫地选择了《中国画艺术十二讲》。这本书的编排逻辑清晰，从基础的笔墨技法到高深的艺术理念，层层递进，引导读者一步步走进中国画的艺术殿堂。我印象最深刻的是关于“人物画的造型与神韵”这一章节。作者详细介绍了中国人物画在不同历史时期的发展演变，以及各种人物造型的表现手法。他特别强调了“以形写神”的核心理念，并结合吴道子、顾恺之等大师的作品，生动地剖析了如何通过线条的粗细、墨色的浓淡、人物的动态和表情来刻画人物的内心世界和精神气质。当读到关于“神韵”的论述时，我感觉作者似乎在用一种非常细腻和富有洞察力的笔触，描绘着艺术家们是如何捕捉瞬间的情感，并将之凝固在画面之中。他对人物眼神的刻画，对衣纹的处理，对人物性格的解读，都让我觉得十分到位。这本书让我意识到，中国画的人物不仅仅是简单的“画人”，更是对人生百态，对社会风貌，对个体情感的深刻洞察和艺术表达。它不仅提升了我对中国画人物画的理解，更让我对中国古代人物画所展现出的对人性的关怀和对生活的热爱有了更深的感悟。
评分齐白石甘于在青藤、八大山人、吴昌硕三家门下转轮来。 晚年更是放笔来回擦抹。 相逢大笑两十日，来岁今朝拥画图。
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