Jean-Luc Godard par Jean-Luc Godard pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:Cahiers du cinéma

作者:Alain Bergala (Sous la direction de)

出品人:

页数:511

译者:

出版时间:1998-10-3

价格:EUR37,00

装帧:精装

isbn号码:9782866421984

丛书系列:

图书标签:

电影
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具体描述

À travers des documents, souvent rares ou inédits, c'est 48 ans d'activité de Godard qui se déploient.

Découpé en années, le tome I s'étend des "années Cahiers" aux "années quatre-vingt". D'abord, le critique Godard pose des questions essentielles (naissance de la politique des auteurs) et dès l'apparition de la Nouvelle Vague, il formule des réponses dans ses films. Autour de 68 se développe l'activisme politique. Puis il approfondit ses recherches avec l'apport des nouvelles technologies et de la vidéo. Ce que le cinéaste nomme sa "troisième vie" dans le cinéma marque la fin du volume. Chaque période est ponctuée d'un ou plusieurs entretiens dans lesquels Godard fait le point.

Des extraits de sa correspondance et une riche iconographie permettent de voir tout ce qui lie Godard aux autres arts.

Le tome II (couvrant la période 1984-1998) prolonge la réflexion sur l'oeuvre, et s'enrichit d'une filmographie et d'un index complets.

L'ensemble reflète comment la vie intime et sociale a influé sur les créations de l'un des plus importants cinéastes modernes. Parmi ses oeuvres : A bout de souffle Pierrot le fou Le mépris. --Hector Fricotin

Quatrième de couverture

Les Cahiers du Cinéma dans les années 50, "c'était notre seul foyer" affirme Jean-Luc Godard dans une interview "et moi j'y étais presque plus que les autres. A partir de deux heures on allait aux Cahiers, puis au cinéma, et on revenait le soir". De 1950 à 1959, Jean-Luc Godard écrivit dans les Cahiers et c'est ainsi qu'il apprit à aimer et à faire aimer de nombreux cinéastes - de Bergman et Hitchcock à Nicholas Ray. La notion de cinéma d'auteur était née. On retrouvera dans ce livre la plupart de ces articles dont certains furent de véritables manifestes de la "Nouvelle Vague". --Ce texte fait référence à une édition épuisée ou non disponible de ce titre.

《光影迷宫：电影的哲学与边缘》内容提要本书并非对某位特定电影人作品的直接梳理，而是一次深入的、跨越流派与时代的电影理论与实践的探索之旅。它聚焦于电影作为一种独特的艺术语言所能承载的复杂性、其与时代精神的内在关联，以及在技术迭代中不断衍生的审美挑战。全书结构分为三大部分：“凝视的结构”、“叙事的解构与重塑”、“光影的形而上学”，旨在为读者构建一个理解电影不止是娱乐工具，更是深刻的哲学载体的框架。 --- 第一部分：凝视的结构（The Architecture of the Gaze）本部分着重探讨观看行为本身在电影体验中的核心地位，以及如何通过镜头语言对这种观看进行操纵或解放。一、主体与客体：屏幕上的身份危机电影的本质建立在一组权力关系之上：谁在看，谁被看。本章细致分析了经典好莱坞叙事中“不可见的凝视”（The Invisible Gaze）如何构建起一个稳定、安全的观众位置，并将角色转化为纯粹的视觉客体。随后，引入了诸如“直视镜头”（Breaking the Fourth Wall）和主观视点镜头（POV shots）的分析，考察当这种观看的权力平衡被打破时，观众主体性如何发生剧烈的震荡。我们探讨了某些电影如何故意制造“疏离感”（Alienation Effect），迫使观众从沉浸式的体验中抽离出来，进行批判性的反思。这不仅是技巧的运用，更是对现代社会中“被观看”状态的一种隐喻投射。二、空间、时间与场景的形变电影场景的构建远超地理位置的简单复制。本章深入研究了“空间错位”（Spatial Displacement）在表达心理状态中的作用。我们分析了如何通过布景设计、灯光运用和景深选择来扭曲观众对现实空间的感知。例如，在表现幽闭恐惧或精神崩溃的场景中，摄像机运动、剪辑节奏与物理环境之间的互动如何共同作用，将抽象的情感具象化。时间维度上，我们考察了“非线性叙事”（Non-Linear Narration）的哲学基础——如果现实世界的时间并非严格的因果链条，那么电影对时间的重组，是否更能捕捉到记忆、创伤和预感的真实质感？三、声音的潜意识地图声音在电影中往往处于视觉的附属地位，但其对情绪的调动却更为直接和原始。本章剖析了声音设计如何构建起一个“潜意识的声景”（Subconscious Soundscape）。从对比高度风格化的配乐与极端写实的自然音效，到研究“画外音”（Off-Screen Sound）如何拓展银幕的边界，我们探讨了声音如何绕过理性认知，直接影响观众的身体感受和对场景的理解。特定的音色、重复的频率模式，乃至沉默本身，都被视为叙事工具的延伸。 --- 第二部分：叙事的解构与重塑（Deconstruction and Reconfiguration of Narrative）本部分关注传统故事结构在现代电影实践中的瓦解与重建，探索如何通过形式上的实验来挑战内容上的既定意义。一、因果链的断裂与多重现实传统叙事遵循清晰的“起因-发展-高潮-解决”模式。本章挑战了这种必然性，研究了那些刻意中断或模糊因果关系的叙事策略。我们分析了“开放式结局”的心理影响，它将叙事的完成责任转嫁给了观众，迫使他们直面意义的悬而未决。此外，我们深入探讨了“多重叙事视角”（Multiple Subjective Realities）的应用，例如在同一事件中，通过不同人物的视角呈现出截然不同的“真相”。这不仅是对情节的复杂化，更是对“客观真相”这一概念在后现代语境下有效性的质疑。二、角色：原型到裂痕电影角色不再是道德或社会角色的简单载体。本章关注“扁平化角色”（Flat Characters）的回归与重新诠释，即那些缺乏传统成长弧线，停滞于某个状态的角色。我们分析了电影如何通过长时间的凝视或重复的日常行为，来揭示人物内在的结构性矛盾，而非外部事件驱动的转变。更重要的是，我们探讨了“身份的流动性”（Fluidity of Identity），即角色如何在其自身的表现与内心的真实之间产生张力，成为意义的“载体”而非“化身”。三、类型片的解构：致敬与反叛类型片（Genre Films）是电影工业的基石，但其规范性也使其成为实验的绝佳靶场。本章着眼于那些看似遵循类型片模式，却在关键时刻注入了颠覆性元素的影片。我们研究了类型片的“符号学解构”——如何提取类型片的标志性元素（如西部片的广袤、黑色电影的阴影），然后将其用于表达完全不相符的主题，从而产生一种既熟悉又陌生的审美体验。这种手法是对电影史的对话，也是对既定美学惯例的挑战。 --- 第三部分：光影的形而上学（Metaphysics of Light and Shadow）最后一部分将视野提升至电影美学与哲学本体论的交汇点，探讨光影作为物质与精神媒介的终极意义。一、黑白：光线的纯粹形式在彩色电影普及的背景下，黑白的选择不再仅仅是怀旧，而是一种主动的美学宣言。本章分析了黑白影像如何通过去除色彩这一“干扰项”，迫使观众更加关注光线本身的形态、纹理和对比度。黑与白之间的灰阶，成为了表现道德模糊性、存在主义困境的最佳“中介色”。我们考察了光线在不同密度和角度下的物理属性如何被转化为心理状态的精确描述，如硬光下的锐利真相与漫射光下的朦胧暧昧。二、静止与运动：镜头的呼吸电影的核心矛盾在于其对运动的捕捉与对某一瞬间的固定。本章分析了镜头运动与静止的哲学意义。极端的长镜头（Long Take）如何通过迫使观众在单一画面内完成时间与空间的全部信息处理，模拟了一种近乎冥想的状态。相对地，快速剪辑和跳切（Jump Cuts）则模拟了现代生活的碎片化和认知过载。镜头的“呼吸”——它何时停顿，何时涌动——被视为影片节奏和内在生命力的体现。三、电影作为记录：真实性的悖论电影声称记录了现实，但其记录行为本身就是一种重塑。本章探讨了“纪录片转向”（Documentary Impulse）在虚构叙事中的渗透。无论是通过伪纪录片的形式，还是仅仅在叙事中插入看似未经加工的片段，电影总是在寻求一种“不可伪造的在场感”。我们追问：在一个图像可以被无限复制和操纵的时代，电影的“真实性”不再是模仿，而在于其制造的“观看的在场感”是否具有无可辩驳的经验力量。本书试图为读者提供一套审视电影的工具箱，它强调的不是“这部电影讲了什么故事”，而是“这部电影如何讲述，以及这种讲述方式如何改变了我们理解世界的方式”。它鼓励读者将电影视为一个充满张力的、未完成的思考场域。