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出版者:上海科学技术出版社

作者:萧燕翼

出品人:

页数:254

译者:

出版时间:2007-12

价格:320.00元

装帧:精装

isbn号码:9787532390854

丛书系列:

图书标签:

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浮光掠影：近代江南文人画的流变与审美 一部深入探讨清末民初至抗战前夕，特定地域（以上海为中心辐射的江南区域）文人画发展脉络、风格转向及其背后社会文化动因的学术专著。 本书并非聚焦于某一特定画派或某一位孤立的画家，而是力图构建一个立体的、动态的“场域”图景，剖析在剧烈社会转型期，支撑江南文人画得以延续、革新与自我辩护的复杂机制。我们试图穿透宏大叙事，关注那些在历史夹缝中坚守、挣扎与探索的艺术实践者。 第一部分：传统的余晖与时代的断裂 本部分将追溯清末上海及周边地区文人画的“惯性”与“遗绪”。我们首先考察上海开埠后，传统文人圈层（如邑社、书画会）在商业化浪潮冲击下的组织结构变化。重点分析早期海派绘画中，以吴昌硕为核心的“金石入画”路线，如何成为对抗外来文化冲击的一种文化防御姿态。然而，这种防御姿态内部也存在张力——其对碑学和写意精神的强调，既是对传统的激活，也隐含着对陈旧“四王”体系的颠覆。 我们深入研究了此时期文人画对“雅”与“俗”的界限处理。随着新式教育的普及和大众审美的兴起，传统上强调“不涉市井”的文人画如何应对日益增长的商业需求（如年画、广告插图中的艺术元素）。我们将以具体个案（如早期月份牌中的写意笔墨运用）来探讨这种边界的模糊与重塑，这并非简单的“堕落”，而是一种迫不得已的、甚至是主动的“民间化”尝试。 第二部分：新旧之间的对话与张力 社会变革对艺术思想的冲击在民国初期尤为显著。本章聚焦于1910年代至1930年代初，江南地区知识分子对西方艺术思潮的接受与消化过程。本书特别关注“留学生一代”与“本土派”之间的知识生产差异。 我们详述了上海美术专科学校（上海美专）和苏州美专等机构在课程设置上的博弈。一方面，留学生带回的素描、解剖学等西方写实训练，对传统笔墨造成了直接挑战；另一方面，本土画家（如受到“新金石派”影响的艺术家）如何在保留写意精神的同时，引入西方绘画的构图学和光影观念，以求“中西融合”。这种融合并非简单的拼贴，而是对文人画本体语言的深刻反思。例如，如何用写意的笔触去表现“现代性”的工业景观或都市情绪，成为一代画家的重要课题。 特别设立一章探讨“国画研究会”及其周边群体的理论构建。他们试图在政治动荡时期，为文人画寻找一个坚实的理论支柱，将“笔墨精神”提升到关乎民族文化存亡的高度。我们检视了他们对“气韵生动”的重新阐释，以及如何将其与现代民族主义话语进行对接。 第三部分：地域性、媒介与艺术家的个体实践 本书的重点转向对具体地域文化生态的微观考察。上海作为一个国际性都市，其文化包容性为文人画注入了新的活力，但也带来了碎片化的风险。 1. 题材的转移与深化： 研究江南文人画家如何处理都市主题。传统的山水画已无法承载现代都市的意象，因此我们观察到对园林（如苏州园林）、城市角落的描绘增多，以及对日常“小品”的偏爱。这些看似寻常的题材，实则蕴含着对逝去田园秩序的怀念与对现实压抑的无声抗议。 2. 媒介的革新与限制： 分析了在纸张、印刷技术进步的背景下，水墨画在出版物中的传播方式。木刻版画的兴起对水墨画的线条感和黑白关系产生了潜移默化的影响。同时，我们也探讨了水墨材料在特定气候条件下（如南方的潮湿）的物理限制与艺术家的应对策略。 3. 女性艺术家的介入： 尽管史料相对稀缺，本书仍试图挖掘在这一时期崭露头角的江南女性文人画家（如沪上某些受过良好教育的大家闺秀）。她们的创作往往在继承传统的基础上，展现出更细腻、更内敛的情感表达，其作品中的女性视角，为我们理解当时家庭与社会的双重束缚提供了独特的艺术证据。 第四部分：危机与传承——抗战前夕的文化坚守 抗日战争的全面爆发，将江南文人画推向了最后也是最严峻的考验。本部分考察了画家们在颠沛流离中，如何维持其艺术实践的纯粹性。 对于许多画家而言，撤离城市，重回乡土，反而促使他们更深地回归到传统写意精神的本质。山水不再是“可居”的理想乡，而是“不可复得”的精神寄托。我们将分析在这一时期，“写意”如何从一种绘画技法，转化为一种抵抗外侮的文化姿态。 本书最终将探讨，在1940年代初期，文人画的理论体系和实践经验如何被有意识地保护和梳理，为战后艺术的重建积蓄能量。这不仅仅是关于笔墨的故事，更是关于一群知识分子如何在时代洪流中，为维护一种独特的文化身份而进行的深刻的、充满尊严的艺术坚守。 核心价值： 本书旨在超越“海派”的标签化叙事，通过对社会学、文化史视角的引入，展现近代江南文人画在面对现代性冲击时，所经历的痛苦的“去中心化”与艰难的“再中心化”过程，揭示其丰富的、充满矛盾的内在生命力。

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这本书的叙事节奏感极强，读起来有一种酣畅淋漓的快感，仿佛作者的思维像一条奔腾的大河，带着我们穿越历史的峡谷。它没有那种传统学术著作的拖沓和冗余，语言鲜活，富有画面感，即使是描述复杂的技法演变，也能用生动的比喻将其描摹得栩栩如生。我特别喜欢它在章节过渡时使用的那种“钩子”——总是在你意犹未尽之时，抛出一个更引人入胜的悬念，让你迫不及待地想翻到下一页。这种行文的张力，使得原本可能枯燥的题材变得引人入胜，即便是通勤路上碎片化的阅读时间，也能收获满满的愉悦感和知识的增量。这完全打破了我对“艺术史书籍必须严肃到令人昏昏欲睡”的固有认知。

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我必须说，这本书的选材角度非常独特且具有颠覆性。它并没有仅仅停留在展示那些耳熟能详的“名家名作”，而是深入挖掘了一些在主流艺术史中常常被忽略的、地方性或民间色彩浓厚的艺术表达形式。这种“向下扎根”的编辑思路，极大地拓宽了我的视野。我以前对某个特定时期的艺术流派总有一个相对固化的印象，但这本书通过引入大量地方志中记载的图像、家族传承的图谱，乃至一些具有强烈地域风土气息的民间手工艺品的图像资料，成功地打破了这种刻板印象。每翻开一页，都像是在进行一次微型的考古发掘，不断发现新的可能性和被遗忘的美学范式。它不是在重复历史，而是在重新构建历史，用一种更为立体、更加多元的视角来审视艺术的脉络。

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这本书为我提供了一种全新的观察世界的角度。它不仅关注了“画了什么”，更深入地探讨了“为什么会这样画”的社会文化动因。作者巧妙地将当时的政治气候、经济结构甚至气候变化等非艺术因素，都纳入到对艺术风格形成的解读体系中，展现了一种强大的跨学科思维。读完之后，我再去看待一些日常生活中熟悉的事物，都会不自觉地将其置于更广阔的历史背景下去审视。这是一种潜移默化的改变，它不再仅仅是一本关于图像的书，而更像是一本关于“时代精神”的解码手册。它教会了我如何透过表面的笔触和色彩，去触摸一个时代最深层的脉搏，其价值远远超出了艺术评论的范畴。

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这本书的装帧设计简直让人爱不释手，那种沉甸甸的质感，配上封面上那一抹古朴的墨色，初拿到手时，我就知道这不是一本普通的画册。内页的纸张选择也极其考究，触感细腻光滑，即便是印刷精美的彩色插图，也丝毫没有廉价的油墨味，反而透着一种历史的沉淀感。我尤其欣赏它在排版上的用心，留白的处理恰到好处，使得每一幅作品都能拥有自己的呼吸空间，不会因为密集的陈列而显得拥挤。更令人惊喜的是，它在配文部分下的功夫，那些对画作背景、作者生平以及创作心境的解读，文笔凝练而富有洞察力，既有学术的严谨，又不失文学的美感。读起来，就仿佛有一位博学的策展人，轻声细语地为你讲述每一幅作品背后的故事，让你在欣赏视觉艺术的同时，也能获得精神上的滋养。这本书的整体阅读体验，从触感到视觉再到思想，构成了一个完整的、令人愉悦的循环。

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坦白讲，这本书的学术深度超乎我的预期。我原本以为这可能是一本面向大众读者的普及性读物，但很快我就意识到自己错了。它对材料、媒介转换过程的分析，以及对不同历史时期审美趣味变迁的宏观把握，都达到了相当高的水准。特别是其中关于“意境”与“写实”二元对立在特定历史阶段的相互渗透与融合的章节，作者的论述逻辑清晰，引经据典，逻辑链条严密得让人无法反驳。作者似乎花费了大量的时间在原始文献中进行爬梳，这使得书中的每一项论断都有着坚实的文献支撑，而非空泛的感性挥洒。对于那些希望系统性了解某个艺术现象深层结构的研究者来说，这本书无疑是一份极其宝贵的、值得反复研读的参考资料。

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