The Grammar of Ornament

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出版者:L'Aventurine
作者:Owen Jones
出品人:
页数:240
译者:
出版时间:2007-03-20
价格:USD 34.95
装帧:Paperback
isbn号码:9782914199490
丛书系列:
图书标签:
  • 英文原著
  • 艺术、设计&画册
  • 好看的欧式图案
  • 装饰艺术
  • 图案设计
  • 维多利亚时期
  • 装饰主义
  • 历史风格
  • 纹样
  • 建筑装饰
  • 设计灵感
  • 艺术史
  • 装饰图案
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具体描述

Architect, decorator and teacher, Owen Jones supervised work at the Great Exhibition of 1851 in London and his decoration of the Crystal Palace was unanimously acclaimed. His work, "The Grammar of Ornament," was first published in 1856 and is still an indispensable reference tool. Its encyclopedic approach offers a unique vision of the decorative styles throughout time. "The Grammar of Ornament" is a treatise of the most significant forms of ornamental motifs. Organized in twenty chapters, each with an introductary text, these plates were compiled by Owen Jones, assisted by his students, from museum documents and existing historical and scientific publications. Its extremely varied illustrations make "The Grammar of Ornament" essential to the history of decorative arts.

好的,以下是为您创作的,关于一本名为《The Grammar of Ornament》的图书的详细简介,内容完全围绕该书的假想主题展开,并且避开了与“装饰的语法”直接相关的具体内容。 --- 《光影的编年史:一个摄影师的视觉哲学与暗房探秘》 内容提要: 《光影的编年史:一个摄影师的视觉哲学与暗房探秘》并非一本关于设计或装饰风格的权威指南,而是一部深入探索时间、记忆与光线之间复杂对话的个人史诗。本书作者,著名纪实摄影家亚历山大·维克多里安,以其横跨半个世纪的摄影生涯为经纬,为读者打开了一扇通往他内心世界和技术殿堂的门扉。 全书结构严谨,分为三个主要部分,辅以大量的案例分析和技术手稿的复刻。它试图解答一个核心问题:当决定性的瞬间被捕捉后,如何通过后期的化学反应和构图的深思熟虑,来重塑我们对现实的认知? 第一部分:时间的刻度与空间的解构 (Scales of Time and Spatial Deconstruction) 这一部分专注于维克多里安早年对“瞬间”的执着,但其核心思想并非在于模仿或标准化,而是如何通过镜头语言来抵抗时间的线性侵蚀。 1. 早期实验与胶片的“记忆惰性”: 维克多里安将早期的黑白作品视为对物质世界的初步“审讯”。他详细阐述了他如何利用不同涂层的胶片来捕捉光线的“残留物”。例如,在拍摄1970年代东欧城市景观时,他使用的特定乳剂对低频光线异常敏感,这使得建筑的阴影部分获得了远超肉眼所见的、近乎雕塑般的物质感。他强调,这种选择并非为了美观,而是为了记录下光线在特定时间和地点停留的物理证据。 2. “非决定性瞬间”的理论建构: 有别于那些追逐戏剧性高潮的摄影师,维克多里安发展了一种称为“非决定性瞬间”的理论。他认为,真正的视觉力量存在于场景的稳定状态中——人们行走、云层漂浮、机器运转时那种持续而稳定的状态。他将镜头视为一种测量工具,而非一种裁剪工具。书中收录了他对1980年代工业区流水线工人的系列作品的深度剖析,着重讲解了他如何通过极长的曝光时间(有时长达数分钟)来“平均化”人物的动作,从而揭示出劳动本身的内在节奏,而不是某一个工人的特定姿态。 3. 视角的心理学基础: 本章深入探讨了作者对于“视平线”的个人执念。维克多里安提出,我们观察世界的习惯性高度,是文化和生理共同作用的结果。他通过一系列极端角度的拍摄——从极低角度仰望巨石阵,到从无人机拍摄的俯瞰视角——来系统性地打破这种习惯性参照系。他所追求的不是视觉上的冲击,而是让观者在不舒服的观看角度中,重新审视熟悉的物体在绝对尺度下的意义。 第二部分:暗房的炼金术与化学的诗意 (The Alchemy of the Darkroom and the Poetics of Chemistry) 如果说第一部分是关于如何“看”,那么第二部分就是关于如何“制造”图像。维克多里安将暗房称为一个“反向的物质实验室”,在这里,化学成为了重塑现实的唯一媒介。 1. 显影液配方的演化: 本书详尽记载了维克多里安一生中尝试过的上百种自制显影液配方,并解释了每一种配方如何微妙地改变了银盐晶体的结构,进而影响到最终影像的颗粒感和密度分布。他特别详细介绍了一种他称之为“琥珀溶液”的配方,该配方通过精确控制溴化钾的浓度,使得高光区域呈现出一种近乎油画般的平滑过渡,而非传统意义上的“死白”。这部分内容对于资深爱好者而言,如同解读一份失落的工程蓝图。 2. 渐隐与增感:精确控制“信息密度”: 维克多里安将传统的局部加光(Dodging)和遮挡(Burning)技艺提升到了哲学层面。他不再将它们视为简单的曝光修正,而是“信息密度的重新分配”。他详细描述了如何使用自制的、不同硬度的滤镜和手动遮挡工具,来引导观众的视线在画面中移动。他认为,一张成功的照片,其“未曝光”或“过度曝光”的区域,其信息量应与清晰成像的区域同等重要。书中配有他手绘的局部处理图谱,清晰标注了每一处对密度进行的微小调整对整体视觉重量的影响。 3. 纸基的选择与纹理的语言: 不同于那些倾向于光面纸以追求锐度的摄影师,维克多里安几乎只使用粗糙的、具有明显纤维结构的相纸。他认为纸张的物理纹理是图像的“骨架”。他花费大量篇幅探讨了特定纸基如何吸收墨水(或化学定影剂)的差异,以及这种差异如何为纯粹的黑白图像增添了触觉上的维度。他解释了自己偏爱巴里塔(Baryta)涂层纸的原因,即它在湿润环境中表现出的独特“呼吸感”。 第三部分:结构与内在的秩序 (Structure and Inherent Order) 最后一部分超越了技术和哲学,进入了对图像内在结构和观看者反应的量化分析。 1. 负空间与画框的边界: 维克多里安对“留白”的运用,达到了近乎数学的精确。他探讨了如何计算出图像边缘到主要焦点之间的距离,以确保负空间(空白或暗淡的区域)能够产生足够的“张力”来支撑主体。他提出了一个“结构均衡系数”,尽管这并非一个可复制的公式,但它展示了作者在处理画面平衡时所依赖的内在直觉模型。 2. 序列的叙事:超越单张作品的力量: 本书的最后几章,汇集了维克多里安最著名的几个摄影系列(如《废弃的港口》、《无人之城》)。他论证了即使是独立的作品,当它们被并置在一起时,也会相互影响,形成一种新的“复合现实”。他强调,这种序列化的编排,远比单幅作品更能揭示社会或情感的深层、重复性的模式。 结语: 《光影的编年史》是一部关于坚持、关于深入挖掘媒介本质的著作。它不提供装饰性的模板,而是提供了一套严格的、由经验构建起来的观察和制造视觉现实的方法论。它引导读者超越对“美”的表层追求,去探寻光线、化学、时间和人类感知之间那份既严谨又充满诗意的内在联系。 ---

作者简介

欧文·琼斯是一位建筑家兼设计师,19世纪五十年代曾任教于伦敦的南步辛顿设计学院,同时也是1851年世界工业博览会的建筑师之一。1852年他受命担任新水晶宫的设计总监,水晶宫位于伦敦南方的悉丹翰。《世界装饰经典图鉴》一书是他留给世人的宝贵遗产,并成为一部不朽的古典作品。欧文·琼斯逝于1874年。

插图左边的评论是由艾因·萨克扎克添加的,他毕业于牛津大学的沃德姆学院和伦敦的科尔陶德学院,是一位著名的艺术评论家。艾因·萨克扎克涉猎广泛;但他最主要的兴趣还是集中于19世纪的艺术。他的著作包括《廉姆·莫里斯精神》、《装饰艺术》以及《插图手稿的艺术》。

目录信息

读后感

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欧文·琼斯先生出生于1809年的伦敦,他是19世纪影响深远的建筑师和设计师,也是现代设计理论尤其是色彩理论方面的先驱。琼斯曾就读于英国伦敦的皇家艺术研究院,之后师从建筑师刘易斯·福里米。琼斯游历广泛,他在1832年开启了环欧大旅行(the Grand Tour),途中结识了建筑设计...

评分

非常非常棒,非常非常值得珍藏,如果你是装饰图案爱好者,这本书绝对不能错过。现在的新版本不怎么样,我看的是WISCONSIN大学KOHLER艺术图书馆的老版藏书,超有感觉! 不过再想想,现在的图书出版真的应该回头学习一下老版图书的用心,这本1910年出版的The Grammar of Ornament...  

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非常非常棒,非常非常值得珍藏,如果你是装饰图案爱好者,这本书绝对不能错过。现在的新版本不怎么样,我看的是WISCONSIN大学KOHLER艺术图书馆的老版藏书,超有感觉! 不过再想想,现在的图书出版真的应该回头学习一下老版图书的用心,这本1910年出版的The Grammar of Ornament...  

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欧文·琼斯先生出生于1809年的伦敦,他是19世纪影响深远的建筑师和设计师,也是现代设计理论尤其是色彩理论方面的先驱。琼斯曾就读于英国伦敦的皇家艺术研究院,之后师从建筑师刘易斯·福里米。琼斯游历广泛,他在1832年开启了环欧大旅行(the Grand Tour),途中结识了建筑设计...

用户评价

评分

我花了整整一个周末沉浸在《装饰图案的语汇体系》这部看似厚重的理论书中,结果发现它根本不是一本用来“读”完的书,而更像是一本需要反复“查阅”和“印证”的百科全书。这本书的宏大之处在于,它试图构建一个跨越文明和时代的装饰符号学体系,从古埃及的莲花纹到维多利亚时代的洛可可卷草,作者都试图找到它们背后共同的、原始的驱动力——可能是对自然界生命力的模仿,也可能是对宗教神圣秩序的简化表达。最让我感到震撼的是其中关于“重复与变异”的章节,它清晰地阐释了图案如何通过微小的角度变化、色彩替换或尺度缩放,来传达出截然不同的情绪和信息。比如,在讨论中世纪哥特式玫瑰窗时,作者指出那种极致繁复的几何放射性并非炫技,而是模拟了中世纪人对宇宙无尽循环的敬畏感。这本书的阅读体验是碎片化但极富启发性的,我常常是在阅读关于某个特定时期图案的章节时,突然将自己以往看到的某个丝织品图案、某个器皿上的刻痕联系起来,恍然大悟:原来它们共享着同一个“语法结构”。它改变了我看待日常物品的方式,不再仅仅是实用性或美观性的判断,而是将其视为历史信息载体的一部分。

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《设计语法的历史演变》这本书的叙事手法极其独特,它不按时间顺序铺陈,而是采用了一种主题性的“螺旋上升”结构。它首先从最基础的“点、线、面”的运用谈起,然后迅速跳跃到文艺复兴时期的透视法构建,接着又回溯到史前洞穴壁画中对边缘的强调,最后落脚于当代数字界面设计中对用户体验的动态反馈机制。这种看似跳跃的结构,实际上是为了论证一个核心观点:任何时代的“设计规范”,都不过是当时社会对信息传递效率和美学权威的集体妥协。作者对“权威性”的解构尤其犀利,他指出,那些被奉为圭臬的经典设计准则,往往是在特定权力结构下被固化下来的,一旦社会结构发生变化,这些准则便迅速瓦解或被重塑。书中对“符号的模糊性”的探讨也发人深省,即优秀的符号或结构,必然保留一定的解释空间,以适应未来未知的语境。这本书的阅读体验是充满挑战的,因为它不断地让你质疑既有的知识体系,它要求读者具备极高的专注力和对历史脉络的整体把握能力,但一旦完成阅读,那种思想被重塑的满足感是无与伦比的。

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这本新近读到的著作,名为《建筑形式的视觉语法》,简直是一场关于空间与结构之间微妙关系的深度漫游。作者以一种近乎诗意的笔触,解构了人类对于“秩序”的永恒追求是如何在冰冷的石材和线条中得以具象化的。我尤其被书中关于“比例的内在韵律”一章所折服,它没有陷入枯燥的数学推导,反而通过大量古典与现代建筑案例的对比,揭示了人类视觉感官对和谐结构的本能偏爱。例如,作者对帕拉第奥窗式布局的剖析,不仅展示了黄金分割在视觉上的稳定感,更深入探讨了光线如何通过这些精心设计的开口,成为建筑体验中不可或缺的“无形材料”。读完这一部分,我再看任何一栋建筑,都会不自觉地去寻找那种潜藏在立面之下的、如同音乐般的结构逻辑。这本书的插图选择也极为精妙,那些手绘的剖面图和阴影分析图,比任何高清摄影作品都更能传达出设计者的意图和材料的质感,仿佛能触摸到工匠的指尖温度。它强迫你从一个“看客”转变为一个“解码者”,去理解每一道梁、每一根柱子背后的文化与功能诉求。对于任何一个对建筑、城市规划,乃至更广阔的视觉艺术领域抱有好奇心的人来说,这本书提供了一种全新的语言,去描述那些我们习以为常却从未真正理解的空间语言。

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坦白说,起初我对《形式的逻辑结构》这本书抱有很大的怀疑,因为它承诺要统一不同艺术门类中的结构原则,这听起来未免有些过于雄心勃勃,甚至有些“大一艺术史概论”的浮泛。然而,这本书的作者展现出了惊人的跨学科视野和严谨的论证能力。它巧妙地架设了音乐的复调结构与雕塑的体块组合之间的桥梁,并用清晰的图表解释了“张力与平衡”在听觉和视觉感知中的同构性。书中对二十世纪初现代主义运动中,艺术家们如何“剥离”装饰,回归几何原型的探讨尤其精彩。作者并没有简单地将此归结为对古典的反叛,而是将其视为对“效率美学”和“功能至上”哲学的一种结构性回应。他深入分析了包豪斯设计原则中那些看似简洁的线条背后,隐藏着多么复杂的空间数学计算和人类工程学的考量。阅读这本书的过程,就像是重新学习如何用一种更抽象、更底层的语言去理解世界上的所有人工造物——它们都是在解决一个核心的结构问题,只是载体不同。对于追求思想穿透力的读者,这本书提供了足够坚实的理论框架去支撑他们的批判性思考。

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我发现《纹理的触觉语言》这本书,与其说是一本关于“视觉”的书,不如说是一本关于“身体感知”的书。它完全避开了色彩理论和构图法则的传统讨论,转而专注于材料表面的微观世界——粗糙、光滑、多孔、反光、磨砂……这些属性如何直接作用于我们的皮肤和潜意识,进而影响我们对一个空间或物体的价值判断。书中对不同文化如何处理“表面”的对比分析令人耳目一新,比如东方文化中对木材年轮和竹子节理的珍视,与西方工业化进程中对高度抛光、均质化表面的偏爱,揭示了两种截然不同的时间观和生命观。书中还穿插了大量的心理学实验数据,证明了人在面对高反差纹理时,大脑激活的区域是不同的,这使得这本书拥有了坚实的科学基础,而不是空泛的感性描述。我个人特别喜欢它对“时间侵蚀”的描述,比如青铜器表面的铜绿如何被视为时间在物体上留下的“第二层皮肤”,这使得装饰不再是静止的,而是流动的、生长的。这本书彻底拓宽了我对“美学”范畴的理解,它告诉我们,真正的美感往往在被我们忽略的、最贴近我们身体的那些微小差异中孕育而生。

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