具体描述
This book is ideal for courses in dance composition and for teachers of movement and dance. It introduces the principles of dance composition to students, with emphasis on the creation and performance of solo, duet, trio and group dances. This DVD follows the creative process of two selected choreographers, Alonzo King and Dwight Rhoden, breaking the composition down into sequences to show how each choreographic stage helps to develop a finished dance piece. The ideas in the book can be used to teach with any style of dance, from ballet through to modern and jazz dance.
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目录信息
读后感
用户评价
这本书的排版和视觉呈现是其最大的亮点之一，如果仅从美学角度来衡量，它无疑是教科书级别的典范。墨黑的内页背景衬托着白色或淡灰色的文字，配合着极少数但经过精心挑选的黑白摄影作品，营造出一种近乎禁欲的、极简主义的美感。我尤其欣赏它在引用其他艺术理论时的处理方式，比如它巧妙地将建筑学的“负空间”概念引入到舞台空间的组织中，用非常精炼的句子阐述了“未被占用的空间如何塑造运动的意义”。这种跨学科的视角确实令人耳目一新，展现了作者深厚的学养。然而，这种对“形式”的极致追求，似乎牺牲了一部分“内容传递的效率”。我花了好大力气去理解其中关于“能量场流动”的描述，那些句子长而复杂，充满了修饰语，像是精心编织的诗歌，而非清晰的教学指引。比如，它花了整整三页来描述如何通过肢体的“抖动”来表达“存在的焦虑”，但通篇没有提及如何指导一个舞者在排练中达到那种“焦虑的抖动”——缺乏具体的身体训练方法或技术提示，这让这本书更像是舞蹈理论家的思考结晶，而不是一线编舞者可以立即采纳的工具书。它探讨的是“为什么”和“是什么”，却鲜少触及“怎么样”。
评分购买这本书的初衷，是希望能够系统性地学习如何从一个音乐片段或一个文学主题出发，构建一个完整的舞蹈作品。我期望看到关于“选曲与动作的同步性分析”、“叙事性舞蹈的结构设计”等实用章节。这本书确实提到了这些主题，但处理方式相当“超然物外”。它没有给出任何现成的模板或可供参考的案例分析，而是更倾向于引导读者进行自我发现式的探索。其中有一个章节讨论了“非线性叙事在当代舞蹈中的应用”，其论述的复杂程度，让我这个已有数年舞蹈经验的读者都感到有些吃力。作者似乎默认读者已经对传统舞蹈结构了如指掌，可以直接跳跃到最前沿、最实验性的领域。例如，在讨论如何处理高潮与收尾时，书中引用了大量的符号逻辑和模糊集合论的观点，试图将动作的起承转合数学化、哲学化。这无疑拓宽了理论的边界，但也让渴望“即插即用”技巧的读者感到沮丧。书中的插图，几乎都是一些抽象的几何图形，象征着运动的路径，而非实际的舞姿照片，这使得对空间感不强的读者在想象构建时缺乏必要的视觉锚点。
评分从装帧和内容厚度来看，这是一本足以摆在任何专业舞蹈图书馆书架上的“重量级”作品。我特别喜欢作者在开篇对“编导即是翻译者”这一观点的阐述，那种将无形情感转化为可见形体的过程被描绘得极具史诗感。全书的语言风格自始至终保持着一种沉静而权威的调性，很少使用问句，更少有口语化的表达。它像是一部完备的哲学论著，而不是一本教学指南。我阅读到关于“动机驱动的动作序列生成”的那部分时，作者将重点放在了动机本身的复杂性分析上，花费了大量篇幅来区分“表层动机”与“潜意识驱动力”。这固然提升了理论的深度，但也让读者觉得，为了编排一个五分钟的短剧，可能需要先进行为期数月的自我心理分析。这本书更像是为那些已经拥有丰富实践经验，现正寻求理论升华的资深人士准备的，它提供的是“思想的燃料”，而非“技艺的蓝图”。初学者读完后，可能会对舞蹈编导的复杂性产生敬畏，但很可能带着一堆未解决的实际操作问题而合上书本，因为它将过多的精力放在了“舞蹈的意义”上，而对“舞蹈的制作”着墨甚少。
评分我必须承认，这本书的学术深度是毋庸置疑的，它无疑为舞蹈编导领域贡献了一份高度凝练的理论重量级作品。书中对“意图性”与“偶然性”在编排中的辩证关系的探讨，尤其深刻，作者似乎试图在僵硬的结构和完全的自由之间寻找一个动态的平衡点。阅读过程中，我多次停下来，反复咀嚼某些句子，试图捕捉其深层的含义。然而，这种追求极致纯粹的理论探讨，使得这本书的“应用价值”大打折扣。比如，当讨论到如何处理群舞的层次感时，作者只是笼统地提出“应关注个体差异在集体意志中的消融与重塑”，这个论述极为精彩，但对于一个需要管理十几位舞者、确保他们动作一致性或故意制造冲突的编导来说，它没有提供任何关于“如何有效沟通这些层次差异”的实用技巧。全书的语气是那种高高在上的，仿佛作者已经站在了所有舞蹈问题的终点，俯瞰着我们这些还在摸索中的人。这使得阅读体验略显孤独，缺乏那种“导师手把手教学”的亲切感和即时指导性。
评分这本《舞剧编排基础》的封面设计着实引人注目，那种深沉的靛蓝色调，配上简洁有力的白色字体，立刻就让人感受到一种专业、严谨的气息。我拿到这本书时，首先是被它厚实的装帧和清晰的纸张质感所吸引。作为一名对舞蹈编排领域抱有强烈好奇心的初学者，我原本期望能找到一本能够系统地梳理从概念萌生到最终呈现的全过程的指南。然而，这本书给我的感觉，更像是一本精心制作的艺术品集，而非一本实用的操作手册。书中大量的篇幅似乎都致力于对“舞蹈身体”在空间中运动的哲学思考，探讨了诸如“运动的内在张力”与“观众的感知阈限”这类高深莫测的议题。例如，其中有一章专门分析了20世纪中期某个特定流派的编舞家如何利用灯光设计来解构时间感，文字描述得极其优美，充满了文学色彩，让人仿佛能透过文字闻到排练室里汗水的味道。但坦白说，对于一个急需知道“如何将一个抽象概念转化为一系列连贯动作序列”的人来说，这些理论阐述显得过于晦涩和抽离。我试图寻找一些关于基础的结构搭建、段落衔接的清晰图示或步骤分解，但书中更多的是抽象的符号和晦涩的理论模型，这使得初学者在实际操作层面感到无从下手，仿佛被置身于一个由理论搭建的迷宫中，急需一根明确的线索指引方向。
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