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Can contemporary art say anything about spirituality? John Updike calls modern art "a religion assembled from the fragments of our daily life," but does that mean that contemporary art is spiritual? What might it mean to say that the art you make expresses your spiritual belief? On the Strange Place of Religion in Contemporary Art explores the curious disconnection between spirituality and current art. This book will enable you to walk into a museum and talk about the spirituality that is or is not visible in the art you see.
探寻光影的交织：当代视觉文化中的媒介、身体与空间 本书汇集了一系列对当代艺术实践进行深度剖析的精选论文与研究报告，旨在超越传统的艺术史叙事框架，深入挖掘媒介技术、身体经验以及特定空间语境在重塑艺术创作与接受方式中的复杂互动关系。全书的论述围绕三大核心议题展开：媒介的物质性与流变性、身体作为感知与政治的场域，以及空间语境对意义生产的决定性作用。 第一部分：流动的媒介景观与物质性回归 本部分着重探讨数字技术飞速发展背景下，艺术媒介本体论的深刻转变。我们不再将媒介仅仅视为内容传递的被动载体，而是将其视为具有自身能动性、物质属性和政治潜力的活跃力量。 1. 模拟的残响与数字的渗透： 探讨在高清、无损的数字时代，模拟媒介（如胶片、磁带、印刷品）的“残缺性”和“物质损耗”如何被重新激活，成为艺术家对抗无菌数字环境的一种策略。我们分析了如玛丽娜·阿布拉莫维奇（Marina Abramović）晚期作品中对表演“录像化”的谨慎处理，以及当代摄影师如何利用底片处理的不可预测性来探讨记忆的不可靠性。本章还深入剖析了流媒体与虚拟现实（VR）技术对艺术品“在场性”的挑战，以及艺术家如何利用这些技术的内在缺陷（如延迟、带宽限制）来构筑新的审美体验。 2. 数据与可见性危机： 本章聚焦于“大数据”时代，信息过载如何转化为一种新的“不可见性”。我们考察了那些致力于将抽象的数据流具象化的艺术项目，例如利用传感器实时收集环境数据并转化为动态雕塑或声景的作品。讨论的重点在于，当艺术品本身成为一个数据采集终端时，它如何揭示出监视资本主义的运作机制，以及艺术家如何通过“数据清洗”或“数据噪音”来重申个体的主体性。 3. 材料的伦理学： 随着全球供应链的透明度受到质疑，艺术材料的来源与处理方式成为了新的伦理战场。本书收录了对特定材料——如稀土元素、回收塑料、生物工程材料——在艺术创作中的应用案例研究。我们探讨了生态批评视角下，艺术家如何选择那些具有环境成本的材料，从而将作品从纯粹的美学对象转化为对物质责任的沉思。这种对材料“生命史”的关注，颠覆了传统艺术中对材料“永恒性”的迷恋。 第二部分：身体作为现场与张力场 第二部分将焦点转向了身体——一个永恒的艺术主题，但在当代，它被更细致地置于社会、技术和权力网络的交汇点上进行审视。 1. 赛博格化与后人类的感知： 追随唐娜·哈拉维（Donna Haraway）的论述，本部分细致分析了艺术如何表现技术与生物的融合。我们研究了那些使用植入物、生物反馈系统或仿生装置的艺术家，这些作品模糊了自然与人工、内部与外部的界限。关键在于，这些作品并非仅仅是科幻式的想象，而是对当代人体验——被设备延伸、被算法塑造——的真实描摹。探讨了“身体的延伸”如何挑战了传统的自主性概念。 2. 劳动、表演与脆弱性的政治： 深入分析了表演艺术中对“耗竭”和“耐力”的探索。与早期的激进表演不同，当代许多关于身体的艺术实践关注的是系统性压力下的“脆弱性”和“倦怠”。我们考察了艺术家如何将日常的、被忽视的身体劳动（如看护、家务、持续在线的工作）戏剧化，使观众直面资本主义晚期对身体资源的无情榨取。例如，对长时间静止或重复性动作的记录，揭示了效率逻辑下身体被异化的过程。 3. 身份的碎片化与重构： 在身份政治日益复杂化的今天，身体不再被视为一个统一的、稳定的实体，而是由历史创伤、文化标签和自我建构共同作用的结果。本章分析了跨性别、非二元性别艺术家如何利用身体的自我塑形、化妆与服饰来解构既定的社会性别二元对立。我们特别关注了身体在虚拟空间中的“替身”（Avatar）现象，探讨数字肖像如何成为一种比物理身体更具控制权和表达力的身份载体。 第三部分：场域的建构：从展览空间到生态系统 最后一部分将视野放大，探讨艺术作品与其所处的环境、制度和更广阔的生态系统之间的相互作用。艺术的意义不再仅存于作品本身，而是在其发生的“场域”中被激活。 1. 制度的白立方与反思： 尽管“白立方”理论已受到广泛批判，但博物馆和画廊空间仍然是艺术品意义得以确立的关键场所。本章考察了艺术家如何有意识地“污染”或“挪用”白立方空间，例如，通过将工业残余物、非艺术品引入展览，或者利用空间自身的声学、光照特性来干扰传统的观赏模式。分析的案例包括对博物馆储藏室的“反向展示”，迫使观众思考艺术品的“未展出状态”及其背后的制度选择。 2. 城市作为临时舞台： 探讨了装置艺术和干预性艺术在城市环境中的特殊性。与针对特定画廊空间的作品不同，城市干预作品必须应对不可预测的公共反应、天气变化和政治审查。我们区分了“公共艺术”与“场域特异性”（Site-Specificity）艺术之间的张力，前者寻求普遍认同，后者则旨在揭示特定地点的历史断裂和权力结构。城市空间被视为一个充满噪音、冲突和非正式交流的动态剧场。 3. 生态学转向与艺术的地缘政治： 最终，本部分将艺术置于更宏大的地球生态危机背景下。我们审视了那些关注气候变化、生物多样性丧失的艺术实践。这些作品往往超越了传统的艺术媒介，与科学研究、地理学和气候建模相结合。关键在于，这些艺术家如何通过展示地球系统的复杂性与人类行为的连锁反应，来培养一种超越人类中心主义的“深层关注”（Deep Attention），从而推动对我们共同栖息地的责任感。本书试图证明，当代艺术正在从对人类经验的纯粹反思，转向对人类与非人类世界关系重塑的积极探索。
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