具体描述
Making a Performance traces innovations in devised performance from early theatrical experiments in the twentieth-century to the radical performances of the twenty-first century. This introduction to the theory, history and practice of devised performance explores how performance-makers have built on the experimental aesthetic traditions of the past. It looks to companies as diverse as Australia's Legs on the Wall, Britain's Forced Entertainment and the USA-based Goat Island to show how contemporary practitioners challenge orthodoxies to develop new theatrical languages. Designed to be accessible to both scholars and practitioners, this study offers clear, practical examples of concepts and ideas that have shaped some of the most vibrant and experimental practices in contemporary performance.
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读后感
用户评价
这本书的叙事风格非常独特，它完全避开了那种自上而下的教条式指导，更像是一群经验丰富的艺术家们在深夜茶馆里的交心之谈。它的结构松散却又内在统一，充满了跳跃性的思维火花。我尤其喜欢它对“身体的记忆库”这个概念的挖掘。它不是让你去模仿某个特定的动作，而是引导你去唤醒身体中沉睡的、与特定情感经验关联的物理反应。书中通过一系列看似不相关的练习——比如描述一种特定的气味，或者回忆一次尴尬的童年经历——最终导向对舞台肢体语言的重塑。这比死记硬背的动作训练要有效率得多，因为它直击了情感的源头。此外，作者对“观众的在场感”的讨论也极其精妙。他认为观众不是被动的接收者，而是表演的共同创造者，这种“共谋”的关系如何通过演员的微表情来建立和维护，书中给出了许多极富洞察力的分析。每次翻开这本书，都感觉自己被拉入了一个充满活力的工作室，周围充满了新的可能性和未被发掘的潜力。
评分我必须承认，我对表演理论的接触一直比较浅薄，大多停留在“感受情绪”的层面。然而，这本书彻底拓宽了我的视野，它将表演提升到了一个更具思辨性的哲学高度。作者似乎更关心的是“存在本身”在舞台上的意义，而不是单纯地“扮演”一个角色。书中对“非线性叙事对演员心理建构的影响”的探讨，让我对现代戏剧产生了全新的敬畏感。我以前总觉得，现代剧那种碎片化的表达方式是导演故弄玄虚，但这本书让我明白，那其实是艺术家对当代社会感知模式的一种精准模仿。书中引用的案例极其丰富，涵盖了从古典主义到后现代的各种流派，而且每次引用都服务于一个核心论点，绝不卖弄学问。特别是关于“缺席美学”的那一章，我读得汗毛直竖，它讨论了舞台上“没有发生什么”比“发生了什么”更具有震撼力的可能性，这对于理解那种极简主义的表演风格起到了关键性的作用。这本书的阅读体验就像是在攀登一座知识的高峰，每登一步，眼前的风景就开阔一分，让你不得不停下来，喘口气，消化一下刚刚领悟到的深刻见解。
评分读完这部作品，我感觉自己像是经历了一场漫长而深入的自我对话。它对“真实性”的探究达到了令人不安的深度。作者并不盲目崇拜“本色出演”，反而认为“扮演”本身就是一种更高层次的真实构建。书中对于如何处理“内心独白”与“外在行动”之间的张力，提供了许多极其实用的工具箱，但这些工具并非僵硬的公式，而是灵活的思维框架。我印象最深的是关于“时间感”的论述，即一个优秀的表演者如何能够随意地拉伸或压缩舞台上的每一秒钟，让观众对事件的感知完全服从于角色的内在需求。这种对时间的驾驭能力，在我看来，才是区分平庸与卓越表演者的核心。这本书的排版和用词都透露着一种对细节的苛求，许多关键论点都会被精心设计地突出，迫使你停下来思考，而不是囫囵吞枣地翻页。它要求读者具备一定的专注力，但给予的回报是完全值得的。
评分这本书简直是为我这种对舞台艺术充满好奇心的人量身定做的！它没有直接告诉我“如何表演”，而是用一种极其细腻且富有启发性的方式，引导你去探索表演的本质。我最欣赏的是它对“准备”这个环节的深入剖析。作者似乎在用一种极其冷静的笔触，解构了我们通常认为的那些“灵光乍现”的瞬间，揭示了它们背后需要付出的海量心血和精密的计算。书中对文本分析的章节尤其精彩，它不是那种枯燥的文学批评，而是将剧本视为一个可以被拆解、重组、甚至“破坏”的有机体。我记得有一段描述了演员如何通过对舞台空间中不同光影的捕捉来构建人物的潜意识活动，这种观察角度彻底颠覆了我以往对“走位”的理解。它让我意识到，每一次呼吸、每一次眼神的停留，都不是随意的，而是对整个叙事结构负责任的贡献。读完这部分，我立刻跑到镜子前尝试那种“被光线定义”的感觉，那种身体与环境的互动性，真是令人着迷。这本书的语言本身也具有一种节奏感，仿佛作者在向你娓-语，又像是在进行一场高强度的智力对话，让人欲罢不能地想要跟上他的思路。
评分这本书带给我的冲击是全方位的，它重塑了我对“艺术创作”的理解。它超越了单纯的表演技法，触及了艺术家的道德责任和文化使命。作者在某些章节中对当下一些流行的表演趋势进行了温和却有力的批判，他提醒我们，技术上的炫技如果缺乏灵魂的支撑，最终只会沦为一场空洞的杂耍。我非常赞赏它将“排练室”的实践与宏大的“剧场历史”联系起来的方式。你能在字里行间感受到一种历史的厚重感，仿佛作者肩负着传承某种珍贵艺术精神的使命。书中对“失败”的看法尤其令人鼓舞——作者将排练中的错误视为信息采集的重要环节，而非需要掩盖的污点。这种积极接纳不完美的态度，极大地缓解了我对“完美呈现”的焦虑感。读完后，我不再仅仅期待看到一个“演得好”的表演，而是开始追问：这个表演试图与我建立什么样的关系，它想向我揭示关于人性的哪个秘密角落。这本书是思想的催化剂，让人蠢蠢欲动，想要立刻回到实践中去检验这些深刻的洞察。
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