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出版者:Facts on File

作者:Gowing, Sir Lawrence 编

出品人:

页数:1040

译者:

出版时间:2005-8

价格:$ 510.20

装帧:HRD

isbn号码:9780816057979

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 艺术百科全书
• 艺术参考
• 艺术
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 艺术流派
• 艺术理论
• 艺术风格

好的，这是一份关于一本名为《世界艺术史：从史前到当代》的图书简介，该书全面梳理了人类艺术发展的脉络，旨在为读者提供一个深入、系统的艺术鉴赏视角。 --- 《世界艺术史：从史前到当代》图书简介 一部跨越时空、洞察文明的艺术全景画卷 本书《世界艺术史：从史前到当代》并非仅仅是一本图像的堆砌，而是一部深刻解析艺术如何作为人类精神活动的载体，如何与社会、政治、宗教、哲学思潮紧密交织的学术著作。我们试图构建一座坚实的桥梁，连接起遥远过去的原始洞穴壁画与瞬息万变的当代装置艺术，让读者得以在宏大的时间跨度中，清晰地把握艺术演变的核心驱动力与审美范式。 全书结构严谨，以地域和时间为经纬，辅以专题深入探讨，确保了历史叙事的连贯性与专业分析的深度。 第一卷：文明的曙光与古典的奠基（史前至公元 500 年） 本卷聚焦于人类文明初期的艺术萌芽与古典世界的辉煌成就。我们从史前艺术的神秘符号——如拉斯科（Lascaux）和阿尔塔米拉（Altamira）洞穴壁画的动物崇拜与生命祈愿——开始，探讨早期人类如何通过形象塑造来理解并试图控制自然。 随后，视野转向古代近东文明（美索不达米亚、埃及）。这里，艺术不再仅仅是生存的记录，而成为王权、神权和永恒的象征。从苏美尔的三角印章到埃及法老的石棺，艺术的尺度和主题被神圣化和固定化。 古希腊艺术的章节是全书的基石之一。我们细致分析了从几何时期到希腊化时期的雕塑风格演变，重点阐述了“理想美”的哲学基础——米隆的《掷铁饼者》如何体现了理性与和谐的完美统一。紧接着，古罗马艺术则展示了如何将希腊的理想主义与自身的实用主义和帝国叙事相结合，尤其是在建筑（万神殿）和叙事性浮雕（图拉真纪功柱）方面的创新。 第二卷：信仰的时代与风格的交织（公元 500 年至 1400 年） 中世纪艺术是西方精神生活最为集中的体现。本卷首先深入拜占庭艺术的金色马赛克世界，探讨其对神圣光辉的视觉表达，以及圣像（Icons）在东正教信仰中的核心地位。 转向西欧，早期基督教和中世纪艺术的特点是象征性大于写实性。从卡洛林文艺复兴的短暂回光返照，到罗马式艺术中厚重、堡垒般的教堂结构和描绘末日审判的朴拙浮雕，我们看到的是对来世的强烈关注。 哥特式艺术的出现标志着技术和审美的重大飞跃。本书详细分析了飞扶壁（Flying Buttress）如何解放了墙体空间，使教堂得以被彩色玻璃完全包围，创造出“天堂之光”。从沙特尔大教堂的玫瑰窗到尼古拉斯·维尔尼克的杰作，哥特艺术是垂直向上、追求光明的视觉神学。 同时，本卷也兼顾伊斯兰艺术的辉煌，探究其独特的几何装饰、书法艺术以及对无定形图案的精湛运用，展示了跨文化交流的复杂性。 第三卷：人性的觉醒与视觉的革命（文艺复兴至巴洛克，约 1400 年至 1750 年） 文艺复兴是西方艺术史上的决定性转折点。本书将早期文艺复兴的焦点置于佛罗伦萨，分析透视法的发明（布鲁内莱斯基）和对古典人体的重新发现如何将艺术家的地位从工匠提升为知识分子。我们深入剖析了达·芬奇的科学观察、米开朗基罗对人体的激情颂扬，以及拉斐尔的宁静和谐。 北方文艺复兴则展现了不同的关注点，特别是对日常细节的精确描摹和油画媒介的革新，以扬·凡·艾克的《根特祭坛画》为代表。 巴洛克艺术是对文艺复兴和谐的有力回应。它充满了戏剧性、情感张力和运动感。卡拉瓦乔的“明暗对比法”（Tenebrism）如何制造出瞬间的震撼；贝尼尼的雕塑如何捕捉到永恒中的瞬间动态；以及鲁本斯奔放的色彩和力量感，共同构建了一个与观众进行直接情感交流的艺术世界。在荷兰，我们考察了伦勃朗和维米尔如何将巴洛克的张力融入到对市民生活和光影的精妙捕捉中。 第四卷：理性、革命与现代性的开端（新古典主义至印象派，约 1750 年至 1900 年） 启蒙运动和法国大革命重塑了欧洲的政治和审美趣味。新古典主义以其对古希腊罗马道德和清晰线条的推崇，成为革命精神的视觉语言（如大卫的作品）。 但这种冷静很快被浪漫主义所颠覆。浪漫主义强调情感、想象力、异域风情和对宏大自然的敬畏（如戈雅、德拉克洛瓦）。 19 世纪中叶的艺术进入了深刻的社会反思期。现实主义（库尔贝）拒绝了学院派的理想化，直面劳动阶层和日常生活的真实。前拉斐尔派则试图回归文艺复兴初期的纯真。 印象派的出现是摄影技术和科学对色彩理论理解的直接结果。莫奈、雷诺阿等人走出画室，捕捉光线和瞬间的视觉印象，彻底颠覆了传统绘画的构图法则。后印象派（塞尚、梵高、高更）则在印象派的基础上，开始探索结构、情感表达和象征意义，为 20 世纪的艺术爆发积蓄了决定性的能量。 第五卷：破碎与重构：20 世纪至今的艺术探索 本卷是关于“反叛”与“观念”的编年史。20 世纪初，艺术领域爆发了前所未有的探索。野兽派的纯粹色彩、立体主义对多视角的几何解构、以及表现主义对内心痛苦的呐喊，标志着艺术彻底脱离了再现的责任。 第一次世界大战催生了达达主义的荒谬和反逻辑，进而演化出对潜意识探索的超现实主义（达利、马格里特）。 二战后，艺术的中心转移至纽约。抽象表现主义（波洛克、罗斯科）将画布变为行动和精神体验的场所。随后，对抽象的抵抗催生了波普艺术（安迪·沃霍尔），它拥抱大众文化和消费符号，模糊了“高雅”与“低俗”的界限。 极简主义则将艺术简化到最纯粹的形体和材料本身，而观念艺术则宣告“观念先于作品”，艺术的本质不再是物体，而是思想。 最后，本书将目光投向当代。通过对大地艺术、行为艺术、录像艺术以及全球化背景下的多元艺术实践的梳理，我们探讨了在信息爆炸的时代，艺术如何继续扮演批判者、记录者和预言家的角色，不断拓展我们对“什么是艺术”的理解边界。 《世界艺术史：从史前到当代》力求以平衡的视角，将西方艺术史作为主线，同时穿插介绍亚洲（如中国水墨的文人画传统、日本的浮世绘）、美洲前哥伦布时期的文明艺术等重要篇章，提供一个真正意义上的全球艺术视野。本书是艺术爱好者、学生、教育工作者和所有渴望通过视觉文化深入理解人类历史的读者的必备参考书。

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这本书的检索系统设计得非常直观和高效，对于需要快速定位特定信息的研究者来说，简直是福音。我测试过好几次，无论是通过索引查找一位相对冷门的北欧象征主义画家，还是通过术语表查找“晕涂法”的具体技法解释，都能在几秒钟内精准定位。这一点在实体参考书中尤为重要，避免了在海量信息中迷失的挫败感。此外，它的跨引用链接做得非常巧妙，当你阅读到一个相关艺术家的条目时，下方会清晰地标示出与之相关的“艺术运动”、“风格影响”或“主要赞助家族”的跳转提示。这种编排方式极大地提升了学习的效率和乐趣，你感觉自己不是在被动地阅读一个封闭的文本，而是在一个庞大的知识网络中自由穿梭，每一次点击都可能导向一个全新的、同样精彩的发现。这种互动性，在静态的印刷品中实现得非常出色，体现了编纂团队对用户体验的深度考量。

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这部百科全书的装帧和印刷质量简直无可挑剔，纸张厚实，色彩还原度极高，即便是对艺术史不太了解的普通读者，光是翻阅这些精美的图片都会觉得是一种享受。我尤其欣赏它在版式设计上的用心，不是那种密密麻麻的教科书式排版，而是留出了充足的留白，让每一幅作品的图片都能“呼吸”。我记得有一次我在查阅巴洛克时期雕塑家的资料时，书中收录的卡拉瓦乔作品的细节放大图，那种光影的层次感，即便是屏幕上也很难捕捉到，实物印刷出来那种油画的肌理感扑面而来，让我对这位艺术家的绘画技巧有了全新的认识。当然，内容深度也是一流的，它不仅仅是简单罗列艺术家和作品名称，更重要的是对艺术流派的演变脉络梳理得极其清晰。例如，它对印象派从古典学院派中的挣扎与突破，用跨页对比图和详尽的文字注解相结合的方式进行了阐述，逻辑严谨，引人入胜。对于任何想要系统性构建艺术知识体系的人来说，这套书无疑是一个绝佳的起点，它提供的视觉盛宴是任何在线资源都无法替代的深度和质感。

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我最欣赏的，是这部作品所展现出的学术上的严谨与谦逊并存的态度。在介绍那些存在争议或尚无定论的艺术起源问题时，编纂者很少使用绝对化的语言，而是倾向于呈现不同学派或学者的主流观点，并指出其论据的强弱。例如，在讨论古希腊雕塑中“失落的色彩”时，它并没有武断地下结论，而是呈现了基于化学分析和文献考据的不同假说，让读者自己去权衡。这种求真务实的科学精神，让我在参考这本书时感到无比信赖。它就像一个沉稳的学者，不急于下判断，而是耐心为你铺陈事实的基石。这种对知识边界的清晰界定，对于一个严肃的学习者来说，比任何过于自信的断言都要宝贵得多。它教会我的不仅仅是艺术史的知识，更是一种面对复杂历史现象时应有的审慎态度。

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作为一名对现当代艺术情有独钟的爱好者，我最关注的是书籍对后印象派及其之后各个流派的覆盖广度和准确性。通常很多老牌的艺术史著作在提到抽象表现主义或波普艺术时，内容就会变得非常简略，像是匆匆带过。但令人惊喜的是，这部百科全书在处理20世纪的艺术变革时，展现出了惊人的细致。它不仅详细列举了关键人物和代表作，更重要的是，它清晰地勾勒出了不同艺术思潮之间错综复杂的继承与反叛关系。比如，它对马塞尔·杜尚的“现成品”概念的解读，非常到位地指出了其对传统艺术定义的颠覆性意义，并追溯了这种观念如何渗透到后来的概念艺术中去。而且，它在收录艺术家时，也明显注意到了地域的平衡性，没有将目光仅仅局限于欧美主流艺术圈，对亚洲和拉丁美洲一些重要的现代艺术运动也有所提及，这极大地拓宽了我的视野，让我意识到艺术的全球性发展远比我原先想象的要丰富和多元。

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坦白说，我最初对这本“百科全书”抱有一种怀疑态度，总觉得这类工具书难免流于表面，充斥着冰冷的数据和罐头式的解释。然而，深入阅读后，我发现我对它的偏见被彻底打破了。它的叙事方式非常人性化，与其说它是一本参考书，不如说它是一位博学的朋友在向你娓娓道来艺术的千年故事。比如，在探讨文艺复兴盛期的画家群体时，它没有使用晦涩的术语来划分圈子，而是通过描述不同城市（佛罗伦萨、威尼斯）的社会经济环境如何影响了艺术家的创作视角和题材选择，让整个历史背景立体了起来。我特别喜欢它对“艺术赞助人”角色的分析，这部分内容揭示了艺术作品诞生的幕后推手，让读者明白艺术史并非孤立的创作过程，而是与权力、财富和信仰紧密交织的复杂系统。这种深层次的文化洞察，让我在阅读过程中不止一次停下来思考，这种需要主动探究的阅读体验，正是优秀非虚构作品的魅力所在，它引导你去“理解”而非仅仅是“记住”。

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