具体描述
上世纪六七十年代，是纽约大都会艺术博物馆建立收藏的黄金时期，时任大都会艺术博物馆亚洲部特别顾问的方闻是这项事业的重要的领军人物，他说服王季迁，将自己收藏的二十五件佳作捐赠给了大都会艺术博物馆，这批旧藏，填补了纽约大都会艺术博物馆东亚艺术收藏的重要空缺。同样，这二十五件作品也被业内公认为是中国绘画史上的核心部分，方闻在同事何慕文及学生王妙莲的协助下，对这二十五件作品进行了深入的研究，并于1973年10月，为这批新入藏品举办了展览。这本图录介绍，是对王季迁绘画收藏学术性出版的第一步，是绘画史研究的不可缺少的重要参考文献。
作者简介
方闻，1930年生于上海，海内外著名的中国艺术史、中国文化史学者。先后担任普林斯顿大学教授、讲座教授、艺术考古系主任、普林斯顿大学艺术博物馆主席(主任)、纽约大都会艺术博物馆亚洲部主任等职务。1959年在普林斯顿大学创建了美国历史上第一个中国艺术考古博士研究培养项目，为美国20世纪中国艺术史学科的发展打开了全新的局面；1971-2000年，方闻在大都会艺术博物馆，构建了西方品质最精、品种最全、数量最多的中国艺术品百科全书式收藏，影响深远。著有《夏山图：永恒的山水》、《心印》、《超越再现：8-14世纪的中国绘画与书法》、《中国书法：理论与历史》、《两种文化之间》和《艺术即历史》等专著。
目录信息
1973年：“检验中国艺术史上一个重要的转折点”
前言
北宋山水画
宋高宗与历史绘画
南宋绘画
赵孟頫的变革
元末隐逸画家
梅竹图
图版目录
译后记
· · · · · · (收起)
读后感
周末适合读点带图的书。这本小书（真的是小书，170页）可谓良心之作，里面竟然全部是有版权的大都会藏宋元绘画的大图和局部。最近出自己的书，才知道出版社有钱买博物馆版权印大彩图才是真正的“豪”。 方闻先生的观点和方法其实大家并不陌生。他的基本框架是认为宋元有一变：...
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用户评价
这本《宋元绘画》真是让我大开眼界，我原本以为自己对中国画已经有了相当的了解，但读了这本书之后，才发现自己只是 scratching the surface。书中的宋代绘画部分，尤其让我着迷的是对山水画的阐述。作者并没有仅仅罗列名家名作，而是深入剖析了宋代山水画之所以能达到如此高度的时代背景和哲学思想。比如，书中详细介绍了宋代文人士大夫阶层的崛起，他们不仅是政治家、文学家，更是艺术的鉴赏者和创造者。这种身份的转变，使得绘画不再仅仅是宫廷御用的装饰品，而成为了一种抒发个人情怀、寄托理想的重要载体。书中对范宽《溪山行旅图》的解读，我简直是看了又看。作者不仅仅描述了画面上层层叠叠的山峦、磅礴的气势，更重要的是，他联系了当时北宋的边疆局势和士大夫对国家统一的渴望，将画面中的雄浑壮阔解读为一种民族精神的象征。他还提到，宋代绘画中对“意境”的追求，这是中国画区别于西方绘画的关键。书中的例子非常生动，比如马远的《寒江独钓图》，画面虽然留白众多，但寥寥几笔勾勒出的孤舟、人物和远处的渺渺烟波，却营造出一种空灵、孤寂又充满诗意的意境。这种“言有尽而意无穷”的美学，在宋元时期得到了极致的发挥，而这本书恰恰将这种“无形”的美学，通过细腻的文字和深入浅出的讲解，变得“有形”起来，让我对宋画的理解上升到了一个新的维度。我特别喜欢书中对李唐《万壑松风图》的分析，作者将其中的松树形容为“怒张的生命力”，并将这种生命力与乱世中隐士的坚韧不拔联系起来，这种解读角度非常新颖，让我对这幅画有了更深层次的认识。总而言之，这本书不仅仅是一本画册，更是一次思想的旅行，一次与古人艺术精神的深度对话。
《宋元绘画》这本书的叙事方式和语言风格，让我觉得仿佛是一位经验丰富的艺术史学家坐在我身边，娓娓道来，而不是枯燥的学术论文。书中有几个篇章，专门讨论了宋元时期绘画在技法上的革新和发展，这一点对我来说尤为重要，因为我一直对“如何画”和“为何这样画”感到好奇。书中对宋代院体画的解析，让我看到了宫廷画师在严谨的写实基础上的精致描绘。例如，对宋徽宗时期花鸟画的细致描绘，作者不仅介绍了笔法的细腻，更深入地探讨了其背后对自然观察的极致追求。书中提到，宋代画家极其重视“科学性”，他们会仔细研究动植物的形态，甚至会解剖研究，这种严谨的态度，使得他们的作品具有了科学价值和写实的力量。书中对《瑞鹤图》的介绍，让我看到了帝王对艺术的追求，以及画师如何将吉祥的寓意融入到精美的画面中。而到了元代，技法的运用则更加自由和写意。作者在介绍王蒙的《溪山高逸图》时，用了“密不透风，疏可走马”来形容其构图，这句话真是让我印象深刻。他详细阐述了王蒙如何运用“解索皴”等独特皴法，将层层叠叠的山峦表现得既厚重又有灵动感。书中还提到了元代画家对水墨的运用达到了一个新的高度，他们不再仅仅追求色彩的丰富，而是通过水墨的浓淡干湿来表现物象的韵味和精神。我尤其喜欢书中对倪瓒《六君子图》的解读，作者将画面中那稀疏的几棵树，解读为倪瓒孤高不群的品格，这种“画如其人”的解读方式，让我对倪瓒的艺术世界有了更深的理解。这本书在技法层面的讲解，真正做到了深入浅出，让我这个非专业读者也能看得懂，并从中获得启迪。
《宋元绘画》这本书的知识密度非常高，但作者却能将复杂的艺术史和绘画理论讲解得如此清晰易懂，这让我非常佩服。我尤其对书中关于宋元时期绘画在表现手法上的创新和突破的讨论印象深刻。宋代绘画，特别是宋徽宗时期，在借鉴唐代绘画的基础上，发展出了更加细腻、写实的风格。书中对宋代花鸟画中“勾勒填彩”技法的分析，让我看到了画家如何通过精细的线条和丰富的色彩来表现花鸟的逼真形态。我还喜欢书中对宋代山水画中“皴法”的讲解，比如董源、巨然的“披麻皴”，作者用非常生动的语言描述了这种皴法的特点，以及它如何表现山峦的柔和与连绵。而到了元代，绘画的表现手法则更加注重写意和笔墨的运用。书中对元代画家“写意山水”的阐述，让我看到了他们是如何打破传统的束缚，追求更加自由和个性的艺术表达。黄公望的“淡墨山水”，书中进行了详细的剖析，让我看到了水墨的虚实、浓淡是如何营造出一种清雅脱俗的意境。我还特别喜欢书中对元代书法家、画家赵孟頫的介绍，作者强调了赵孟頫在绘画中融入书法笔意，使得他的作品既有绘画的形，又有书法的神。这本书在表现手法上的讲解，让我看到了宋元时期画家们是如何不断探索和创新的，也让我对中国画的表现力有了更深的认识。
读完《宋元绘画》这本书，我最大的感受是，艺术并不仅仅是美的呈现，更是那个时代社会、文化、思想的镜子。书中有好几个章节，深入探讨了宋元时期绘画的社会功能和时代意义，这一点是我在其他同类书籍中很少看到的。作者在描述宋代绘画时，反复强调了“士大夫精神”对绘画的影响。他指出，宋代是中国历史上一个文化繁荣、思想活跃的时期，文人士大夫阶层不仅在政治上扮演重要角色，在文化艺术领域也发挥着主导作用。他们追求的是一种“外师造化，中得心源”的艺术境界，既要深入观察自然，也要将内心的情感和思想融入其中。书中对宋代山水画中“三远法”（高远、深远、平远）的详细阐述，不仅仅是技法上的介绍，更是对画家如何表现胸中丘壑、营造意境的一种探索。作者还将这种对意境的追求，与宋代哲学思想中的“天人合一”理念联系起来，让我恍然大悟。而到了元代，书中的论述则更加侧重于绘画的“文人化”倾向。作者分析了元代画家如何在政治压抑下，将艺术作为一种精神上的慰藉和自我表达的方式。比如，他对元代“四大家”（黄公望、吴镇、王蒙、倪瓒）的介绍，不仅列举了他们的代表作，更重要的是，深入挖掘了他们的人生经历和艺术理念。书中关于倪瓒“孤高自许，遗世独立”的描绘，让我对他的画作有了更深的感悟。我尤其喜欢作者对元代花鸟画的解读，他认为元代花鸟画更加注重“写意”，强调表现对象的生命力和内在精神，而不是仅仅追求形似。例如，对赵孟頫的《竹石图》的分析，作者认为其笔墨的粗犷与细腻并存，既有书法的韵味，又不失绘画的生动。这本书让我看到，艺术是与时代紧密相连的，每一笔每一画都蕴含着那个时代的烙印。
《宋元绘画》这本书给了我一个全新的角度来审视中国古代艺术，我之前总觉得宋元绘画就是“古老”和“遥远”，但这本书让我看到了它们与我们的现代生活和情感的连接。书中关于宋元时期绘画的传播和接受史的章节，让我看到了艺术是如何在社会中流传和被不同阶层的人所欣赏的。作者在介绍宋代绘画时，强调了当时社会经济的发展为艺术的繁荣提供了物质基础。例如，对宋代海上丝绸之路的提及，让我看到了中国绘画是如何传播到海外，并对其他国家产生影响的。书中还讨论了宋代士大夫阶层对绘画的推崇，以及他们如何通过收藏、品评来影响当时的绘画潮流。而到了元代，虽然政治格局发生了变化，但绘画的传播和接受依然活跃。书中提到，元代的统治者也对汉族文化艺术有所推崇，这为绘画的进一步发展提供了空间。作者还分析了当时民间艺术的兴盛，虽然史料相对较少，但他通过对一些作品的推测，让我们看到了艺术并非仅仅是文人和宫廷的专属。我特别喜欢书中关于《千里江山图》的讨论，虽然这幅画是北宋的作品，但书中将其与元代的艺术传播联系起来，让我看到了艺术的生命力是如何跨越时代传承的。这本书让我意识到，艺术的价值不仅仅在于其本身的美，还在于它如何在社会中流动，如何被人们理解和接受。
《宋元绘画》这本书的魅力在于，它能够将历史的厚重感与艺术的灵动感完美结合，让我在阅读中感受到一种穿越时空的美妙体验。我尤其对书中关于宋元时期绘画的色彩运用和笔墨表现的深入探讨感到着迷。宋代绘画，尤其是院体画，在色彩运用上非常讲究。书中对宋代宫廷画师如何运用细腻的色彩来表现花鸟的质感和光泽进行了详细的描述。例如，对宋代仕女画中服饰色彩的分析，作者指出其色彩的搭配不仅追求视觉上的美感，更蕴含着丰富的象征意义。书中还提到了宋代画家对“没骨画”的创新，即不勾勒轮廓，直接用色彩来塑造物象，这种技法在我看来具有极高的难度和艺术表现力。而到了元代，笔墨的表现力得到了前所未有的重视。书中对元代文人画中水墨的运用进行了详尽的剖析。作者认为，元代画家不再拘泥于五彩斑斓的色彩，而是通过水墨的浓淡干湿、虚实相生来表现物象的内在精神和意境。黄公望在《富春山居图》中对墨法的运用，书中进行了细致的解读，让我看到了同一块石头，可以用不同的墨法来表现其不同的质感和韵味。我尤其喜欢书中对吴镇的作品的描述，作者形容其笔墨“苍劲”、“老辣”，仿佛能感受到一种力量从纸面上扑面而来。这本书在色彩和笔墨的讲解上，做得非常细致，让我这个对绘画技法了解不多的读者，也能体会到其中的妙处，并对其产生浓厚的兴趣。
《宋元绘画》这本书的编排结构非常用心，让我感觉作者并不是随意地堆砌知识，而是有条理地引导读者进入一个全新的认知领域。我尤其对书中关于宋元时期绘画题材多样化的讨论印象深刻。我之前一直以为宋元绘画主要集中在山水和花鸟，但这本书为我打开了一个全新的视角。书中详细介绍了宋代人物画的发展，特别是其在世俗生活和历史故事描绘上的成就。作者对宋代风俗画的解读，比如对《清明上河图》的分析，不仅仅是描述了画面的繁华景象，更重要的是，他深入探讨了这幅画所反映的宋代社会经济的繁荣、城市生活的丰富以及市民阶层的兴起。书中对画中人物的神态、服饰、活动等细节的描绘，都充满了人文关怀，让我仿佛置身于那个繁华的北宋都城。此外，书中还提到了宋代宗教绘画的兴盛，虽然我不是这方面的专家，但作者的讲解依然让我对当时佛教、道教艺术的发展有了初步的了解。而元代，虽然文人画是主流，但书中也提到了不少其他类型的绘画，比如对蒙古族统治者及其宫廷艺术的介绍，虽然篇幅不长，但让我看到了不同文化融合的痕迹。作者在介绍元代山水画时，也特别强调了其题材的广泛性，不再局限于写实的山水，而是加入了更多文人的想象和情感。我特别喜欢书中对元代马匹画的介绍，虽然这不是我最关注的题材，但作者用生动的语言描述了元代画家如何捕捉马匹奔腾时的动态和神韵，让我对这种题材的绘画有了新的认识。这本书的优点在于，它能够将宏观的艺术史发展与具体的绘画作品联系起来，让读者在欣赏画作的同时，也能了解到背后的文化和社会背景。
《宋元绘画》这本书的语言风格非常吸引人，它不像很多学术著作那样晦涩难懂，而是用一种非常生动、形象的语言来讲述那些古老的画作和故事，让我感觉仿佛置身于那个艺术大师辈出的年代。书中对宋元时期绘画中的“意象”的解读，对我触动很大。我过去总以为绘画就是画出“看得见”的东西，但这本书让我看到了画家是如何通过笔墨来表达“看不见”的情感和哲思。书中对宋代山水画中“墨分五色”的论述，让我明白了中国画的妙处在于其“写意”，在于用有限的笔墨来表现无限的意境。作者举例分析了郭熙的《早春图》，他用生动的语言描述了画面中云烟雾霭的变化，以及树木的姿态，并将这些元素与中国古代哲学中的“道”联系起来，让我对“写意”有了更深的理解。而到了元代，“意象”的表达则更加个人化和主观化。书中对王蒙的《九龙图》的解读，让我看到了画家如何将个人的想象和神话传说融入到山水画中，创造出一种奇幻而又真实的意境。我还喜欢书中对元代花鸟画中“精神”的强调，作者认为，元代画家不仅仅是在画鸟和花，更是在画出它们生命力的瞬间，画出它们的情感，画出它们在自然中的状态。这本书让我看到了，中国画的精髓在于“言外之意”，在于通过画面来引发读者的联想和思考，达到一种“心领神会”的境界。
读完《宋元绘画》，我感觉自己对中国古代绘画的理解，从“看到”提升到了“读懂”。书中关于宋元时期绘画批评和理论的章节，对我启发尤为深刻。我过去对绘画批评的概念比较模糊，总是觉得是文人之间的相互吹捧，但这本书让我看到了绘画批评在推动艺术发展中的重要作用。作者在介绍宋代绘画批评时，提到了很多当时著名的画家和理论家，比如郭若虚的《图画见闻志》。书中详细阐述了《图画见闻志》中提出的“六法”（气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写），并结合具体的画作进行分析，让我明白了这些理论是如何指导当时的绘画创作的。书中对“气韵生动”的解读，让我明白了中国画的灵魂所在，不仅仅是形似，更重要的是要有生命力和精神。而到了元代，作者介绍了黄公望、倪瓒等画家在艺术理论上的贡献。我特别喜欢书中对黄公望《写山水诀》的分析，作者将其视为一本“艺术圣经”，详细解读了其中关于构图、笔墨、意境的论述。书中提到，黄公望强调“师心自用”，鼓励画家在遵循传统的同时，也要有自己的创新和思考，这一点对我很有启发。他还提到了元代画家对“诗、书、画”三绝的追求，让我看到了当时文人画家是如何将多种艺术形式融为一体，达到更高的艺术境界。这本书不仅仅是介绍画作，更重要的是，它让我们看到了艺术家们是如何思考、如何创作、如何评价艺术的，这对于我理解艺术的本质非常有帮助。
接着翻阅《宋元绘画》这本书，我发现元代绘画部分同样精彩绝伦，甚至带给我一些意想不到的惊喜。我一直以为元代作为蒙古族建立的王朝，其绘画风格会与汉族传统有所断裂，但这本书彻底颠覆了我的认知。作者在论述元代绘画时，特别强调了“文人画”在这一时期的进一步发展和成熟。他指出，尽管元代统治者对汉族文化并非完全排斥，但很多汉族文人在政治上受到压抑，便将更多的精力投入到艺术创作中，从而使得元代文人画呈现出更加个性化、更具抒情性的特点。黄公望的《富春山居图》在我心中的地位一直很高，但看了这本书的解读后，我更是对其肃然起敬。作者详细描述了黄公望在创作这幅画时的心境，以及他如何在游历中不断完善，最终将其打造成一件“胸中丘壑”的杰作。书中不惜篇幅地分析了《富春山居图》的笔墨技法，例如其皴法上的变化，以及如何通过墨色的浓淡干湿来表现山峦的层次感和质感。更重要的是，作者将这幅画与当时文人的隐逸情怀紧密结合，认为这是黄公望在乱世中寻求精神寄托的体现。此外，书中还着重介绍了赵孟頫的贡献。我过去对赵孟頫的印象仅仅是“复古”，但这本书让我看到了他“创新”的一面。作者分析了赵孟頫如何在继承唐宋绘画传统的基础上，融入自己的时代感和个人风格，尤其是他在行楷书方面的成就，对绘画的笔墨运用产生了深远影响。书中对赵孟頫《幽篁秀石图》的分析，让我看到了元代画家如何将诗、书、画融为一体，那种高逸脱俗的意境，着实令人神往。这本书没有回避历史的复杂性，而是将其融入对艺术的解读中，让我觉得非常真实和有启发性。
轻轻松松就将大都会的这些作品串讲起来，很好读，图片赞
没几篇文章，而且貌似都读过，这不是骗钱么。
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论文集，内容没有展开，点到即止
里面的图个个都是精品
