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出版者:Routledge

作者:Benjamin Nagari

出品人:

页数:178

译者:

出版时间:2015-7-8

价格:USD 160.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9781138853256

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• 音乐学
• 艺术史
• 听觉文化
• 媒介理论
• 符号学
• 音乐认知
• 跨学科研究

《声之绘卷：感知、联想与音乐的视觉想象》 音乐，作为一种抽象的艺术形式，其魅力在于能够穿越听觉的界限，在听者心中激起涟漪，勾勒出千姿百态的画面。它并非物质的具象，却能让情感得到抒发，让思绪得以翱翔。而“声之绘卷：感知、联想与音乐的视觉想象”这本书，正是致力于探索音乐与视觉之间那层神秘而又深刻的联系。它并非简单罗列音乐作品及其对应的绘画、摄影或电影，而是深入剖析音乐本身所蕴含的“视觉性”，以及听者在聆听过程中，大脑如何如同画家一般，将无形的音符转化为有形的色彩、线条与光影。 本书从多个维度，系统地梳理了音乐触发视觉想象的内在机制。首先，我们将从听觉感知的神经科学基础入手，探讨声音信号是如何在大脑中被处理，并与视觉皮层产生关联的。这包括对声音的音高、节奏、音色、力度等基本元素的分析，它们各自如何唤起不同的视觉联想，例如，高亢明亮的音符是否更易让人联想到耀眼的阳光或锐利的线条，而低沉舒缓的节奏又如何勾勒出宽广的空间或柔和的色彩。我们将引用心理学和认知科学的研究成果，解释共感觉（synesthesia）现象在音乐中的体现，以及非共感觉者如何通过后天学习和文化熏陶，培养出对音乐的丰富视觉想象能力。 接着，本书将深入挖掘音乐语言的“视觉化”元素。我们将分析不同音乐风格、体裁和时期，是如何通过其独特的音乐语汇，形成各自的“视觉风格”。例如，巴洛克时期的宏伟复调是否如同宫廷的繁复雕饰，而印象派音乐的朦胧音响又是否与莫奈笔下的光影变幻有着异曲同工之妙？我们还将探讨旋律的起伏、和声的色彩、节奏的律动、配器的质感，如何共同构建出一幅幅生动的“声景”。例如，一段激昂的管弦乐，其强烈的力度和密集的音符，是否能让人联想到一场波澜壮阔的史诗场景，甚至是一幅色彩浓烈的油画？一段轻柔的钢琴曲，其细腻的琶音和微妙的动态变化，又能否描绘出清晨露珠晶莹剔透的画面，或是在静谧的月光下独自漫步的意境？ 本书的另一核心内容，将聚焦于音乐与视觉艺术之间的历史渊源与跨界对话。我们将回顾从古代壁画、雕塑对音乐场景的描绘，到文艺复兴时期歌剧与舞台美术的结合，再到近现代电影配乐与视觉画面的协同创作，梳理音乐与绘画、雕塑、建筑、戏剧、电影等视觉艺术门类之间，相互启发、相互促进的丰富实践。我们将分析诸如“以乐写景”、“移情入乐”等艺术手法，探讨艺术家们如何巧妙地运用音乐元素来增强视觉作品的感染力，以及视觉艺术家们又如何从音乐中汲取灵感，将其转化为独特的视觉语言。例如，德彪西的《海》是否唤起了无数画家对海洋的描绘？电影《2001太空漫游》中的经典配乐，又是如何与片中浩瀚的宇宙景象浑然天成？ 本书还将特别关注当代语境下的音乐与视觉的融合。随着多媒体技术的发展，音乐的视觉呈现方式日益多元化，从早期音乐电视的出现，到如今虚拟现实（VR）、增强现实（AR）技术在音乐现场和音乐视频中的应用，音乐的视觉想象被赋予了更广阔的舞台。我们将探讨音乐节现场的灯光设计、舞台视觉效果，以及音乐人在视觉形象塑造上的巧思，分析这些元素如何与音乐本身相互呼应，共同营造出沉浸式的艺术体验。同时，本书也会关注独立音乐人、实验艺术家们如何利用前沿科技，打破传统视听界限，创造出全新的音乐-视觉互动艺术形式。 除了理论分析和案例研究，本书更注重引导读者主动参与到“听”与“看”的互动过程中。我们将提供一系列的引导性练习，例如，让读者在聆听特定乐曲时，尝试用文字、绘画或拼贴等方式，记录下自己脑海中浮现的画面。我们还将鼓励读者对不同的音乐作品进行主观的视觉化解读，并分享不同解读之间的差异与共性。本书相信，每个人的音乐视觉想象都是独一无二的，而这种个人化的体验，正是音乐艺术的魅力所在。 “声之绘卷：感知、联想与音乐的视觉想象”不仅是一本关于音乐艺术的理论读物，更是一本激发读者想象力、提升审美体验的实践指南。它试图揭示音乐隐藏的视觉力量，帮助读者更深入地理解音乐的本质，以及音乐如何丰富我们的内心世界。通过本书，我们希望读者能够重新审视自己的聆听习惯，发现音乐中那些被忽略的色彩、线条与光影，让每一次聆听，都成为一次充满惊喜与创造的视觉之旅。 本书的行文风格将力求通俗易懂，避免过于专业的术语，即使是没有音乐专业背景的读者，也能轻松阅读。我们会穿插引用经典音乐作品、绘画、电影片段的赏析，让读者在理解理论的同时，也能感受到艺术的魅力。我们相信，音乐的视觉想象并非遥不可及，它存在于我们每个人的心中，只是需要被唤醒、被引导。 本书的结构将遵循由宏观到微观，由理论到实践的逻辑。首先，我们会建立一个宏观的框架，阐述音乐与视觉想象的普遍联系。接着，我们会深入到音乐的各个构成要素，分析它们各自的视觉潜能。然后，我们将回顾历史，展现音乐与视觉艺术的跨界合作。最后，我们将着眼于当下和未来，探讨科技如何赋能音乐的视觉化，并提供具体的实践方法，鼓励读者进行自我探索。 本书并非宣称音乐就是绘画，或视觉艺术就是音乐，而是强调它们之间存在着一种深刻的、可以相互转化的“共振”关系。音乐可以启发视觉，视觉也可以映照音乐。这种共振，构成了我们感知世界、理解情感的独特方式。 《声之绘卷：感知、联想与音乐的视觉想象》旨在为热爱音乐、艺术的读者提供一个全新的视角，去探索音乐的无限可能。它将带领读者穿越听觉的帷幕，步入一个由音符编织而成的斑斓世界，在那里，每一段旋律都是一幅画，每一次聆听都是一次观展。本书希望成为连接音乐与视觉想象的桥梁，让更多人能够体会到音乐所带来的视觉盛宴，让艺术的感知更加立体、丰盈。 本书的价值在于，它能够提升读者的艺术鉴赏能力，培养更敏锐的感知力，以及更丰富的想象力。在快节奏的现代生活中，音乐提供了一种逃离，而视觉想象则为这种逃离增添了色彩与深度。本书希望帮助读者在音乐中找到属于自己的“风景”，在每一次聆听中，都能创造出独属于自己的“声之绘卷”。

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我是在一个学术研讨会后被推荐这本书的，当时我对“图像”与“声音”互涉的领域感到有些迷茫，感觉这个方向的概念太多，容易流于空泛。阅读《Music as Image》的过程，像是在经历一场高强度的思维体操训练。作者对理论基础的把握极为扎实，从现象学美学到符号学分析，每一个理论工具的使用都精准到位，毫不拖泥带水。尤其值得称赞的是，作者成功地驾驭了不同载体之间的转化问题——从巴洛克时期的联觉理论，到二十世纪后半叶录像艺术中音乐与影像的并置策略，其逻辑链条清晰得令人佩服。这本书的深度在于，它不仅描述了“是什么”，更深入探讨了“为什么会这样”以及“如何影响我们的认知结构”。例如，书中对于“视听同步”的非线性分析，挑战了传统的因果判断模式，提出了许多发人深省的观点。读完这本书，我感觉自己的分析工具箱得到了极大的扩充，看待艺术作品的维度变得更加立体和多维。对于那些希望深入研究媒体理论、跨学科艺术史或者声音设计领域的专业人士来说，这本书无疑是一部不可多得的奠基性著作，它提供了坚实的理论框架，引导研究者进行更具批判性的探索。

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这本《Music as Image》的书籍，坦白说，我拿起它时是带着极大的好奇与一丝丝的怀疑的。我原本以为它会是一本严肃的音乐学著作，专注于乐谱分析或者某个特定流派的兴衰史，毕竟“Music”这个词汇本身就带有学术的厚重感。然而，当我翻开第一章时，立刻意识到我被引导进入了一个完全意想不到的领域。作者的笔触极其细腻，仿佛一位老练的策展人，带领读者穿越不同的历史时期和文化语境，去审视“声音如何被视觉化，以及视觉如何被听觉化”的这一核心命题。书中大量的案例分析，从早期电影的默片配乐如何与画面同步构建情感张力，到后现代艺术中声音装置如何挑战传统的听觉中心主义，都让人耳目一新。特别是关于早期电子音乐实验中，作曲家们如何试图用图形符号来记录和指导声音的演变，这部分内容，简直是为我打开了一扇通往声音设计全新世界的大门。它不是在教你如何听音乐，而是在教你如何“看”音乐，如何用视觉的框架去解构听觉经验的复杂性。这本书的论证结构非常巧妙，每一点论述都紧紧围绕着“形象”与“音乐”之间的相互作用，避免了陷入任何一门学科的窠臼，真正做到了跨学科的融合与对话。阅读体验是沉浸式的，它迫使你重新审视那些你习以为常的听觉习惯，让人不禁反思，我们过去听到的音乐，究竟有多少成分是我们的大脑主动“构建”出来的视觉或感知图景。

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我向来对那种自诩能解释一切的“大理论”持保留态度，所以当我开始阅读《Music as Image》时，保持着一份警惕。然而，这本书的魅力在于它的“克制”与“广博”达到了一个奇妙的平衡。作者似乎深谙“少即是多”的道理，在关键的哲学论断上，总能用最精炼的语言点出问题的核心，然后立即转向更广阔的文化案例来支撑论点。书中对于“静默”在音乐形象构建中的作用的讨论，让我印象尤为深刻。作者将静默视为一种有力的“负形象”，它通过对听觉期待的延迟和中断，反向强化了声音本身的物质性和存在感。这种对“缺席”的细致考察，体现了作者深厚的文学功底和哲学思辨能力。全书的论述层次丰富，从微观的感知神经活动，到宏观的社会文化建构，逻辑层层递进，绝不含糊。这本书不仅适合理论研究者，对于从事艺术创作或媒体传播的实践者来说，它提供的“去语境化”和“再语境化”的工具，是激发创新灵感的绝佳催化剂。阅读结束时，我发现自己看待周围的世界——无论是音乐会现场的灯光，还是地铁里播放的广播——都多了一层被精心“设计”过的痕迹，这是一种被激活的、充满探究欲的全新视角。

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老实说，我是在一个漫长的通勤过程中偶然读到这本的，起初对它的期望值并不高，以为又是那种堆砌术语、晦涩难懂的理论读物。然而，《Music as Image》的行文风格，却出奇地流畅且充满活力，简直像是散文与严谨学术探讨的完美结合体。作者在探讨某些复杂的感知心理学理论时，并没有采取那种居高临下的说教姿态，反而像是一个热情洋溢的向导，用生动的比喻和贴近生活的例子来阐释抽象的概念。比如，书中对“音乐记忆的颜色”这一章节的描述，让我立刻联想到了自己童年时听到的某一首老歌，那种特定的音调似乎真的带着一种模糊的、褪色的黄光。这本书最令人称道的一点是其广阔的视野和对媒介差异性的深刻洞察。它没有固守在古典音乐或流行音乐的疆界内，而是将目光投向了广告配乐、电子游戏音效设计，甚至是环境噪音的艺术化处理。这些看似零散的元素，在作者的梳理下，被整合进一个宏大的“声音形象”理论体系中。这本书的价值，不在于提供标准答案，而在于提出了一系列尖锐的问题，刺激读者去质疑既有的审美标准。它像一剂强效的兴奋剂，让人在读完之后，对周围世界的声响和画面互动，都多了一层更为敏感和审慎的观察角度。

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说实话，这本书的封面设计非常朴素，一开始甚至让我有点担心内容会过于陈旧。但进入书本内部后，我发现这完全是一次对传统思维定式的颠覆。作者的写作风格极其富有节奏感，段落之间的衔接处理得十分自然，仿佛是精心编排的一首室内乐，每一个乐章都有其独特的张力释放点。我特别欣赏作者在处理那些高度主观化的“听觉形象”时所采取的审慎态度——既不盲目断言，也不逃避解释。书中关于现代音乐会空间布局对听众“预期形象”塑造的分析尤其精彩，它揭示了仪式感本身如何成为音乐体验不可分割的一部分。这本书并没有试图建立一个普适的理论模型，而是更倾向于提供一套观察世界的方法论。它探讨了技术如何介入，比如录音技术如何固化和重塑了音乐的“形象”，使得原本流动的声音体验被固定在一个可被反复消费的视觉化产品中。这种对技术中介性的反思，放在当下这个媒介爆炸的时代，显得尤为及时和重要。这本书读起来完全没有负担，即便不是该领域的专家，也能被作者娓娓道来的观察和思考所吸引，仿佛是与一位极富洞察力的朋友进行了一场关于美学本质的深度对谈。

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