具体描述
《美术史的基本概念——后期艺术风格发展的问题》是整个二十世纪美术史的三部核心经典之一，不仅美术史读者必读，也是其他人文学者的必读书，它对二十世纪美术史研究体系的构建产生了巨大而深远的影响。在二十世纪的西方学术界，除了贡布里希的《艺术的故事》，没有哪一部美术史著作能够望其项背；它在中国的影响，也超过了任何一部美术史或者美学方面的著作。
作者简介
海因里希·沃尔夫林（Heinrich Wǒlfflin, 1864-1945），出生于瑞士苏黎世。著名的美学家和美术史家，西方艺术科学的创始人之一。曾在慕尼黑、柏林、巴塞尔等大学攻读艺术史和哲学。1893年接替导师雅各布·布克哈特（研究意大利文艺复兴时代的著名史学家和艺术史家）在巴塞尔大学的艺术史教授席位。不久又接受柏林大学艺术史教授席位，这个位置在当时被视为个人学术生涯的顶点。此外，还在慕尼黑、苏黎世等大学担任教授。
沃尔夫林的学术特点是，不做系统的方法论陈述，而是通过方法论的实际应用来理解美术史，用形式分析的方法对风格问题做宏观比较和微观分析。其最大影响就是对艺术中风格发展的解释。在西方现代艺术学中，其敏锐的观察方法早已被融化到学院的教学中，成为研究分析作品的基础。他的《古典艺术》和《美术史的基本概念》，至今仍然是研究风格问题的必读书。
目录信息
第六版序言
第七版序言
第八版序言
导论
Ⅰ 风格的双重根源
Ⅱ 最普遍的再现形式
Ⅲ 模仿和装饰
第一章 线描和涂绘
第一节 概说
第二节 素描
第三节 绘画
第四节 雕塑
第五节 建筑
第二章 平面和深度
第一节 绘画
第二节 雕塑
第三节 建筑
第三章 封闭的形式和开放的形式
第一节 绘画
第二节 雕塑
第三节 建筑
第四章 多样性和统一性
第一节 绘画
第二节 建筑
第五章 清晰性和模糊性
第一节 绘画
第二节 建筑
结论
后记：1933年修订稿
· · · · · · (收起)
读后感
这本书是第二次读了，初读第一章可谓收获很多，而读到中段就开始有点不耐烦，有些读的急躁，而读的后半段则开始一字一句读，有一种意犹未尽的感觉，又回头重读了中间的几章。不得不说，沃尔夫林是20世纪当之为愧的艺术史大师，不像许多低质量的艺术史著作，充斥着无关痛痒...
评分 评分有机会找原版看看， 内容很好， 但是翻译过来的词汇不知其所指。 先浏览一下吧。 那个入画是啥意思，不太明白。 还有不要配莫名其妙的插图， 需要配的图一件没有， 没图说个基霸呀。
评分最近正在读这本书，感触甚多，本人有几点想说的。 一是研究视角值得关注，本书几乎是纯粹从形式、风格上来解释艺术（包括绘画、雕塑甚至建筑），这点尤其值得国内学者学习。毕竟艺术从形式上有其独特的发展规律。对研究中国绘画的同仁们来说值得好好琢磨琢磨，自己国家的东西是...
评分风格在历史当中变幻着，人类的文明史就是这样在演化着，积累到当代，丰富而美好的时代，我们都在享受着这样的文明财富。 科技帮助艺术展开翅膀，变化着丰富的内容，所有的风格演化是非常难以总结的，有许多画家的意志，有许多科技带来的灵感，学科之间也在互相影响着，人与人...
用户评价
这部作品的叙事结构就像是蜿蜒曲折的河流，引人入胜地勾勒出一幅宏大的历史画卷。作者的笔触细腻而富有洞察力，他并没有将艺术史的处理仅仅局限于对作品的简单罗列和风格的机械划分，而是巧妙地将艺术的演变置于社会、政治和思想变革的广阔背景之下。例如，对于文艺复兴时期人文主义思潮的探讨，不仅仅停留在“人是万物的尺度”这一口号上，而是深入剖析了这种哲学转变如何具体地影响了透视法的发展、人物肖像画的兴起，以及艺术家地位的提升，让读者真切感受到艺术如何成为时代精神的载体。阅读过程中，我仿佛穿越时空，亲历了从古典主义的严谨到巴洛克式的激情澎湃，再到浪漫主义的个人主义觉醒的全过程。尤其欣赏作者对于材料和技法变革的关注，比如油画颜料的改良如何为色彩的丰富性和层次感带来了革命性的飞跃，这种微观的观察与宏观的历史叙事相结合，使得整本书的论述既有深度又不失温度，对于理解艺术现象背后的驱动力有着极大的启发。
评分翻开这本书，首先扑面而来的是一种严谨的学术气息，但绝非枯燥的教科书式陈述。作者似乎非常擅长在复杂的理论框架中提炼出核心的脉络，使得即便是对艺术史初学者来说，也能够循序渐进地把握住关键的转折点。我特别关注了其中关于“图像志学”与“形式分析”两种解读路径的论述，作者非常清晰地展示了它们各自的优势和局限性，而不是简单地偏袒其中一方。这种中立而又深刻的分析态度，极大地拓宽了我的视野，让我明白艺术作品的“意义”从来都不是单一固定的，而是依赖于观察者的视角和解读工具箱的丰富程度。书中的图文编排也十分考究，每一幅插图的选择都恰到好处，往往能以一图胜过千言万语的解释力，有力地支撑了文字的论点，使得概念的理解不再悬浮于空中，而是有着坚实的视觉物证作为支撑，阅读体验非常流畅和充实。
评分我必须承认，这本书的学术深度是令人敬佩的，但它的行文风格却出人意料地富有文学性，读起来完全不像是在啃一本严肃的学术著作。作者在描述那些标志性的艺术事件时，总能捕捉到一种戏剧性的张力。比如，在描述某个艺术流派的诞生之初，那种被主流社会排斥、在咖啡馆里低声讨论却蕴含着颠覆性力量的氛围，被描绘得栩栩如生。这种对“边缘”与“中心”权力转移过程的细腻捕捉，让整个艺术史的叙述充满了生命力和悬念。它成功地将冰冷的年代和主义名词，转化成了充满人性和激情的历史片段。对于我这种更偏爱故事和人物命运的读者来说，这种叙述方式极大地降低了理解门槛，使得那些看似遥远的艺术变革，变得可以被情感所触及和共鸣。
评分这本书给我的最大震撼在于它如何处理不同文明间的艺术对话与张力。作者并没有将西方艺术史置于一个孤立的、自我循环的体系中进行阐述，而是着墨描绘了东西方艺术在不同历史阶段的相互影响与借鉴。比如，在探讨印象派如何挣脱传统学院派的束缚时，作者没有回避日本浮世绘版画对莫奈、德加等人的潜移默化影响，这种跨文化的视角，使得对艺术发展的理解更加立体和全面。阅读时，我不断地在脑海中构建起一个全球艺术交流的网络图，而不是一个线性的时间轴。此外，作者对于艺术赞助人制度的分析也相当到位，揭示了艺术生产的经济基础如何塑造了艺术的最终形态，这对于我们反思当代艺术生态下的商业化与纯粹性之间的关系，提供了历史的参照和深刻的警醒。
评分这本书最让我感到耳目一新的地方，在于它对艺术史中的“缺席者”所进行的追问与弥补。作者没有将目光仅仅聚焦于那些被历史定格的“大师”身上，而是花费了大量篇幅去探讨那些因性别、社会地位或地域限制而被主流叙事所忽略的艺术实践。这种批判性的反思，不仅是对历史公正性的努力恢复，更重要的是，它提醒我们任何历史建构都是一种选择和权力体现。通过对非主流艺术实践的重新审视，我开始质疑过去所接受的“经典”是如何被筛选和定型的。这种方法论上的革新，比单纯学习艺术风格的演变更有价值，它教会我用一种更为审慎和批判的眼光去面对一切既定的知识体系，使得阅读体验从单纯的知识获取升华为了思维方式的重塑。
评分望而却步
评分沃氏讲研究目的在于探求不同方式如何创造艺术美，则形式对比确实是好用的研究方法，他注意到时代精神，人与世界关系的变动，怎样看，怎样表现。但这个方法及5概念的应用局限非常值得考虑。前言强调力图摆脱线性史观，但个人认为实际论述中还是不可避免地未能将其完全抛开。不过联系著书时代、每章必强调的民族性以及作者热衷的美、启示、神秘和直觉等与论述结构形成有趣对照的概念，其所泄露出来的倾向就不难理解了。延展开去，对巴洛克背后精神的每一波关注所折射出来的东西，同样值得我们重视。插图译文好评。
评分西方文明收获期的大作。日耳曼真是欧洲的表率。本书印刷精美，然用胶不行，翻页有声，可惜。
评分西方文明收获期的大作。日耳曼真是欧洲的表率。本书印刷精美，然用胶不行，翻页有声，可惜。
评分翻译挺流畅，但是作为风格史分析的书，插图也太让人郁闷了。有动笔实践的经验对于理解风格史有很大帮助。感兴趣的点其实在视觉可能性与再现方式，还有民族风格上。五对概念在建筑风格分析上的应用令我头疼。
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