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Digital Collage and Painting proudly showcases the work of twenty-one talented digital artists. Each artist walks you through the creation of a piece of their art and lets you in on their secrets about equipment, software, favorite papers, and how their creative process begins. The artists included are:
Audrey Bernstein
Paul Biddle
Leslye Bloom
Stephen Burns
Luzette Donohue
Katrin Eismann
Paul Elson
Steven Friedman
Ileana Frómeta Grillo
Bill Hall
Julieanne Kost
Rick Lieder
Bobbi Doyle-Maher
Ciro Marchetti
Lou Oates
Cher Threinen-Pendarvis
James G. Respess
Fay Sirkis
Jeremy Sutton
Maggie Taylor
Pep Ventosa
* Discover how the computer can be used to paint on photographs, incorporating other visual materials into images
*Learn from step-by-step examples for painting, collage, and panoramics
* The associated website contains the art samples used in the book so that you can practice the different techiques
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这本书的排版和装帧质量堪称一绝,那种厚实的纸张触感和略带磨砂的封面处理,拿在手里就有一种庄重感,仿佛捧着一件艺术品。我最初的兴趣点在于它标题所暗示的“拼贴与绘画”的融合,我原以为会看到大量关于如何将传统绘画的肌理无缝嫁接到数字画布上的案例分析,或者是关于如何在Photoshop中高效地模拟油画笔触的深度解析。然而,书中呈现的作品示例,虽然视觉上令人惊叹,但作者对制作过程的描述却异常简洁,甚至有些神秘主义的色彩。例如,展示了一幅极具层次感的作品,配文却是寥寥数语,强调“直觉引导了每一次裁剪和放置”。这让我不禁猜测,作者是否刻意保留了核心技法,以保持作品的“不可复制性”?我花了好大力气去研究那些细节,试图反推出他的工作流程,但总觉得少了关键的一环。更让我感到困惑的是,书中几乎没有提及任何关于软件版本迭代或插件兼容性的问题,这对于一个依赖技术工具的创作者来说,是有点脱离实际的。它更像是一部艺术家的“宣言”,而非技术教程,将重点放在了“为何创作”而非“如何创作”上,这种侧重与我的实际需求产生了不小的偏差。
评分我必须承认,这本书的文本翻译质量很高,语言流畅且富有文学性,每一个句子都经过了精心的打磨,读起来赏心悦目。我的初衷是想学习如何通过数字手段,构建出更具“物质感”和“年代感”的图像,比如模拟旧照片的颗粒、霉斑或纸张的纤维纹理。我特别期待作者能分享一些关于材质模拟的深度技巧,比如如何利用程序化纹理或特定的笔刷库来达到逼真的效果。然而,书中对于这些技术层面的描述,往往停留在非常表层的概念解释上,比如“让画面呼吸起来”或者“赋予色彩历史的厚重感”,这些美好的形容词并不能直接转化为我可以操作的步骤。我翻遍了全书,寻找关于色彩校正曲线的详细解读或者如何创建自定义混合模式的教程,但这些内容基本没有涉及。它更侧重于从美学和历史角度去“赞美”拼贴与绘画的结合,而非教授我们如何用鼠标和手写笔去实现这种结合。这使得这本书更像是一本艺术评论集,而不是一本操作指南,让我这个工具导向的学习者感到有些无所适从。
评分这本书的叙事风格非常跳跃,读起来需要极大的专注力,仿佛在跟一位思维极其跳脱的艺术家进行一场午后的漫谈。我原本是希望能找到一本结构严谨的教材,能够清晰地梳理出从概念草图到最终输出的完整流程。这本书的结构更像是艺术家随手记下的灵感碎片,章节之间的逻辑关联并不强。比如,前一页还在讨论文艺复兴时期的人体比例对现代数字肖像的影响,下一页突然就转到了关于使用特定型号绘图板的握持技巧。这种跳跃性虽然偶尔能带来意想不到的启发,比如将看似无关的领域联系起来,但同时也让学习的连贯性大打折扣。我尝试根据目录进行系统学习,但发现目录本身也带有很强的主观色彩,并不完全是按照难度递增或步骤顺序排列的。对于初学者而言,这种散文化的叙事方式无疑是一道门槛,很难形成一个清晰的知识框架。我期望书中能有更多的“步骤分解图”或“关键参数设置”的截图,但这些实用信息几乎被艺术家的个人感悟所淹没,使得这本书的实用价值大大降低了。
评分这本书的装帧设计虽然精美,但其内容编排似乎更偏向于个人作品集的展示,而非一本系统的教学参考书。我购买它,是希望能学习到一套可以反复应用的、高效的数字创作方法论,特别是针对“数字拼贴”中如何处理图层关系和遮罩复杂性的一套成熟流程。然而,书中对这些关键技术环节的阐述极其简略,往往只是用一两句话带过那些需要花费数小时摸索才能掌握的诀窍。举例来说,关于如何处理前景、中景和背景在数字空间中的深度层次感,我期待的是关于视点收敛和透视校正的详细讲解,但书中对此的探讨更偏向于“感觉的构建”,而非“数学的精准”。我花了很长时间去寻找一个关于“如何搭建高效的工作区”或者“如何管理庞大的资源库”的章节,因为这是任何严肃的数字艺术家都绕不开的实际问题。令人遗憾的是,这些关乎效率和组织性的内容被完全省略了。这本书更像是一场精心策划的个人展览画册,文字是烘托作品的陪衬,而非教授读者掌握其创作奥秘的钥匙。
评分这本书的封面设计着实吸引眼球,那种深邃的蓝色调与抽象的光影交织在一起,予人一种探索未知的神秘感。我原本是冲着那些前沿的数字艺术技巧去的,希望能找到一些能即刻提升我作品视觉冲击力的方法。然而,翻开内页后,我发现它更像是一部关于“心流”与“灵感捕获”的哲学散文集,而非我期待中的那种手把手教学指南。作者似乎更侧重于探讨创作过程中那种难以言喻的精神状态,而非具体的工具操作。比如,有一章用了大量的篇幅去描述艺术家如何在清晨的微光下与画布进行“对话”,那种细腻的情感捕捉和对“偶然性”的推崇,读起来颇有韵味,但对于急于学习最新滤镜或图层混合模式的读者来说,可能会感到有些“虚无缥缈”。我倒是很喜欢作者对“数字媒介的温度”这一概念的探讨,他将冰冷的屏幕比作一块等待被感化的冰晶,强调了创作者的意图如何赋予媒介灵魂。但总的来说,如果你想快速掌握一门技术,这本书可能无法立刻满足你,它需要你慢下来,去品味那种缓慢酝酿的艺术哲学,更像是一次精神层面的洗礼,而非技术手册的速查。我期待的那些关于色彩空间管理和高分辨率输出的实用信息,在这里只是一带而过,这让我感到一丝失落,但也引发了我对创作根源的更深层次思考。
评分Nice Book ! The only problem is that it's too heavy to carry !LOL
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