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出版者:Oxford University Press, USA

作者:William E. Caplin

出品人:

页数:320

译者:

出版时间:2000-12-28

价格:USD 45.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780195143997

丛书系列:

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Classical Form 作者： [作者姓名] 简介： 《Classical Form》是一部深入探讨古典时期音乐结构、形式与美学的权威著作。作者以其渊博的学识和敏锐的洞察力，带领读者穿越时空，重返那个被誉为“黄金时代”的音乐殿堂，细致剖析了该时期音乐作品之所以能够流传千古，成为人类文明宝贵遗产的关键所在。 本书并非简单罗列音乐术语或对作品进行机械的拆解，而是将音乐形式置于其历史、文化和哲学语境之中进行考察。作者认为，理解古典时期的音乐，尤其需要把握其内在的逻辑、秩序和平衡感。这种对清晰结构和完美比例的追求，不仅体现在宏观的乐章布局上，也渗透到乐句、动机乃至和声进行中的每一个细节。 核心内容深度解析： 一、奏鸣曲式的精妙构思： 奏鸣曲式作为古典时期最重要的器乐形式之一，在本书中得到了最为详尽的阐释。作者首先追溯了奏鸣曲式的起源与发展，从早期的赋格、三部曲式演变而来，直至海顿、莫扎特、贝多芬手中臻于成熟。 呈示部： 本书详细分析了呈示部的“两部性”——即第一主题区域与第二主题区域之间的对比与发展。作者深入探讨了主部调与属调（或关系调）的逻辑关系，以及它们如何通过转折、连接部、发展部和再现部的巧妙安排，构建出戏剧性的冲突与统一。对于各部分内部的动机发展、旋律线条的展开、节奏的活力以及和声的推进，书中都有细致的分析，并辅以大量乐谱示例，让读者能够直观地感受到作曲家如何运用有限的音乐素材，创造出无穷的变化。 发展部： 作者特别强调了发展部在奏鸣曲式中的重要性，将其视为音乐“思想”的碰撞与升华。这里，呈示部的主题被解构、变形、重组，作曲家通过远关系调的探索、模糊的节奏、对位法的运用以及情绪的起伏，将音乐推向高潮。本书深入剖析了不同作曲家在发展部处理上的独特手法，例如贝多芬作品中强烈的戏剧性和心理刻画。 再现部与尾声： 再现部并非简单的重复，而是对呈示部主题的回归与深化，通常将第二主题置于主部调，从而实现形式上的统一与调性上的解决。本书详细分析了作曲家如何通过对再现部的处理，如主题的变奏、延长或省略，来达到更具表现力的效果。尾声则被视为对整个乐章的总结与升华，作者也提供了丰富的尾声范例，展示其功能的多样性。 二、回旋曲式的动态平衡： 回旋曲式以其“主部-插部-主部-插部-主部”的轮廓，展现了一种独特的动态平衡。本书剖析了主部（ritornello）的稳定性与插部（episode）的对比性。 主部的回归： 作者强调了主部作为音乐核心的回归性，它不仅在调性上保持稳定，在旋律和节奏上也具有辨识度，为听众提供了一个熟悉的锚点。 插部的多样性： 插部则提供了新的音乐材料、调性色彩和情绪变化。本书深入探讨了插部与主部之间的过渡、对比以及它们如何共同构建出回旋曲式的整体性。特别是在回旋曲-奏鸣曲式中，奏鸣曲式的结构被巧妙地融入回旋曲的框架，产生了更为复杂的音乐效果。 三、变奏曲式的精巧变化： 变奏曲式以其“主题+一系列变奏”的结构，展现了音乐的无限可能性。本书将变奏视为一种“解构与重构”的过程。 变奏的艺术： 作者详细探讨了各种变奏手法，包括旋律变奏、节奏变奏、和声变奏、织体变奏、力度变奏、速度变奏以及调性变奏等。通过分析不同作曲家（如巴赫、海顿、莫扎特）的变奏作品，展示了变奏如何在保持主题精神的同时，展现出丰富多样的面貌。 主题的重要性： 本书也强调了变奏曲式主题的重要性，一个优秀的主题是成功变奏的基础。主题的清晰性、音乐性以及其内在的变形潜力，是决定变奏曲是否成功的关键。 四、其他重要形式： 除了上述核心形式，本书还广泛涉及了其他古典时期重要的音乐形式： 赋格： 作者会深入分析赋格的复调技法，如呈示、对答、插入段、再现以及延展等，揭示其严谨的逻辑和丰富的表现力。 三部曲式（ABA）： 作为许多器乐段落和声乐咏叹调的基础，三部曲式在本书中也会被解析其A段的稳定与B段的对比，以及ABA结构带来的完整性。 奏鸣曲（Sonata，指单乐章或由多乐章组成的器乐作品）： 本书还会探讨奏鸣曲作为一种大型器乐体裁的构成，包括其通常包含的快-慢-快（或快-慢-中速-快）的乐章结构，以及各乐章内部可能采用的奏鸣曲式、变奏曲式、回旋曲式或三部曲式等。 超越形式的深层理解： 《Classical Form》不仅仅是关于音乐结构的教程，更是一扇通往古典时期作曲家内心世界的窗户。作者通过对音乐形式的深入挖掘，揭示了古典时期音乐所蕴含的理性精神、人文关怀以及对和谐与完美的追求。本书旨在帮助读者培养一种“听懂”古典音乐的能力，从表面的旋律和节奏，深入到内在的结构逻辑和情感表达，从而更深刻地体会到这些不朽杰作的魅力。 无论您是音乐学学生、演奏家，还是仅仅是一位热爱古典音乐的听众，《Classical Form》都将为您提供一个坚实的基础和全新的视角，引领您在古典音乐的广阔天地中，发现更多、理解更深。这本书，是您通往理解古典音乐精髓的必读之作。

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读完《Classical Form》的第一个章节，我感觉自己像是被一位技艺精湛的导游带着，开始了一场意义非凡的音乐之旅。作者在介绍奏鸣曲式时，并没有直接抛出复杂的理论术语，而是从一些大家熟悉的例子入手，比如贝多芬的第五交响曲，那个标志性的“命运”动机是如何在奏鸣曲式的框架内被巧妙地发展、对比和再现的。这种循序渐进的方式，让我这个对音乐理论不算精通的读者，也能轻松地跟上作者的思路。我特别欣赏作者对于“对立”和“统一”这两个概念的阐释，它们似乎是贯穿古典音乐形式的灵魂。理解了这两个核心概念，再去看待乐章的结构，便豁然开朗。书中的图表也非常清晰，准确地标示出了各个部分，配合文字说明，让我对奏鸣曲式的各个阶段有了更直观的认识。我甚至回想起自己曾经听过的一些作品，尝试着在脑海中去回溯它们的形式，这种主动学习的乐趣，是任何被动接受信息都无法比拟的。

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在《Classical Form》中，关于奏鸣曲的讲解，我一直觉得它像是音乐的“小小说”，每一个乐章都有其独立的情节和发展，但又共同服务于整部作品的主题。作者对奏鸣曲式中“呈示部”、“展开部”和“再现部”的划分，以及它们各自的功能，解释得非常清晰。我特别赞赏作者对“冲突”与“解决”在音乐发展中的作用的分析。奏鸣曲式似乎总是伴随着某种内在的张力，而展开部就是这种张力被推向极致的地方，最后通过再现部的回归，带来一种情感上的释放和和解。书中提到一些作曲家如何打破传统奏鸣曲式的规范，引入新的元素，让我看到音乐形式并非一成不变，而是随着时代和作曲家的思想而不断演进。这是一种充满生命力的探索，也是音乐艺术迷人的地方。

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《Classical Form》在介绍变奏曲时，让我看到了音乐创作的无限可能性。作者并没有将变奏视为简单的“换汤不换药”，而是将其阐释为作曲家对音乐素材进行多元化探索和深刻挖掘的绝佳方式。从主题的节奏、旋律、和声、织体到速度，每一个元素都可能成为变奏的起点。我特别欣赏作者对于不同变奏手法的分类和讲解，比如装饰性变奏、节奏性变奏、和声性变奏等等，以及这些手法如何巧妙地融合在一起，使整首作品既有连续性又不失新意。书中所引用的埃尔加《谜语变奏曲》的例子，更是将这种形式的魅力发挥到了极致。通过对每个“谜语”变奏的解读，我不仅感受到了作曲家高超的技艺，更体会到了音乐作为一种语言，可以承载如此丰富的情感和意象。这让我对“创新”有了更宽广的理解，原来在既定的框架内，同样可以迸发出璀璨的火花。

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这本《Classical Form》的封面设计就足以吸引我。它不是那种花哨、过于现代的排版，而是一种沉静、厚重的质感，仿佛在诉说着音乐历史的长河。拿到手中，纸张的触感也相当不错，带有微量的纹理，翻页时发出沙沙的声响，这是一种久违的阅读体验。我一直以来都对古典音乐的结构和形式充满了好奇，但市面上很多书籍要么过于学术化，要么流于表面，很难找到一本既能深入浅出又能引起共鸣的。这本书的序言，用一种引人入胜的笔触，勾勒出了古典时期音乐发展的宏大图景，让我对即将展开的探索充满了期待。作者似乎非常注重理论与实践的结合，在序言中也反复强调了理解形式的重要性，认为这是打开音乐灵魂的金钥匙。我迫不及待地想通过这本书，更清晰地认识那些我耳熟能详却又不知其所以然的音乐篇章，去感受那些经过精心打磨的乐句、乐章是如何层层递进，最终构建起一首完整的音乐作品。希望这本书能成为我理解和欣赏古典音乐的一位睿智的向导。

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《Classical Form》在介绍奏鸣曲的慢板乐章时，让我感受到了古典音乐中那份深沉的情感和内敛的表达。作者对于慢板乐章通常采用的曲式，比如A-B-A三部曲式或变奏曲式，进行了详尽的解析。他强调了慢板乐章在整部作品中的“呼吸”作用，它为听众提供了一个沉思和情感共鸣的空间。书中的例子，比如莫扎特钢琴协奏曲中的慢板乐章，那种优美而略带伤感的旋律，总能触动我内心深处的情感。我尤其欣赏作者对于乐句之间连接和过渡的描述，那种流畅而自然的过渡，仿佛是在娓娓道来一个动人的故事，每一个音符都饱含深情。读完这一部分，我开始更加关注音乐中的“留白”和“意境”，它们同样是构成音乐魅力的重要组成部分。

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《Classical Form》在讲解回旋曲式时，展现了作者的另一重才华。他将这种形式的特点——那个不断重复出现的“主题”——比作音乐中的一个熟悉的老朋友，每次出现都会带来一种亲切感和安定感，而围绕着它的“插部”则像是新认识的朋友，带来了新鲜感和变化。这种生动的比喻，让我对抽象的音乐形式产生了具象的认知。作者还深入剖析了不同时期、不同作曲家在运用回旋曲式时的细微差别，比如从早期的简单重复到后期更加复杂的变奏和发展。我尤其对那些关于回旋曲式结构变化的部分印象深刻，比如副回旋曲式和藏歌式回旋曲式，它们是如何在保持核心特征的同时，又注入了新的生命力的。读到这里，我开始体会到，即使是最简单的音乐形式，在伟大的作曲家手中，也能被赋予无穷的魅力和深度。这本书让我对“重复”不再感到厌倦，反而开始期待每一次“主题”的回归。

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我一直认为赋格曲是音乐中最具逻辑性和智性美的一种形式，而《Classical Form》对赋格曲的解读，更是让我叹为观止。作者不仅仅是在讲解赋格的规则，更是在揭示赋格背后蕴含的数学般的精确和艺术般的灵动。他详细地介绍了对位、模仿、主题的展开和插入等概念，并用巴赫的作品作为最典型的例子。我尤其喜欢作者对赋格曲中“对位”的描述，那种不同声部独立而又和谐共存的感觉，就像是多个思想在同一个空间里进行着精妙的对话，既有各自的独立性，又能融合成一个更宏大的整体。书中的乐谱分析也非常到位，作者用线条和箭头清晰地标示出了主题的出现和模仿，让我能够准确地追踪到每一个声部的发展轨迹。读完这一章节，我对巴赫的音乐有了全新的认识，也对音乐的“深度”有了更深刻的理解。

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《Classical Form》对小步舞曲和什非尔兹舞曲的解读，让我领略到了古典时期音乐的优雅与风情。作者将小步舞曲描绘成一种充满贵族气息的舞蹈，其节奏明快、旋律规整，带有三拍子的特点，让人不由自主地想要随着音乐翩翩起舞。而什非尔兹舞曲则在小步舞曲的基础上，增添了更多的活力和变化，尤其是它那活泼的节奏和独特的旋律线条，使其在音乐的海洋中独树一帜。书中还提到了这些舞曲在交响乐和奏鸣曲中的运用，它们如何为作品注入了轻松愉悦的元素，并与其他风格的乐章形成对比。我通过这本书，开始能够区分不同舞曲风格的细微之处，并从中体会到音乐与舞蹈之间密不可分的关系，以及音乐如何反映当时的社会文化风貌。

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在《Classical Form》的最后部分，作者对交响曲的结构进行了系统性的梳理。他将交响曲视为一个庞大而复杂的音乐叙事，通常由四个乐章组成，每个乐章都有其独特的风格和功能，共同构成了一幅完整的音乐画卷。作者详细分析了交响曲的开场乐章（通常是快板，采用奏鸣曲式）、慢板乐章（抒情或庄重）、第三乐章（小步舞曲或什非尔兹舞曲）以及终曲乐章（通常是快速而充满活力的快板，采用奏鸣曲式、回旋曲式或回旋奏鸣曲式）。我尤其欣赏作者对于不同作曲家在交响曲创作上的创新和突破的讨论，比如贝多芬如何扩展了交响曲的规模和情感深度，马勒又如何将个人哲学思考融入其中。这本书让我对交响曲的理解，从单一个体扩展到了一个宏大的音乐体系，也让我对古典音乐的博大精深有了更深的敬畏。

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《Classical Form》对于嬉游曲的讲解，让我对这种“轻松愉快”的音乐形式有了更深的体悟。作者并没有将嬉游曲仅仅看作是“填场”的作品，而是深入分析了它在古典时期作为一种社交和娱乐音乐的重要性，以及它在音乐发展史上的承载。嬉游曲通常由多个独立的乐章组成，风格多样，节奏明快，旋律优美，这种“小品化”的特点，使得它非常适合在各种场合下聆听。我特别喜欢书中对嬉游曲乐章之间对比的描述，比如从轻盈的快板到抒情的慢板，再到活泼的小步舞曲，这种风格的切换，使得整首作品充满了一种轻松而不失层次感的魅力。它让我想起夏日午后，在花园中享用下午茶的惬意时光，这种音乐带来的氛围感，是很多宏大作品所无法比拟的。

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