具体描述
How can the musician's ear penetrate the complexities and theoretical abstractions of the twentieth-century music? This book offers a solution: it enables the student to perceive essential musical connections at the core of modern music by identifying and drilling the distinctive structures and processes of the twentieth century's greatest composers. Michael L. Friedmann has developed and successfully tested a method that combines theory and exercises to give students a deeper understanding of modern music. Using musical examples from the works of Debussy, Bartok, Choenberg, and Stravinsky, Friedmann begins with extensive work in sight-singing and dictation. The chapters that follow develop clear, multifaceted approaches to intervals and dyads, transposition and inversion, melodic contour, and three-and four-element set classes. In these chapters Friedmann offers students opportunities not just to identify the twelve trichord and twenty-nine tetrachord types, but to explore their structural possibilities. He also demonstrates the relation of these set classes to the diatonic, whole-tone, and octatonic scales. Finally, Friedmann introduces set classes of more than four elements, as well as twentieth-century modes. The book provides a wealth of musical excerpts including melodies composed by the author himself-to test analytic listening ability and to make the student with each set class.
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读后感
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用户评价
这本书的哲学深度远超一本单纯的“耳朵训练手册”。它似乎在暗示，要真正听懂二十世纪音乐，就必须先解构我们根深蒂固的调性思维定势。我特别欣赏它对“审美转换”过程的细腻描述。作者在讲解如何适应“非目的性”和弦进行时，并没有简单地标签化它们为“不和谐”，而是深入探讨了它们在特定语境下如何服务于作曲家的“结构意图”。书中穿插的一些音乐史的简短评述，虽然不多，但都极具洞察力，它们帮助读者将这些抽象的听觉训练置于历史的洪流中去理解其产生的必然性。举个例子，它解释了为何在某些特定的十二音作品中，某些音程的重复反而会产生一种比传统调性音乐更强的“宿命感”。这本书需要你带着一种批判性、探索性的态度去阅读和练习，它挑战的不仅仅是你的耳朵，更是你的音乐世界观。读完之后，我发现自己对音乐的欣赏维度被拓宽了许多，不再满足于表面的悦耳，而是开始追寻音符深处的内在结构与哲学表达。
评分这本书的封面设计真是让人眼前一亮，那种带着点实验性又很克制的字体选择，立刻就给出了一个信号：这不是一本轻松的“入门指南”。我拿到手的时候，首先吸引我的是它对于调性外和声的讲解方式。作者似乎非常擅长将那些听起来玄乎的理论，比如微音程、集合理论（Set Theory）的应用，用一种非常务实且直观的方式呈现出来。我特别欣赏它在解释如何“听懂”德彪西晚期和斯特拉文斯基早期作品中那些模糊不清的调性中心时所下的功夫。它不是简单地罗列规则，而是提供了一整套训练听觉的“工具箱”。比如，在训练如何分辨不同密度和张力的集群音响时，书里附带的练习材料（虽然我是在线上获取的）设计得极富挑战性，迫使你必须放下对传统大三和弦的依赖，去适应一种更开放、更具流动性的听觉体验。很多传统的耳朵训练书籍往往停留在辨认七和弦或转位，但这本书直接将战线拉到了十二音体系乃至更前沿的领域，让我感觉自己的耳朵像是进行了一次高强度的体能训练，虽然过程痛苦，但效果立竿见影。对于任何想真正融入二十世纪音乐语境的演奏者或作曲学生来说，这本书无疑是不可或缺的“通关密码”。
评分说实话，这本书的难度对于初学者来说可能有点“劝退”。我刚翻开第一章时，那种扑面而来的专业术语和复杂的图表，差点让我合上书本。它完全没有那种“友好引导”的语气，而是直接把你扔进了知识的深水区。然而，一旦你坚持下来，你会发现作者的严谨是值得信赖的。我特别欣赏它对“音色”和“高频泛音”在二十世纪音乐中角色转变的探讨。这本书不仅仅关注音高和节奏，它更深入地挖掘了作曲家如何利用乐器的非传统发声法来构建新的音乐意义。比如，在讲解如何辨识“噪音”与“音高”之间的模糊地带时，作者提供的听觉线索非常具体，比如如何捕捉长笛在极高音区演奏时那种接近尖啸的泛音结构。这对于我们这些习惯了浪漫主义时期对音色纯净度追求的听众来说，是一次极大的观念冲击。这本书更像是一本高级作曲与分析的研究生教材，它要求读者具备一定的音乐理论基础，并且愿意投入大量时间去“重塑”自己的听觉习惯。它不是让你学会欣赏，而是让你学会“理解”那些不和谐背后的逻辑。
评分我读这本书的初衷其实是想解决一个长期困扰我的问题：如何有效地区分那些在序列音乐中听起来高度相似的音高组合。老实说，我之前尝试过几本专门针对勋伯格或魏本伯格作品的教材，它们大多过于偏重理论推导，而忽略了听觉的实际感受。这本书的厉害之处在于，它非常巧妙地将理论分析与听觉感知训练进行了深度耦合。它不是让你去背诵“音组A比音组B高一个半音”，而是让你去感受音组内部的“内在张力”和“关系动力”。例如，在讨论“等音高类”（Pitch Class Sets）的识别时，作者设计了一系列渐进式的听力练习，从最简单的三音集合开始，逐步过渡到复杂的七音或八音集合的“轮廓识别”。这种训练方法极其有效，因为它训练的不是孤立的音高，而是音高之间的空间关系和潜在的调性倾向性。读完关于非功能性和声的章节后，我再去听巴托克的室内乐，那些原本听起来像是随机碰撞的音符，突然之间就有了清晰的结构感和目的性，仿佛是透过一副清晰的眼镜在看世界。这绝对是一本需要反复研读、并结合大量实际听力练习才能真正消化的“硬核”教材。
评分这本书的结构布局非常具有现代音乐研究的特点，它不是按照时间顺序来梳理二十世纪音乐风格的演变，而是完全围绕“听觉技术”的提升来组织内容的。我最喜欢的一点是，它对“节奏的去中心化”的处理。在传统的训练中，我们总是强调对节拍和重音的精确把握，但在这本书里，节奏训练被提升到了一个更高的维度——“时间感知”的弹性与非线性。作者通过一些非常规的节奏组合练习，训练我们去捕捉那些建立在复杂多重节拍和非对称乐句之上的“流动感”。例如，书中有一个关于“脉冲密度”识别的训练模块，迫使听者去区分巴雷兹（Varèse）作品中那种密集的、如同颗粒状的节奏结构与斯克里亚宾晚期作品中那种缓慢、弥散的时间感。这种训练彻底打破了我过去对“节拍器”的依赖，让我开始从更宏观、更具空间感的角度去理解音乐的时间维度。对于想深入研究当代极简主义或声场音乐的听众来说，这本书提供的理论框架和听觉工具是无价之宝。
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