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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Hal Leonard Publishing Corporation

出品人:

页数:816

译者:

出版时间:1994-7

价格:$ 56.44

装帧:Pap

isbn号码:9780793529414

丛书系列:

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• 乐谱

《世界音乐史纲：从古代文明到数字时代》 一部跨越千年、融汇东西的宏大音乐画卷 书籍信息： 书名： 世界音乐史纲：从古代文明到数字时代 作者： [虚构的知名音乐史学家姓名，例如：亚历山大·科尔文] 页数： 约 1400 页（精装版） 开本： 16 开 出版社： [虚构的权威学术出版社名称，例如：环球音乐文献出版社] --- 内容梗概 《世界音乐史纲：从古代文明到数字时代》是一部旨在全面梳理人类音乐发展脉络的权威著作。本书摒弃了传统史学中以西方古典音乐为中心的叙事模式，力求以一种真正“全球化”的视角，深入探讨不同地域、不同文化背景下的音乐形态、社会功能、理论建构及其演变轨迹。 全书共分为七大部分，超过三十章，内容详实，论证严谨，辅以大量珍贵的历史乐谱插图、乐器图像和民族音乐学田野考察资料，是音乐学界、历史学界、人类学家以及所有热爱音乐的读者不可或缺的参考书。 --- 第一部分：音乐的起源与史前曙光 (公元前 5000 年以前) 本部分探讨人类音乐行为的最初形态。我们追溯人类最早的乐器发现（如骨笛、陶制打击乐器），分析原始社会中仪式、劳动与交流对音乐产生的驱动力。 第一章：声音的诞生： 从自然噪音到有意识的组织。探讨声音在早期人类认知结构中的地位。 第二章：早期声学与乐器学： 分析早期乐器的材料学、声学特性，以及它们在狩猎、祭祀中的象征意义。 第三章：史前旋律的重建： 基于考古学和人类学研究，尝试复原早期部落的音乐结构与五声音阶的雏形。 第二部分：古典文明的音乐范式 (公元前 3000 年 – 公元 500 年) 本部分聚焦于美索不达米亚、古埃及、古希腊罗马以及古代中国和印度文明中音乐理论与实践的奠基性工作。 第四章：尼罗河畔的圣乐： 考察古埃及神庙音乐的阶层性与宗教职能，对哈普斯琴（Harp）等乐器的描述。 第五章：希腊的“和谐”理念： 深入解析毕达哥拉斯音律的数学基础，探讨“乐音伦理学”（Ethos Doctrine），以及对七调式（Modes）的系统性阐述。 第六章：东方文明的初期建构： 探讨中国古代的“雅乐”体系，五音、七音与十二律的哲学根源；同时分析印度吠陀赞诵（Chants）的早期记谱尝试。 第七章：罗马的军乐与公共音乐： 侧重于罗马帝国如何继承并改造希腊音乐遗产，以及管乐器（如Tuba, Cornu）在军事和公民生活中的应用。 第三部分：中世纪的宗教与世俗张力 (公元 500 年 – 1450 年) 中世纪是音乐记谱法和复调音乐发展的关键时期。本部分详细考察了基督教、伊斯兰教及东亚宫廷音乐的并行发展。 第八章：格里高利圣咏的标准化： 分析教皇格里高利一世对西方单音音乐的规范化过程，以及纽姆记谱法（Neumes）的演变。 第九章：复调的诞生与早期实践： 详述奥尔加农（Organum）的出现，以及巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）中佩罗坦等大师的创新。 第十章：中东的“音乐科学”： 聚焦于阿拉伯音乐理论家如法拉比（Al-Farabi）对音高、音律和“乌德琴”（Oud）演奏技法的系统性贡献，及其对后世欧洲音乐理论的影响。 第十一章：特鲁巴杜尔与游唱诗人： 研究世俗音乐在欧洲的复兴，分析骑士精神对歌曲内容和形式的影响。 第十二章：东亚的雅乐演变： 考察唐宋宫廷燕乐的成熟，以及日本雅乐（Gagaku）的保留与发展。 第四部分：文艺复兴的“人声至上” (公元 1450 年 – 1600 年) 文艺复兴时期，音乐关注点回归人文主义，复调技术达到新的高峰。 第十三章：法兰德斯乐派与对位法的精进： 重点剖析约斯坎·德普雷（Josquin des Prez）在弥撒曲和经文歌中的织体处理。 第十四章：世俗音乐的黄金时代： 深入研究意大利牧歌（Madrigal）的“文字音乐化”技巧，探讨其情感表达的自由度。 第十五章：印刷术与音乐传播： 首次讨论印刷术（如Petrucci的活字印刷）对欧洲音乐普及程度的革命性影响。 第十六章：音乐与宗教改革： 考察马丁·路德的新教圣歌（Chorale）运动及其对德语音乐发展的重要性。 第五部分：巴洛克的辉煌与理性 (公元 1600 年 – 1750 年) 本部分分析了歌剧的诞生、通奏低音的统治地位，以及巴赫与亨德尔对复调艺术的最终整合。 第十七章：歌剧的起源与早期探索： 详述佛罗伦萨的“小卡梅拉塔”对古希腊悲剧的复兴尝试，以及蒙特威尔第的创新。 第十八章：托纳利蒂（Tonal System）的确立： 分析大小调体系如何取代古调式，成为西方音乐的通用语法。 第十九章：器乐体裁的成熟： 深度解析协奏曲（Concerto）、奏鸣曲（Sonata）和赋格曲（Fugue）的结构规范，以巴赫的《平均律键盘曲集》为核心案例。 第二十章：民族乐派的早期萌芽： 观察意大利、法国、德国在巴洛克晚期形成的独特管弦乐风格。 第六部分：古典主义、浪漫主义与民族主义的冲突与融合 (公元 1750 年 – 1900 年) 从海顿的结构严谨到瓦格纳的“总体艺术作品”，本部分关注音乐的戏剧性、个人情感表达和国家身份的构建。 第二十一章：维也纳古典乐派的平衡美学： 阐释奏鸣曲式（Sonata Form）的结构逻辑，分析海顿、莫扎特、贝多芬在交响曲中的贡献。 第二十二章：浪漫主义的自我表达： 探讨舒伯特、肖邦、李斯特如何将诗歌、个人哲学融入音乐，钢琴作为核心乐器的崛起。 第二十三章：戏剧的极致： 深入剖析瓦格纳的“主导动机”理论和“乐剧”（Musikdrama），及其对德国歌剧美学的颠覆。 第二十四章：非德奥音乐的觉醒： 考察俄罗斯五人组、德沃夏克、西贝柳斯等如何通过民间素材构建民族乐派。 第七部分：二十世纪至今：多元化与数字革命 (公元 1900 年至今) 本部分以前所未有的广度，覆盖了从十二音技法到电子音乐、从爵士乐到全球流行乐的复杂图景。 第二十五章：现代主义的断裂与重构： 分析德彪西对印象主义色彩的探索，以及勋伯格的无调性与序列主义的诞生。 第二十六章：非西方音乐的冲击： 探讨德彪西、斯特拉文斯基等如何受到对岸音乐（如爪哇甘美兰、非洲节奏）的启发，以及民族音乐学（Ethnomusicology）的兴起。 第二十七章：爵士乐的演化史： 从新奥尔良蓝调到摇摆乐、比波普，分析爵士乐的即兴性、和声复杂性及其对流行音乐的深远影响。 第二十八章：电子声波的探索： 考察二战后对录音技术、磁带音乐、随机音乐（如约翰·凯奇）和早期合成器的实验。 第二十九章：全球化与流行音乐的权力转移： 关注摇滚乐、嘻哈（Hip-Hop）在全球范围内的爆炸性传播，以及数字采样、互联网对音乐创作、消费模式的彻底改变。 第三十章：后现代的碎片化与未来趋势： 总结当前音乐研究的交叉学科性质，探讨算法作曲、沉浸式音频技术（如杜比全景声）对未来音乐形态的塑造。 --- 本书特色 本书最大的价值在于其广博的视野和严谨的学术态度。作者没有将音乐史视为一条单向的线性进步，而是将其呈现为全球多个音乐传统相互影响、并行发展的复杂网络。 1. 跨文化比较研究： 首次在同一框架内，系统对比了中国五音体系与西方七音体系的社会基础和审美差异。 2. 乐器学深度整合： 每一阶段的音乐发展都与相关乐器的创新和使用紧密结合，提供了大量乐器构造图解。 3. 理论与实践并重： 对于复杂乐理概念（如巴赫的对位法、二十世纪的十二音列），均配有清晰的图示和简易示范，使得非专业读者也能理解其精妙之处。 4. “声音世界”的重建： 附带的配套资源（在线或光盘）收录了书中涉及的代表性音乐片段，力求让读者“听见”历史。 《世界音乐史纲》不仅是一部历史教科书，更是一部关于人类创造力、情感表达与文化交流的宏伟史诗。它邀请读者踏上一段探索人类声音文明的终极旅程。

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我得说，初次接触这本书时，那种“沉甸甸”的感觉，不仅仅是物理上的重量，更是内容丰富度带来的心理震撼。我一直在寻找一本能真正覆盖从布鲁斯根源到当代R&B、从经典摇滚金曲到独立音乐精选的“百科全书式”乐谱，市面上很多声称“大而全”的合集，往往在关键流派上有所侧重或遗漏。然而，这本书似乎真的做到了雨露均沾。我尤其关注了其中关于拉丁爵士和融合摇滚的部分，通常这些曲目的和弦变化最为捉摸不透，很多时候只能靠听力去扒带。但在这里，我找到了几首我找了很久但一直未果的Bossa Nova标准曲的准确和弦谱。这极大地提升了我练习的效率和准确性。它不仅仅是简单的旋律和和弦，更像是一本“音乐史的速查手册”，通过这些曲目，我能清晰地看到不同音乐风格是如何互相影响、演变的。那种学习的乐趣，是单纯听音乐无法替代的。对我而言，这本书的价值已经超越了工具书的范畴，更像是一张通往更广阔音乐世界的地图。

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作为一个资深业余乐手，我经常需要给不同的乐队担任替补乐手，这要求我必须具备极强的“即时适应能力”，听到一个和弦走向，就得能在几秒钟内反应过来。市面上很多乐谱集最大的弊端是，它们通常只提供最基础的和弦名称，比如“Am7”，但对于实际演奏中更常用的、更具色彩的和弦替代或延伸（比如“Am9”或“Am11/G”），往往语焉不详。这本书在这方面做得非常到位，它不仅仅满足了初学者的基本需求，更深入到了中高级乐手对“色彩”的追求。当我翻到一些特定的大乐团（Big Band）改编曲目时，我发现连那些非常细微的配器提示，虽然不涉及完整的管乐声部，但也足够让人理解原曲的精髓和张力所在。这让我感觉，我手里拿的不是一本简单的“Fake Book”，而更像是一本“标准爵士/流行乐配器指南”的精华浓缩版。这种深度，让我觉得物超所值，是任何一个希望将自己的演奏水平提升到专业水准的音乐人必备的参考书。

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我是一个对视觉呈现要求极高的人。坦白讲，很多早期的乐谱资料，排版简直是灾难，字迹模糊，五线谱和吉他谱（如果存在的话）混杂在一起，阅读体验简直是一场折磨。但是，这本《终极XX》在视觉设计上做到了令人赞叹的现代化和人性化。所有的符号都印刷得锐利清晰，对比度极佳，即使用昏暗的灯光进行练习，眼睛也不容易疲劳。我最欣赏的是它在曲目编排上的逻辑性——虽然曲目极多，但似乎是按照某种风格或年代脉络进行组织的，这使得我在有特定练习目标时，可以高效地定位到所需的内容，而不是漫无目的地翻找。举个例子，如果我今天想专注于练习“七声音阶的应用”，我可以快速找到那些和弦结构复杂的曲目进行针对性训练。这种精心设计的组织结构，无疑体现了编纂者对演奏者实际需求有着深刻的理解。它不只是一个堆砌曲目的仓库，更是一个经过深思熟虑的、可操作的学习平台。

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这本乐谱集简直是音乐学习者的救星，特别是对于像我这种热爱爵士和流行乐，但又苦于找不到全面、权威乐谱资源的新手来说。当我翻开它时，第一眼就被其令人惊叹的曲目覆盖面给震住了。它收录的不仅仅是那些耳熟能详的经典老歌，更有许多现代音乐中不可或缺的“必备曲目”。我特别欣赏编者在和弦标记上的细致入微，无论是复杂的七和弦、九和弦，还是更进阶的延伸音处理，都标注得清清楚楚，这对于深入理解和声进行至关重要。试想一下，你手里拿着一本曲谱，却对那些密密麻麻的升降记号和特殊的和弦符号感到茫然，那简直是灾难。但这本书不同，它似乎就是为实战设计的，每页纸的排版都清晰、简洁，非常适合在舞台上或排练时快速翻阅，不用担心因为查找困难而打断演奏的流畅性。而且，尽管曲目数量庞大，但纸张的质量和装订工艺也相当可靠，这对于经常需要“开合”和“摊平”乐谱的乐手来说，绝对是加分项。我甚至开始期待带着它去参加即兴演奏聚会，因为我有信心，无论别人点什么歌，我都能从中找到对应的和弦走向，迅速加入合奏。这份自信，是其他任何单一曲目集都无法给予的。

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我对乐谱集最挑剔的一点，就是它的耐用性和便携性之间的平衡。很多时候，超级厚的乐谱集虽然内容丰富，但根本无法平摊在键盘上或琴架上，书脊一合上，关键的和弦就看不见了，太影响演奏节奏。而轻薄的乐谱集虽然好携带，但往往几页就被翻烂了。这本书的物理设计似乎找到了一个绝佳的折衷点。它有足够的页数来承载海量的曲目，但整体的开本和重量控制得非常好，我甚至可以很方便地把它放在乐器包的侧袋里。更重要的是，它的装订方式似乎允许书籍在一定程度上被“压平”，这对于在有限的空间内进行演奏至关重要。我曾带着它去一个小型录音棚进行即兴伴奏工作，操作起来非常顺畅，没有因为乐谱本身的问题而导致任何尴尬的中断。这种对“使用场景”的关注，远超了一般乐谱出版商的平均水平，让人感觉到这套书的设计者是真正的使用者，而不是仅仅坐在办公室里编辑文字的人。

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