Comprehensive Technique for Jazz Musicians pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Ligon, Bert

出品人:

页数:328

译者:

出版时间:1999-1

价格:$ 33.84

装帧:Pap

isbn号码:9780634001765

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 英文
• 爵士乐
• 乐理
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• 综合技巧

爵士乐演奏的精深探究：超越音符的艺术与技艺 （本书旨在提供一个全面、深入的视角，探讨爵士乐演奏的核心技术、历史演变、以及个人风格的塑造，内容聚焦于实际操作、理论深度和审美体验，不涉及《Comprehensive Technique for Jazz Musicians》中可能涵盖的特定章节或练习。） --- 第一部分：和声的骨架与色彩的构建 本部分将彻底解构爵士乐和声的复杂结构，从基础的三和弦、七和弦的构建出发，逐步深入到更具现代感的九和弦、十一和弦、十三和弦的应用，以及更微妙的替代和弦（Alterations）和色彩音（Color Tones）的运用。 1. 现代爵士和声的解剖学： 我们将详细分析如何通过降五音替代（Tritone Substitution）来创造新的和声流动性，以及如何有效地使用小九和弦（m9）和属九和弦（Dom9）来增加张力。重点讲解了和声的垂直分析（Chord Voicings）——即如何在不同的音域和乐器上布置和弦，以达到特定的音响效果。例如，钢琴家如何使用内声部（Inner Voices）的移动来驱动和声的进行，以及贝斯手如何通过根音和五音的选择来定义和声的“重量感”。 2. 调式与和弦的关系重塑： 抛弃传统的“和弦-音阶”的简单对应模式，本书强调理解“和弦的内在调式性”（Chord-Scale Theory 的深度应用）。我们将探讨如何在高阶和弦（如 Lydian Dominant, Altered Dominant）中，精准地选择和运用特定的音阶和模式（Modes），以凸显其独特的色彩倾向。例如，在 V7(b9,5) 这样的高度紧张和弦上，如何策略性地运用减音阶（Diminished Scale）的片段来制造引人入胜的解构感。 3. 编曲思维在即兴中的体现： 即兴演奏的本质是个人化的和声编排。本书将深入研究如何将乐曲的“AABA”或“Blues”结构视为一个画布，在其中嵌入和声的“小插曲”（Harmonic Vignettes）。这包括如何在连接句（Bridge）中利用模态交换（Modal Interchange）来瞬间改变听觉环境，以及如何通过频繁且具有逻辑性的和弦替换，使即兴线条听起来像是经过精心“编写”的片段。 --- 第二部分：节奏的脉动与律动的自由 爵士乐的灵魂在于其对时间的独特处理方式——摇摆（Swing）和切分（Syncopation）。本部分旨在将乐手从机械的节拍器训练中解放出来，培养对时间感的内在感知。 1. 摇摆感的精细调校： “摇摆”不仅仅是二分音符的“长-短”三连音感觉。我们将细致区分不同时代和不同流派（如早期摇摆乐、比波普、冷爵士）中摇摆感的微妙差异。内容涵盖如何通过对前一个音的延迟（Slight Lag）和对后一个音的提前（Anticipation）来“推拉”节奏，从而创造出富有弹性的律动。特别强调鼓手在小军鼓（Snare Drum）上的“压制”与“释放”技巧，以及贝斯手在 walking bass 中的“推力”与“回弹”。 2. 跨小节的切分与对位： 高级节奏的运用要求演奏者能够将重音放置在预料之外的位置。本书详细分析了如何在多音乐器（如萨克斯风或小号）上，使用跨小节的乐句来“欺骗”听众对小节线的感知。我们研究了如何构建复杂的复节奏（Polyrhythm）——例如，在四拍子的框架下，巧妙地融入三连音或五连音的群组，使其在整体上保持和谐的张力。 3. 时间感的基础训练： 提供了一套侧重于内部听觉的节奏训练方法，而非单纯依赖外部节拍器。这包括“听觉记忆中的节奏片段循环”训练，以及如何在演奏复杂切分时，保持对“潜在的”四分音符根基的牢固把握。 --- 第三部分：旋律的叙事性与即兴的逻辑 即兴演奏是爵士乐的语言，而旋律就是这种语言的词汇和语法。本部分关注如何从技术练习转向富有意义的音乐表达。 1. 乐句的构建与发展（Phrasing）： 出色的即兴演奏者是优秀的“音乐演讲家”。我们将分析如何构建一个具有清晰“起承转合”的乐句。这包括乐句的开头（Hook）、发展（Elaboration）、高潮（Climax）以及收尾（Resolution）。重点讨论了如何在气息控制（对管乐手而言）或手指运动的连贯性（对键盘手而言）上，创造出类似人类语言的自然停顿和呼吸。 2. 主题的内化与变奏： 所有伟大的即兴都源于对原曲主题的深刻理解。本书提供了一套系统的方法，教导演奏者如何将主题的动机（Motif）进行分解、重组、拉伸和压缩。这包括如何利用原主题的音程关系来即兴创作全新的旋律线，从而使即兴听起来像是主题的自然“延伸”或“反思”，而非随机的音符堆砌。 3. 风格的借鉴与个性化融合： 我们将探讨如何系统地学习和吸收不同大师（如 Charlie Parker, Miles Davis, John Coltrane）的旋律语言。关键在于“识别模式”而非“模仿片段”。例如，分析 Parker 使用特定音程跳跃的偏好，或是 Davis 在特定和弦上倾向于使用长音符的策略。最终目标是提取这些元素，并将它们整合进演奏者自己独特的“音乐词汇库”中，形成清晰可辨的个人声音。 --- 第四部分：音色、动态与乐器掌控 爵士乐的感染力不仅在于演奏了什么，更在于“如何”演奏。本部分关注声音的物理和心理维度。 1. 动态范围的戏剧性运用： 爵士乐的动态范围往往比古典音乐更为极端。我们将探讨如何利用 ppp 到 fff 的所有层次来增加音乐的戏剧张力。对于铜管乐器，这涉及到对气流的精细控制；对于弦乐或钢琴，则涉及触键的力度和速度。重点分析了在乐曲中何时使用突然的动态变化（Sforzando），何时使用平滑的渐强渐弱（Crescendo/Diminuendo）来引导听众的情绪。 2. 音色的个性化探索： 音色是演奏者的“指纹”。对于萨克斯风手，这涉及对吹嘴、哨片、甚至是口腔形态的微调，以获取更“亮”或更“暗”的声音质感。对于钢琴手，则涉及对踏板的深层理解，以及如何利用键盘的“甜点”（Sweet Spots）来发出最具穿透力的声音。内容鼓励演奏者进行系统的音色实验，找到最能表达内心音乐愿景的声音特质。 3. 互动与对话的艺术： 爵士乐是音乐领域的即时对话。本部分着重于“聆听的深度”。如何在高强度的即兴中，捕捉到鼓手的微妙暗示？如何对贝斯手的低音线条做出恰当的旋律回应？这不仅仅是技术层面的配合，更是情感与意图上的即时反馈。我们将探讨如何通过“空间感”和“留白”来为其他乐手提供回应的机会，从而构建出真正有机、流动的合奏体验。 --- 结语：超越技巧的审美追求 本书的最终目标并非让读者成为一个技巧的“复读机”，而是成为一个具有深度理解力和创造力的音乐家。真正的掌握在于将和声、节奏和旋律的工具融合成一个无缝的整体，使每一次演奏都成为一次独特的、不可复制的艺术体验。这要求持续的自我批判、对音乐史的敬畏，以及对未知领域永不满足的好奇心。 ---

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这本厚重的乐谱集，光是翻开第一页，就让人感到一股学院派的严谨气息扑面而来。它不像市面上那些轻浮的速成指南，更像是一份沉甸甸的学术研究成果，对爵士乐的和声学和对位法进行了近乎病态的细致解剖。我花了整整一个下午的时间，试图理清其中关于“三全音替代”在复杂调式进行中的应用那几页，感觉自己不是在学习演奏，而是在攻读一个关于音响哲学的博士学位。作者似乎有一种执念，非要把爵士乐中最灵活、最即兴的元素，用最僵硬、最精确的数学公式来框定。尽管如此，对于那些渴望从“会弹”到“精通”的乐手来说，这种近乎苛刻的深度是无价的。它没有提供太多即时的、可以直接套用的“炫技”片段，而是构建了一个庞大的理论框架，让你在面对任何突发的即兴挑战时，都能找到背后的逻辑支撑。这本书的排版和纸张质量非常出色，那种墨香混合着纸张的粗粝感，让人在阅读时油然而生一种敬意，仿佛手中捧着的不是一本教材，而是一部历经时间考验的经典乐谱。我个人认为，它更适合那些已经有扎实基础，正在寻求突破瓶颈，对爵士乐的“为什么”比“怎么做”更感兴趣的进阶乐手。

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这本书的结构安排非常具有个人色彩，它不像传统的教材那样循序渐进，反而像是一场由作者主导的、充满个人偏好的“音乐漫游”。其中关于“特定时期比波普（Bebop）和声的起源探讨”那几章，简直像是一篇小型论文，引用了大量晦涩难懂的早期录音片段作为佐证。这对于想了解历史脉络的人来说固然有价值，但对于一个只想提高自己在酒吧里Solo时表现力的乐手来说，就显得有些“文不对题”了。我尤其欣赏作者在描述特定演奏家风格时所使用的那些极具画面感的语言，比如他形容迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的“留白”艺术时，那种“寂静比喧嚣更有重量”的论述，真的让人在合上书本后，久久不能平息对音乐的重新思考。然而，书中关于节奏部分的讨论却显得相对薄弱，更多的是对现有节奏型进行分类和标记，缺乏创新性的练习来强迫听众打破固有的节奏感。总的来说，它更像是一本“音乐评论与理论结合体”，而不是一本纯粹的“技巧手册”。

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说实话，我是在一个爵士乐研讨会上偶然听到有人提到这本书，当时的目标是想找一些能快速提升我现场表演的“干货”。拿到手后，我的第一反应是：这东西太“重”了，无论是从物理重量还是从知识密度上来说。我期望的是一些针对特定布鲁斯进行变奏的技巧，或者是一些关于如何用中音萨克斯风处理特定切分音的练习，但这本书里充斥着大量的和弦图表和看似无穷无尽的音阶练习，它们被编排得极其复杂，连贯性也显得有些跳跃。它更像是一个工具箱，里面塞满了各种精密的、形状奇特的扳手和螺丝刀，但它没有直接告诉我“拧紧这个螺丝”的具体步骤。我尝试跟着书上的一个长篇练习进行练习，发现速度要求高得离谱，而且对手指的独立性要求近乎非人。我必须承认，这本书可能对那些有着古典音乐背景、思维严谨的音乐家更友好。对于我这样一个主要靠听力和感觉来学习的爵士乐手来说，它更像是一个需要定期“朝拜”的理论圣典，而不是可以随时翻开来即刻使用的操作手册。我可能会把它放在书架的最高层，偶尔拿下来翻阅一下关于特定琶音连接的几页，但指望它能立刻改变我的演奏风格，恐怕是不现实的。

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我买这本书主要是冲着封面那张略显复古的字体和“Comprehensive Technique”这个承诺去的。坦白说，这本书的篇幅足以让人望而生畏，我必须承认我至今只啃完了前三分之一。最让我感到困惑的是，书中许多高级技巧的讲解，都是建立在一个假定读者已经完全掌握了某种特定领域知识的基础上的，比如，它会直接跳跃到讲解如何处理“九和弦减七的降五音”，而没有花时间去详细回顾如何准确地找到和清晰地演奏这些音符。这使得初学者在阅读时会感到极度的挫败感。反观那些强调“听力优先”的书籍，它们至少会提供一些辅助的听力练习来帮助你建立对这些音响的内部感知。这本书显然没有这个倾向，它更像是为那些已经能在复杂环境中信手拈来的音乐家们准备的“精修工具”。我偶尔会把它当作一本参考书来查阅某个特定的和弦转位规律，但作为一本“入门”或“全面”的指南，它显得过于高冷和不近人情了。如果作者能在保持其理论深度的同时，增加一些针对性的、可重复的练习范例，或许会更受欢迎。

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这本书最让我感到震撼的是它对于乐器差异性的处理方式。不同于许多只关注钢琴或吉他指法的教材，这本书的编写者似乎对每一种主要的爵士乐器（包括铜管、木管、以及节奏组）都有着深入的理解，并在不同的章节中，分别探讨了针对不同乐器在演奏特定技法时所面临的生理和机械限制。例如，在讨论“快速的半音阶跑动”时，它会同时提供萨克斯管的气息控制建议、小号的运舌技巧，甚至还有鼓手在处理复杂切分音时对镲片和脚的协调要求。这种跨乐器的全面视角，使得这本书不仅仅是为某一种乐器的演奏者准备的，而更像是一本旨在促进“全乐队理解”的指南。我个人是弹贝斯的，但在阅读了关于鼓组如何处理“失重感”的那几页后，我对如何在低音线上保持稳定的律动有了全新的认识。唯一的不足可能在于，由于要覆盖的范围太广，某些特定乐器的技巧探讨深度无法像只针对单一乐器的专业书籍那样达到极致，但对于想要成为一个全面音乐家的我来说，这种广度带来的视野提升是无可替代的。

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