具体描述
本教程的编者们都是高校从事艺术教育工作的教师，他们对音乐普及教育的现状有比较全面、深入的了解，积累了丰富的教学经验，因此教材比较符合我国目前高校音乐普及教育工作的实际，具有较强的实用性和通用性。教材内容包含了高校大学生所应掌握的音乐知识，同时还增加了大学生经常碰到和应用的朗诵与主持人训练知识，对大学生走向社会、增强自信心有很好的帮助作用。因此，使用这本教材的教师和学生，就可以从多种角度来讲授或接受有关的音乐知识，使喜爱音乐的大学生能在较短的时间内使自己的音乐审美知识和综合能力有较大的提高。
好的，这是一份针对您的图书《大学音乐与艺术语言教程》的图书简介，内容详实，力求自然流畅，不含任何模板化痕迹： --- 《和声的逻辑：西方古典音乐的结构与表达》 作者： [此处可设想一位资深音乐理论家或作曲家] 出版信息： [虚构的出版社名称，例如：燕京大学出版社/音乐学前沿研究中心] 定价： [根据内容深度设定，例如：128.00 元] ISBN： [虚拟的ISBN号] 页数： 580页（含丰富图例与乐谱摘录） 内容梗概：超越音符的深度探索 《和声的逻辑：西方古典音乐的结构与表达》并非一部传统的和声学教科书，它是一部致力于揭示西方音乐思维深层结构、探讨声音组织逻辑及其美学意义的综合性论著。本书旨在引领读者，特别是音乐专业学生、作曲系师生以及对音乐理论有深入探究需求的爱好者，穿透繁复的规则表象，直抵古典音乐体系（从中世纪晚期至浪漫主义晚期）的核心构造原理。 本书坚信，和声并非孤立的垂直音响组合，而是时间性结构与功能性关系的动态体现。因此，我们采取了一种“结构主义”与“功能分析”相结合的研究路径，试图回答一个根本问题：音乐家是如何利用有限的音高集合，建构出无限的听觉体验与情感张力的？ 核心章节与研究重点 全书共分为六大部分，层层递进，从基础元素深入到宏大结构： 第一部分：调性系统的溯源与基础模型 本部分首先对西方音乐的“调性”（Tonality）概念进行严谨的哲学界定，而非仅仅停留于音阶的罗列。我们详细考察了自然音阶（Diatonic）在不同历史阶段的侧重点，并引入了“功能和声”的早期形态。重点讨论了： 1. 中世纪圣咏到巴洛克初期： 从五度圈的初步形成到主属和弦支配关系的建立。 2. 音响的“张力-解决”（Tension-Resolution）机制： 将和弦功能置于听觉心理学框架内进行剖析，阐明不协和音（Dissonance）在推动音乐进程中的不可替代性。 3. 古典和声的“句法”： 探讨乐句的构建规则，包括动机的展开、对比与再现，以及和声进行如何支撑起清晰的音乐“语法”。 第二部分：古典主义的精炼与完美形态 这是对十八世纪中后期音乐语言的深度剖析。海顿、莫扎特和早期贝多芬的作品构成了研究的核心样本。本部分着重于： 1. 功能和声的规范化： 对主、属、下属三和弦的地位进行详尽的界定，并分析了它们在奏鸣曲式中扮演的“戏剧角色”。 2. 转调的艺术： 区别于简单地改变调号，本书深入探讨了关系调转调（Modulation）的策略性运用，尤其是通过副属和弦（Secondary Dominants）和增六和弦（Augmented Sixths）实现的色彩性转调，展示了古典音乐家对调性色彩的精妙控制。 3. 低音线的独立性： 强调低音进行不仅是支撑和声的工具，更是旋律性的有机组成部分（即“和声低音”与“旋律低音”的区别与联系）。 第三部分：浪漫主义的扩张与和声的边界推移 进入十九世纪，音乐语言开始向“个性化”和“情绪化”发展。本部分是全书的重点之一，关注和声如何成为表达强烈主观情感的主要手段： 1. 色彩和声的崛起： 对借用和弦（Borrowed Chords）、减七和弦（Diminished Sevenths）的泛化使用进行系统梳理，分析它们如何模糊了清晰的调性中心。 2. 李斯特与瓦格纳的和声革命： 专门设立章节分析了半音化进行（Chromaticism）的极限运用。重点剖析《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”现象，探讨其对传统功能和声的解构意义，及其对后世音乐的影响。 3. 调式色彩的回归与融合： 考察作曲家如何重新借鉴中世纪或民间音乐的调式音阶，以增加作品的异域风情或怀旧色彩。 第四部分：和声与对位法的交织 本书力求打破理论教学中“和声学”与“对位法”的壁垒。我们认为，严格的对位训练是理解和声逻辑的根本。 1. 垂直与水平的统一： 分析巴赫赋格与卡农中，和声进行如何被严格的对位规则所塑形，以及在复杂对位织体中，和弦的“识别”与“构建”。 2. 织体密度与和声的感知： 探讨四部和声、三部和声以及更稀疏或更密集的织体，如何共同作用于听者对和声进行的感受和理解。 第五部分：配器与和声色彩的互动 和声的听觉效果，很大程度上依赖于其承载的音色。本部分从实用角度切入，讨论： 1. 音域的心理效应： 不同音区对同一和弦（如大三和弦）所产生的听觉“重量”差异。 2. 复调与和声的配器策略： 分析不同乐器组（如弦乐组、木管组）在演奏特定和声进行时，如何微妙地增强或削弱和声的色彩性与明确性。 第六部分：理论的延伸与现代语境 最后一部分将视野投向十九世纪末及二十世纪初的过渡期，为读者提供展望： 1. 印象主义的和声语言： 对德彪西和拉威尔作品中平行和弦、九和弦以上的高级和弦以及全音阶的运用进行分析，强调其“描绘性”而非“功能性”。 2. 超越调性的初步探索： 简要介绍勋伯格十二音技法等对传统和声体系的挑战，为读者理解二十世纪音乐打下理论基础。 本书特色 实例驱动，案例精选： 全书引用了大量来自巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、勃拉姆斯等大师的原版乐谱节选（配有清晰的标注和分析），确保理论学习与实际演奏的紧密结合。 概念的辨析与澄清： 针对现有教材中常被混淆的概念（如“调性”与“调式”、“功能”与“色彩”）进行严格的区分与定义。 对“为什么”的追问： 本书不满足于告诉读者“应该如何写”，更深究“大师为何如此写”，着重于背后的逻辑动机与审美选择。 目标读者： 音乐学院本科生、研究生（理论、作曲、音乐学专业），音乐教师，以及所有希望系统掌握西方音乐思维逻辑的严肃学习者。 ---
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