具体描述
二十世纪初，许多外国人雇佣中国石匠大肆盗凿龙门石刻，他们选择的全是精品，以后流往欧美与日本。据1965年的初步统计，被盗痕迹达七百二十处之多。1951年以后，即使在十年“文革”期间，也没有再次发生人为破坏事件。但是，自然与工业交通的危害却在继续着。抢救、记录这些祖先们留下的无价之宝，已刻不容缓。
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读后感
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用户评价
读这本书的过程中，我体验到一种很奇特的“情感共振”。作者在描述那些饱经风霜的造像时，使用的词汇充满了敬意和怜悯，仿佛这些石像本身就是有生命的个体，它们经历了风雨的侵蚀，见证了王朝的更迭，却依然保持着信仰的坚定。这种叙事方式，让原本冰冷的石材，变得“有温度”起来。特别是在介绍那些受损严重的造像时，作者没有回避残缺，反而从中挖掘出一种“残缺之美”——那种破碎感反而更贴近人生的无常和历史的残酷。这种对“时间”和“磨损”的艺术化处理，让这本书的哲学意味远超一般的艺术鉴赏指南。我合上书本的时候，脑海里萦绕的不再是技术层面的分析，而是对信仰、时间以及人类文明持久力的深刻反思。
评分说实话，我最初买这本书是抱着一种“集齐”的心态，因为我对古代雕塑一直有种莫名的迷恋。坦白讲，市面上关于石窟艺术的书籍汗牛充栋，大多不过是图文的简单堆砌，或者把复杂的佛教教义塞得读者喘不过气。但这本书的编排逻辑，简直是教科书级别的典范。它摒弃了那种按时间顺序或地域划分的刻板结构，而是以“神性、人性、工匠性”这三个维度来解构雕刻艺术。比如，探讨“神性”的那一章，作者对佛陀面容上“寂灭”与“慈悲”的微妙平衡，分析得鞭辟入里，那种超越世俗的平静是如何被工匠的凿子定格的，简直让人拍案叫绝。再看“人性”部分，那些比丘、供养人的形象，他们的世俗的、略带疲惫的表情，与佛陀的超然形成了强烈的张力，这份张力就是艺术的生命力所在。这本书的价值在于，它提供了一套全新的观看体系，让我从一个“外行看热闹”的视角，提升到了一个“内行看门道”的层面。
评分这部书，光是捧在手里，那厚实的质感就让人心生敬畏。我原本以为，这是一本纯粹的学术著作，堆满了枯燥的考据和繁复的图像对比，但翻开之后，才发现自己完全想错了。它更像是一次深沉的、近乎冥想的行走，带你穿梭回那个千年前的石窟深处。作者的笔触极其细腻，不仅仅停留在对造像细节的描述上——比如某尊菩萨的衣纹如何如水般流畅，或者某位罗汉的嘴角如何凝固着一丝不易察觉的微笑——更深入到对“时代精神”的捕捉。他似乎能听见岩石内部千年的呼吸，将那些冰冷坚硬的佛像，重新赋予了鲜活的情感和信仰的力量。我尤其欣赏其中关于“空间性”的探讨，如何通过光影的变化、窟室的朝向，来营造出一种从世俗走向神圣的仪式感。读完后，我感觉自己不是在看图册，而是在敦煌研究院的壁画前，或是在云冈的佛龛前，被那种宏大而又内敛的佛教艺术精神深深震撼。这是一本需要静下心来，用慢节奏去品味的宝藏。
评分这本书的装帧和印刷质量，绝对是顶级的享受。我收到包裹时，就感觉分量十足，打开后发现，那些佛像的黑白和彩色印刷，简直是高清无损的视觉盛宴。很多细节，比如佛像脸部细微的裂痕、彩绘剥落后露出的底泥的纹理，都被精细地捕捉了下来。这不是那种为了炫耀色彩而过度渲染的印刷，而是忠实于原作的“物质性”呈现。我记得有一组关于“须弥座”的特写，那些繁复的莲瓣雕刻，每一片莲瓣的卷曲角度、内嵌的阴刻线，都清晰可见，让人能真切感受到石匠手中那份令人难以置信的耐心和技艺的精湛。对于我们这些无法时常亲赴现场的艺术爱好者来说，这样的实体书就是最好的“移动博物馆”。我甚至觉得，只看那些特写镜头，就足够值回票价了。
评分这是一部需要反复研读的工具书，尤其对于我们这些搞文史研究的来说，简直是案头必备的参考资料。与其他偏重于宣传或普及的读物不同，这本书的学术严谨性令人称道。作者似乎穷尽了所有可查阅的碑刻资料和地方志，对每一尊重要造像的题记、重修记录，都有详尽的交叉验证。我发现，书中对于某些长期存在争议的造像归属问题，提出了非常新颖且有力的论证角度，这对于我们修正已有的认识框架非常有帮助。它的价值不在于提供一个最终的、绝对的答案，而在于构建一个可以被质疑和继续深挖的学术平台。无论是想做深入研究，还是想为自己的专业知识增加一个坚实可靠的论据库，这本书都是一个无可替代的基石。
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