扬州曲艺志 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:江苏文艺出版社

作者:扬州曲艺志编委会

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页数:0

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出版时间:1993

价格:10

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好的，这是一本关于中国地方戏曲研究的专著的简介： 《徽州戏曲通史》 （约1500字） 本书全面梳理和深入剖析了徽州地区戏曲艺术自萌芽至成熟、流变与重塑的完整历史脉络。徽州，作为中国传统文化的重要发祥地之一，其戏曲艺术不仅是徽州地域文化的重要载体，更在中国戏曲发展史上占据了独特的、不可替代的地位。本书力求摆脱传统戏曲志的编年罗列和程式化描述，转而采取宏观的文化史视野与微观的文本细读相结合的研究方法，构建了一部具有扎实田野基础和深厚文献支撑的徽州戏曲通史。 全书共分为六个主要部分，层层递进，结构严谨。 第一部分：徽州戏曲的地理溯源与文化土壤 本部分着重探讨了孕育徽州戏曲的独特自然环境、社会经济结构与宗族文化的影响。徽州特殊的“山水田园”格局如何催生了对情感宣泄和宗教仪式的独特需求，成为早期民间歌舞和“社火”活动的基础。我们考察了明代徽商的崛起如何为戏曲的繁荣提供了物质基础和审美导向。特别指出，徽州地区深厚的理学传统与民间戏曲中隐含的伦理观念之间的张力与互动，是理解徽州戏曲精神内核的关键。 第二部分：徽剧的形成、定型与“皮黄腔”的诞生 这是全书的核心与重镇。本书详细考察了从清代中叶开始，以“徽调”为代表的民间班社的活动轨迹。通过对现存散佚的徽剧戏本、乐谱片段以及清代笔记、地方志中关于班社记载的爬梳，构建了徽剧“乱弹”、“胡弹”、“高拨子腔”等声腔体系的演变路径。重点分析了“皮簧革命”的内在逻辑——即徽剧艺人如何将“西皮”、“二黄”等江淮声腔融入并改造徽州原有声腔，最终形成独树一帜的“皮黄腔”。研究认为，皮黄腔的成熟并非偶然，而是徽州艺人基于自身审美趣味对新兴声腔进行“本土化”再创造的结果。 第三部分：徽剧的南下与“京师化”的剧变 本部分聚焦于十八世纪末至十九世纪初，徽班进京的重大历史事件。我们不仅描摹了徽班在北京的演出盛况，更深入分析了徽剧（后称京剧前身）在皇室、贵族以及民间消费群体影响下所经历的剧烈“化学反应”。探讨了徽剧如何吸收昆曲、汉调等元素，在剧目结构、表演程式、扮相等各个方面发生质的飞跃。不同于以往将此过程视为简单的“融合”，本书强调了徽班在适应新环境时所展现出的强大的文化吸纳力与主动的审美选择性。通过比对清宫档案中关于“徽班进京”的记载，还原了徽州艺人从“外来者”到“国粹奠基人”的身份转变历程。 第四部分：徽州本土戏曲的坚守与地方化发展 在京城声名鹊起的彼端，徽州本土的戏曲艺术并未停滞。本部分将目光投向皖南山区和徽州府县，考察了在“皮黄腔”向外扩散的同时，地方戏曲（如“祁剧”、“黟腔”等）如何保持其原有的质朴与民俗色彩。通过对传统节庆戏、宗祠祭祀戏等田野资料的整理，展现了徽州戏曲在“下里巴文”层面的生命力。这部分内容揭示了中国戏曲艺术在不同地理空间中，如何实现“雅俗共赏”的动态平衡。 第五部分：戏曲中的徽州文化意象与审美特质 本书超越了对剧种和腔调的音乐学分析，进入到文本细读层面。我们选取了具有代表性的徽剧戏目和民间脚色，分析其中所蕴含的商业伦理、乡土情结、孝道观念以及对官场腐败的讽刺。徽州戏曲的审美特质，例如对“做功”的强调、对复杂人物内心世界的刻画（如对贪官污吏和失意文人的刻画），被视为徽州社会特定心理解压阀的艺术投射。 第六部分：近现代的挑战、传承与保护 从晚清衰落到民国时期商业性演出的兴起，再到新中国成立后的革新与重塑，本部分勾勒了徽州戏曲在时代洪流中的命运。重点讨论了在现代大众娱乐方式冲击下，徽州传统班社的瓦解过程，以及当代学者和文化机构为抢救性保护所做的努力。本书以一种审慎而乐观的态度，展望了徽州戏曲文化符号如何在当代舞台和非遗传承中获得新的生命力。 研究特色与价值： 本书的最大特色在于其跨学科的研究视野，融合了历史学、人类学、音乐学和文学批评的方法。它不仅是一部艺术史，更是一部微观的社会文化史。通过对大量未曾被充分利用的地方志、家谱、班社账簿以及口述史料的重新诠释，本书为研究中国戏曲的区域性特征及其向全国性影响转化的复杂过程，提供了详实可靠的个案分析和全新的理论视角。它清晰地勾勒出徽州文化群体如何以一种低调而强大的力量，塑造了中国近现代舞台艺术的核心面貌。

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这本书的整体氛围是温暖且充满敬意的，字里行间流淌着对扬州这片土地上艺术生命力的深切热爱。它没有刻意去拔高曲艺的地位，而是将其置于一个更宏大、更具人情味的生活图景中去审视。我特别欣赏其中穿插的那些带有“人味儿”的小故事，比如某位老艺人在贫困中坚持收徒、或是某段段子因为讽刺力度太大而一度被禁演的细节。这些故事让冰冷的文字瞬间有了温度，让我们看到了艺术家们是如何在生计与艺术理想之间艰难周旋的。它让人意识到，每一个成功的表演背后，都凝结着无数个普通人的汗水、坚持和智慧。合上书本时，我心中涌起的不是知识的满足，而是一种对那些默默守护传统文化的无名英雄的深深的感激和缅怀。这是一本让人读完后，会忍不住想去扬州老街走走，去寻找那些流传下来的旋律的“引路书”。

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这部名为《扬州曲艺志》的著作，着实让人眼前一亮。从装帧设计上来看，便能感受到一种沉淀下来的历史厚重感，那种古朴典雅的字体选择和恰到好处的留白处理，都让人在翻开扉页之前，就已经对书中的内容产生了由衷的敬意。我本是抱着了解地方戏曲风貌的心态去阅读的，但很快便发现，这不仅仅是一部单纯的“志”——它更像是一部饱含情感的文化史诗。书中对各个流派的源起、传承，以及那些已经消逝在时光中的老艺人的生平轶事，描摹得细致入微，仿佛能够听到当年茶馆里咿咿呀呀的唱腔，闻到那股子旧时戏园子的特有气味。尤其是那些关于曲艺创作环境和社会背景的论述，穿插得极为自然，让人在欣赏艺术形式美的同时，也能深刻理解其能够在扬州那片水土上扎根、繁茂的原因。这种将艺术与生活紧密结合的叙事手法，极大地提升了阅读的体验，让我对扬州这座城市的文化底蕴有了更深层次的感悟。

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说实话，我拿到这本书时，内心其实是有些许忐忑的。因为我对曲艺这种传统艺术形式的了解，大多停留在一些碎片化的印象中，担心这本“志”会过于学术化、过于枯燥乏味，读起来会像是在啃一本厚厚的教科书。然而，这本书的文字驾驭能力简直令人叹为观止。作者似乎有一种魔力，能将那些繁复的程式化表演技巧，用一种极其生动活泼、甚至带有一丝烟火气的语言描述出来。举个例子，书中对某个特定段子的表演节奏把握的剖析，不是冷冰冰的技法解析，而是仿佛一位经验丰富的行家在耳边娓娓道来，告诉你“这里该收着点力气，让听众喘口气，才能为下一句的爆发积蓄能量”。这种叙事策略，极大地拉近了专业知识与普通读者之间的距离，让原本高不可攀的“艺术殿堂”变得亲切起来，让人忍不住想放下书本，去寻找相关的音频资料，亲自感受那种韵味。

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从阅读体验的流畅性来看，这本书的处理方式非常巧妙，避免了传统地方志中常见的条目堆砌和结构僵硬的问题。它不像是在编纂一部冷冰冰的档案，而更像是在讲述一个绵延不绝的家族故事。章节之间的过渡自然流畅，即便是跨越了数十年甚至上百年的时间尺度，读起来也毫无割裂感。我对书中对于“说、学、逗、唱”各项技艺中，那些不易察觉的微妙区别之处的探讨印象尤为深刻。例如，书中如何区分“评话”与“弹词”在叙事侧重上的细微差异，那简直就是一种微观的美学分析。这些深入到肌理层的探讨，不仅满足了专业人士的好奇心，更重要的是，它提升了普通读者对“欣赏”的层次。读完后，我感觉自己对任何一种表演艺术的观察角度都变得更加敏锐和挑剔了，这是一种知识的赋能，非常值得称赞。

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作为一名略有涉猎地方历史的爱好者，我发现这本书在资料的广度和深度上都达到了一个令人惊叹的水准。它似乎穷尽了所有能找到的史料，从官方的文献记录到民间口述的回忆，都进行了交叉印证和细致的梳理。阅读过程中，我几次停下来，在脑海中构建那个曾经繁华的扬州曲艺场景——那些搭台子、拉关系、与江湖说书人竞争的幕后故事，比台前的表演本身更引人入胜。更难能可贵的是，作者在处理那些近现代的变迁时，保持了一种审慎而尊重的态度，既不回避历史的伤痕，也不过度拔高和浪漫化，而是客观地呈现了曲艺在时代洪流中如何挣扎、适应与重生。这种对历史脉络的精准把握和克制的表达，让这本书的价值远远超越了一般的地方志范畴，它成为了一份关于“文化韧性”的生动注脚。

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