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出版者:大连理工大

作者:法国金字塔出版社

出品人:

页数:253

译者:刘卉

出版时间:2007-8

价格:200.00元

装帧:

isbn号码:9787561136751

丛书系列:

图书标签:

• 设计
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视觉的回响：穿越时空的平面设计之旅 这本书并非对欧洲特定时期平面设计的详尽梳理，也非局限于某种单一的风格流派。相反，它将带领读者踏上一段广阔而深刻的视觉探索之旅，追溯那些塑造了现代设计理念、影响了我们感知世界方式的普适性原则与变革。我们将聚焦于那些超越地域限制、成为设计语言基石的洞见与创新，从历史的长河中提炼出影响深远的视觉策略，并审视它们如何在不同的文化背景下生根发芽、演变发展。 本书的起点并非一个地理坐标，而是一个概念性的原点：秩序与混沌的辩证统一。我们将探讨设计如何通过引入结构、逻辑与和谐来驯服纷繁复杂的信息，同时又如何借助意外、对比与张力来激发观者的好奇与思考。从古老的刻纹到印刷术的革命，再到数字时代的像素跳跃，每一次技术的飞跃都为设计师提供了新的工具，也带来了新的挑战。我们不会沉溺于对某一时期技术细节的描摹，而是关注技术如何改变了信息的呈现方式，以及设计师如何驾驭这些新媒介，创造出更具表现力和传播力的视觉语言。 我们还将深入人类视觉感知与认知的奥秘。设计不仅仅是关于美学，更是关于沟通。本书将触及格式塔原理、色彩心理学、以及叙事性构图等基本原理，这些原理跨越了文化与时间的界限，是理解为何某些视觉元素能够引发特定情感、传达清晰信息的关键。我们将观察这些原则如何在不同的设计实践中被巧妙运用，无论是用于构建易于理解的标志，还是用于引导复杂的阅读流程，亦或是营造引人入胜的叙事空间。 旅程中，我们将关注符号的演变与象征的力量。符号是设计的核心组成部分，它们浓缩了意义，简化了沟通。从部落图腾到现代的图标系统，从宗教的象征到商业的品牌标识，本书将探讨符号如何随着历史进程不断被赋予新的内涵，以及设计师如何通过创造、重塑和组合符号来构建意义，影响社会认知。我们将分析那些经典的符号设计，并非为了复制，而是为了理解它们背后蕴含的深层逻辑和文化根基。 同时，本书也致力于揭示形式与功能的共生关系。优秀的设计并非华丽外表的堆砌，而是功能需求的深刻回应。我们将审视设计如何通过清晰的结构、合理的布局和直观的交互来服务于用户的需求，以及如何在满足功能性的同时，注入独特的审美情趣与文化底蕴。我们将从更宏观的视角出发，思考设计在社会、经济和文化领域所扮演的角色，以及它如何潜移默化地塑造着我们的生活方式和价值观念。 此外，我们还将探讨创新与传统的张力。设计史并非线性的进步，而是充满了对过去的借鉴、对现状的挑战以及对未来的畅想。我们将审视那些敢于突破常规、颠覆传统的设计师与运动，理解他们创新的动因，分析他们的实践如何为设计领域注入新的活力。然而，创新并非凭空而来，它往往根植于对历史经验的理解和对文化传统的尊重。本书将关注如何在传承经典的同时，开辟新的视觉路径。 本书的语言将力求简洁、清晰且富于启发性，避免使用过于专业或学院派的术语，旨在让所有对视觉传达感兴趣的读者都能从中获得启发。我们所呈现的并非一个封闭的知识体系，而是一个开放的邀请，鼓励读者带着自己的观察与思考，去发现隐藏在日常视觉信息中的设计智慧，去理解那些跨越界限、连接人心的视觉语言。 最终，这本书希望成为一面镜子，映照出我们身处其中的视觉世界，帮助读者理解那些驱动设计的普遍力量，培养一种更具洞察力和批判性的视觉素养，从而更好地理解设计，并在这个日益信息化的时代中，更有效地进行自我表达与沟通。

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对于一个在数字媒体领域摸索的设计师来说，了解传统印刷媒介的精髓至关重要。这本书就提供了一个绝佳的桥梁。它详细拆解了物理世界的限制是如何催生出卓越的创意解决方案的。从活字印刷的精度要求，到胶印的套色误差，再到纸张吸收油墨的特性，这些“硬性条件”在过去是如何被设计师巧妙地转化为视觉语言的，书中都有详尽的描述。我特别关注了其中关于书籍装帧中线装与骑马钉工艺选择对阅读体验影响的章节，这种从材料学角度切入的设计分析，是很多纯粹关注屏幕设计的人所缺失的。更难得的是，作者成功地将这些传统工艺的知识，转化成了可以应用于当代数字界面设计的思考模型，比如如何利用“断点”和“边界感”来模拟实体媒介的物理体验。这本书的语言风格是那种非常严谨的学术论述，但它并非高不可攀，而是通过详实的图表和严谨的逻辑链条，引导读者一步步理解那些看似老旧的技术背后的设计哲学。读完后，我对“媒介的局限性是创意的催化剂”有了更深刻的体会。

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这本书绝对是视觉传达领域的一股清流！我是在寻找一些关于字体排印和版式设计的灵感时偶然翻到它的。首先，装帧设计本身就非常考究，纸张的质感和油墨的印制都透露出一种对细节的极致追求，这对于一本讨论“设计”的书来说，无疑是一个极好的开场白。内容上，它并没有过多地纠缠于那些已经泛滥的、关于某个设计大师的生平轶事，而是将笔触深入到“结构”和“逻辑”的层面。我特别喜欢其中关于网格系统如何影响信息层级构建的那几章，作者用非常清晰的图示和深入浅出的文字，将原本枯燥的数学原理与实际的视觉效果完美结合起来，让我对“留白”的理解上升到了一个新的高度——它不再仅仅是“空白区域”，而是有目的、有方向的引导线。这本书更像是一本“设计思维的工具箱”，它教会的不是如何复制某个成功的案例，而是如何建立一套属于自己的、严谨的设计判断体系。对于任何一个想要从“美工”进阶到“设计师”的人来说，这都是一本案头必备的经典。它提供的不仅仅是案例，更是一种看待世界和信息组织方式的全新视角，读完后，我发现自己看任何平面作品都会不自觉地用这本书里提到的标准去审视，受益匪浅。

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我通常对市面上那些追逐潮流的设计书籍不太感冒，它们往往热衷于展示最新、最炫的软件效果，但内核却空洞无物。但这本另辟蹊径，它似乎在向我们宣告一个朴素的真理：优秀的设计是跨越时代的。它的大部分篇幅聚焦于那些看似简单、实则蕴含深意的经典作品分析。作者的解读角度非常刁钻，总能从一个非常细微的点切入，然后层层剥开，最终揭示出作品背后的复杂思考过程。举个例子，书中对某张上世纪中叶的海报的分析，仅仅用了不到三页的篇幅，却把图形的平衡、文字的呼吸感以及所传达的情绪张力都分析得入木三分，让我这个已经从业多年的老手都感到醍醐灌顶。这本书的排版本身也是一个绝佳的范例，它在展示自身内容时，就在无声地证明它所倡导的原则——清晰、克制、有效。我不会把它当作一本速查手册，而更愿意把它当作一本可以常年摆在桌边，随时翻阅、每次都能获得新感悟的“定海神针”。它真正关心的是“为什么”，而不是“怎么做”。

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坦白说，当我打开这本厚重的书籍时，内心是有些忐忑的，我担心它会是那种故作高深、充斥着大量晦涩理论的学术著作。然而，事实证明我的顾虑完全是多余的。这本书的叙事方式极其流畅和富有感染力，仿佛一位经验丰富的老者在耐心地向你讲述他多年来在设计战壕里摸爬滚打的心得体会。它没有直接抛出结论，而是通过一系列精心挑选的历史脉络和文化背景，来佐证某些设计原则的必然性。例如，书中对包豪斯设计理念在不同历史阶段的演变进行了细致的剖析，对比了不同地域的文化对几何形态和色彩运用的微妙影响。这种“以史为鉴”的手法，使得那些原本抽象的理论变得有血有肉，充满了时代的气息。特别是关于色彩心理学和其在广告设计中的应用，作者引用了大量的社会学研究成果，使得结论不仅仅停留在“好看”的层面，而是具有了扎实的社会科学支撑。我尤其欣赏作者在行文中偶尔流露出的那种批判性思维，它鼓励读者去质疑既有的规范，去探索那些尚未被充分发掘的设计可能性。这本书读起来像是一场深度访谈，充满智慧的火花，让人欲罢不能，非常适合作为深入研究的参考资料。

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与其说这是一本关于设计的书，不如说它是一本关于视觉沟通效率的书籍。这本书的重点放在了“清晰”和“目的性”上，它毫不留情地批评了那些为了追求形式感而牺牲信息传递效率的作品。作者用一种近乎冷酷的客观性，审视了不同设计流派在实现沟通目标上的成败案例。我最欣赏它对“信息密度”的处理方式。书中提出了一套评估信息复杂度和视觉负荷的指标体系，虽然这些指标带有强烈的个人色彩，但它们提供了一个量化分析的思路，让我们不再仅仅停留在“感觉这个设计很好”的主观判断上。它更像是工程师的设计手册，强调的是“功能优先于装饰”。在讨论企业视觉识别系统（VI）的部分，作者的分析尤为精辟，他揭示了成功商标背后的简洁性是如何通过严苛的简化过程和对核心价值的提炼达成的。这本书的风格非常务实，没有华丽的辞藻，字字珠玑，每一句话都似乎经过了反复的推敲和打磨，直指核心。对于需要设计面向大众、强调实效性的项目来说，这本书提供了极具价值的思维框架和实操指导。

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