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出版者:Stadt Krefeld, Der Oberstadtdirektor

作者:Luc Tuymans

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1993

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9783926530639

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 当代艺术
• 比利时艺术
• 抽象艺术
• 肖像画
• 历史绘画
• 艺术史
• 卢克·图伊曼斯
• 现代艺术
• 艺术 monograph

镜面迷宫与记忆的残响：探寻现代绘画的幽微边界 书籍名称： 《色调的折射：当代视觉艺术中的模糊与界限》 图书简介 这部近乎百科全书式的著作，深入剖析了二十世纪末至二十一世纪初，在宏大叙事退潮之后，当代绘画艺术如何转向对“瞬间的感知”、“记忆的结构”以及“视觉媒介的物质性”的细致勘探。它并非一部关于单一艺术家的传记或作品集，而是一次对特定历史语境下，一系列重要艺术实践的深度田野调查。 本书的核心论点在于：随着照相技术和数字影像的普及，传统绘画的“再现性”功能被彻底解构，艺术家的画布不再是描摹现实的窗口，而成为一个“认知实验室”。在这个实验室里，颜料、光线和画布的物理存在本身，与被描绘的对象同等重要，甚至更为核心。 全书分为五个相互关联但又独立成章的部分，结构严谨，论证细密： --- 第一部分：视觉的贫血与色彩的重量（The Anemia of Vision and the Weight of Pigment） 本章首先追溯了战后艺术语境下，抽象表现主义的过度情绪化表达如何遭遇冷战末期的理性回潮。作者提出了一种“视觉的贫血”状态——即图像的饱和度降低，色彩的使用趋于克制、低饱和度，甚至偏向于“病态”或“褪色”的色调。 我们不再面对直接的、情绪充沛的色彩爆炸，而是转向了那些仿佛被时间漂白、被信息流冲刷过的中间色调。这种色彩选择，并非源于技术限制，而是一种审慎的立场表达：对“直接经验”的怀疑，对“明确意义”的回避。本章详细分析了如格哈德·里希特（Gerhard Richter）早期模糊处理（blurring）技术如何成为一种拒绝确定性的哲学姿态，以及它如何影响了随后一代艺术家对“可见性”与“不可见性”之间张力的把握。 此外，本章对颜料本身的物质性进行了深入探讨。厚涂、刮擦、渗漏，颜料不再是隐形的载体，而是拥有自身重量、肌理和历史的实体。通过对不同媒介（油彩、丙烯、乳胶漆）在特定光照条件下的反射率分析，展示了艺术家如何通过对物质的控制，来暗示时间的停滞或加速。 --- 第二部分：叙事的碎片化与历史的幽灵（Fragmented Narratives and the Ghosts of History） 当代绘画的第二个重要转向是其对“宏大叙事”的解构与重组。本书认为，艺术不再试图讲述一个完整的、线性的故事，而是专注于收集和重组“剩余的片段”——那些在历史记录中被边缘化、被遗忘的瞬间或场景。 这一部分着重探讨了“历史绘画”在后现代语境下的变异。艺术家们不再绘制英雄史诗或重大事件，而是聚焦于档案照片、新闻快照、或者私人记忆中模糊不清的场景。这些图像往往是“二手信息”：它们是信息被复制、传播、误读后的残余物。 作者引入了“时间差”（Time Lag）的概念，用以描述当图像从其原始情境中抽离出来，进入艺术家的工作室后所产生的一种时间上的错位。被描绘的场景可能是上世纪中叶的，但其处理方式却是尖锐的当代性的。这种错位制造了一种不安感，迫使观者去思考：我们所看到的“历史”，究竟是何种程度的真实？本章通过分析那些描绘空旷室内、无人场景以及媒体事件后遗留画面的作品，阐释了这种“幽灵般的”在场感。 --- 第三部分：空间、尺度与感知错位（Space, Scale, and Perceptual Dislocation） 本章将视角转向绘画的物理维度：画布的尺度、观看的距离，以及由此产生的空间感。在巨幅作品日益流行的背景下，一些艺术家选择了看似“无害”的中小型尺寸，这引发了关于“私密性”与“公共性”的讨论。 书中详细分析了两种空间处理策略： 1. 入侵式尺度 (Intrusive Scale)： 当作品的尺寸超越了人类的正常视野范围时，画面不再是被“看入”的景观，而是反过来“包围”和“压迫”观者，迫使身体进入一种被动接受的状态。 2. 压缩的景深 (Compressed Depth)： 许多作品刻意消弭了传统透视法所建立的深度感，将前景、中景和背景推挤在一起，形成一种平面化的、但又充满张力的视觉场域。这种处理方式有效地消除了“窗户”的幻觉，将画布重新确立为一块具有厚度的界限。 通过对比不同尺度的作品如何影响观者的身体反应和注意力分散机制，作者揭示了绘画如何通过对物理空间的操纵，来重塑认知的结构。我们不再仅仅“看”一幅画，而是与它所构建的物理环境进行“测距”。 --- 第四部分：图像的自我反思：媒介的透明性（Self-Reflection of the Image: The Transparency of Medium） 在数字时代，图像的“可替代性”成为一个核心议题。本章探讨了艺术家如何利用绘画的“慢”和“手工性”，来对抗数字图像的即时性和易逝性。 这里的“自我反思”指的是图像对自身媒介属性的自觉强调。画家们不再试图隐藏笔触或颜料的痕迹，而是将这些痕迹放大、异化。例如，画面中故意留下的底色裸露、颜料堆积的区域，或是清晰可见的修复和覆盖痕迹，都像是在对观众耳语：“请注意，你正在看的是一层涂料，而不是一个窗口。” 本书认为，这种对媒介透明性的强调，是当代绘画抵抗图像泛滥的一种策略。它要求观者参与到一种“重新建构”的过程中，将注意力从“描绘了什么”转移到“如何被描绘”。当图像开始谈论其自身的构成时，它就获得了对抗过度消费的韧性。 --- 第五部分：观看的伦理与不确定性的美学（The Ethics of Viewing and the Aesthetics of Uncertainty） 最后一章将前述的分析提升到哲学和伦理的高度。如果艺术不再提供确定的真理或明确的情感宣泄，那么它留给观者的究竟是什么？ 作者指出，这种以克制、模糊和碎片化为特征的当代绘画，实际上建立了一种“不确定性的美学”。它拒绝提供心理安慰，而是要求观者承担起理解的责任。模糊的边缘、未完成的状态、褪色的色调，共同营造了一种审慎的、带有距离感的观看姿态。 这种观看姿态被赋予了一种伦理意义：在信息爆炸、立场先行的新闻环境中，艺术提供的“不确定性”反而成为一种解放。它迫使我们接受复杂性、容忍矛盾，并认识到许多重要的事物（记忆、历史、情感）本质上是难以被完全捕捉和定义的。 《色调的折射》最终描绘了一幅当代艺术的肖像：它谦逊、审慎，却又极其坚韧地，在视觉的洪流中，为我们保留了一片需要我们自己用感知去填补的、充满回响的空白地带。它是一部关于“如何观看一个正在消逝的世界”的深度研究。

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这位画家近期的作品集，说实话，给我带来了一种难以言喻的复杂情绪。翻开这本厚重的册子，首先映入眼帘的不是色彩的狂欢，而是一种近乎于冥想的、沉静的氛围。他对于“图像”本身的探讨，似乎比以往更加深入和尖锐。我尤其欣赏其中几幅对历史照片的重新诠释，那种模棱两可的处理方式，既让你清晰地辨认出事件的轮廓，又在细节上留下了大量的模糊空间，仿佛蒙上了一层既透明又厚重的纱。这种处理手法，不像是在描绘过去，更像是在邀请观者一同参与到记忆的建构过程中。观摩这些画作时，我常常会陷入一种对“观看”行为本身的审视——我们是如何接收信息，又是如何过滤和重塑我们所见的现实的？有些画面尺度极大，但其内在的张力却极其克制，没有丝毫多余的笔触，每一个色块的并置都像经过精确的数学计算，却又奇妙地保留了油画媒介独有的那种呼吸感和温度。这本画册的装帧设计也十分考究，纸张的选择和印刷的精度，都恰到好处地烘托了原作那种疏离而又精致的美学气质，让人在触摸和翻阅的过程中，也能感受到艺术品本身的质感。

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如果用一个词来概括我对这本作品集的整体印象，那可能是“克制的精确性”。Tuymans的画面总是带着一种奇特的距离感，他似乎在刻意拉开艺术家与描绘对象之间的情感连接，但这并非冷漠，而是一种更高级的审视。他描绘的场景常常是经过了两次或三次的图像转化——可能是基于照片，可能是基于已有的绘画，甚至是基于记忆的重构。这本画册精彩地捕捉了这种多重媒介的渗透性。我特别喜欢其中对建筑和空间的处理，那些几何线条的冷硬与画布材料的柔性之间产生了有趣的张力。这些空间不是用来居住的，而是用来展示“被观看”这一行为本身的剧场。整本画册的排版设计也极大地服务了这种“距离感”，留白很多，字体选择也偏向于简洁、无衬线体，仿佛在提醒读者，我们正在阅读的是一份经过高度提纯的、去情绪化的视觉报告。这种极简的包装，反而让画面本身那股潜藏的、难以言喻的心理压力得到了更充分的释放。

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我尝试用一种完全不同的视角来解读这本画册所呈现的艺术景观，把它看作是一场关于“缺席”与“在场”的哲学辩论。Tuymans似乎热衷于捕捉那些“应该存在但却消失了”的瞬间。那些空旷的室内场景，那些被截断的人物边缘，无不透露出一种强烈的存在主义焦虑。他没有直接描绘宏大的叙事，而是专注于那种悬而未决的状态，仿佛一出戏已经落幕，但舞台上的灯光尚未熄灭，空气中还残留着演员们刚刚离去的余温。这使得每一幅画都成为一个等待被填补的空洞，而填补者的任务，自然就落到了我们这些旁观者的肩上。这种邀请，与其说是创作上的慷慨，不如说是一种对观者主动性的挑战。我特别注意到他对光线的运用，那光线总是有些怪异，并非自然光，而是某种人工的、舞台性的照明，它精准地勾勒出事物的轮廓，却又将事物的内在意义推向了更深远的迷雾之中。这本作品集，与其说是一本艺术图录，不如说是一本关于“如何面对空白”的视觉笔记。

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这本书的编排结构本身就构成了一种独特的叙事体验。它并非按照时间线或者主题进行简单的罗列，而是采用了跳跃式的、近乎于梦境般的片段组合。你可能前一页还在看一幅巨幅的室内场景，下一页就是一张袖珍般的小幅静物特写，这种节奏的突然变化，迫使读者的注意力不断地进行焦点的快速调整。我发现这种并置产生了奇特的化学反应：那些宏大的、具有历史暗示性的作品，通过与那些看似微不足道的细节并列，反而被拉回到了日常的、可触摸的尺度上。这让我联想到一些早期先锋派电影的剪辑手法，它拒绝提供一个线性的理解路径，而是依赖于观众自身的联想力来构建意义的桥梁。这种阅读体验是主动的、甚至可以说是需要耗费精力的，但一旦你适应了这种节奏，你会发现它比那些信息量爆炸的画册更耐人寻味，它留给你的思考空间远大于它直接展示给你的内容。

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说实话，刚开始接触这类作品时，我感到了一定的疏离感，仿佛隔着一层冰冷的玻璃在观察。但随着我耐下性子，深入到那些看似单调的灰色调和米黄色调中时，那种微妙的层次感才逐渐浮现出来。这远非简单的单色调运用，而是对色彩细微变异的极致捕捉。每一块看似平涂的区域，放大后都能发现笔触内部的流动与纠缠，那种微妙的肌理变化，是任何数字复制品都难以企及的。这本画册的编辑显然深谙原作的魅力，他们没有试图用过度饱和的色彩来“讨好”读者，而是忠实地还原了那种略显压抑、近乎于素描质感的油画效果。我感觉，艺术家正在用一种近乎于百科全书式的冷静，去记录这个时代某些不易被察觉的侧面。那些看似日常的场景——办公桌、窗帘、略微倾斜的肖像——在经过他这双眼睛的过滤后，都带上了一种历史性的重量感，仿佛它们都是被郑重收录进未来档案馆的文物。

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