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出版者:

作者:陈挺通

出品人:

页数:93

译者:

出版时间:2007-6

价格:33.00元

装帧:

isbn号码:9787884977628

丛书系列:

图书标签:

• 高考
• 美术
• 艺考
• 绘画
• 素描
• 色彩
• 速写
• 设计
• 考研
• 艺术类

好的，以下是为您构思的一份不包含《高考美术》内容的图书简介，字数控制在1500字左右，力求内容详实且自然流畅： --- 书名：《古韵新声：中国传统音乐的活态传承与创新实践》 作者： 张 乐 鸣 出版社： 文脉东方出版集团 定价： 128.00 元 ISBN： 978-7-80586-XXXX-X --- 内容简介： 拨动历史的琴弦，聆听当下的和声——一部关于中国传统音乐生命力的深度考察与未来展望的著作。 在科技浪潮席卷全球，文化景观瞬息万变的今天，中国传统音乐——这片承载着数千年民族记忆与审美情趣的文化沃土——正面临着前所未有的挑战与机遇。它们不再是博物馆中静默的展品，而是需要在现代语境中寻找新生的活水源流。《古韵新声：中国传统音乐的活态传承与创新实践》，正是这样一部试图穿透表象，直抵精神内核，探寻传统音乐如何安放于当代人精神世界的重量级学术与思想著作。 本书并非简单的乐理或曲目汇编，它是一场深入田野、穿越时空的心灵漫游。作者张乐鸣先生，作为国内知名的音乐人类学家与非物质文化遗产研究专家，以其三十余载的田野考察积累，带领读者走入秦川大地的信天游嘹亮高亢的场景，步入江南水乡小桥流水的评弹婉转低回的意境，以及西南少数民族山林深处的神秘祭祀乐声之中。 全书共分五大部分，结构宏大而逻辑严密： 第一部分：声之源流——历史脉络的深层解码 本部分聚焦于中国传统音乐的“时间轴”。作者摒弃了传统编年史的线性叙述，转而采用“主题式断代”的方法，重点剖析了从先秦雅乐的礼制功能，到唐宋燕乐的世俗化转型，再到明清以来诸宫调与戏曲音乐体系的成熟与分化。特别值得一提的是，作者详尽考证了“工尺谱”在不同地域流派中的演变细节，并结合考古发现的乐器实物，重建了特定历史时期音乐的声学环境与社会功能。读者将理解到，音乐从来不是孤立存在的，它是礼仪、政治、哲学乃至日常生活最直接的听觉体现。 第二部分：地之脉动——区域流派的生态学研究 中国地域辽阔，音乐形态千差万别。本部分是本书最具田野色彩的部分。作者以“生态学”的视角，将中国传统音乐划分为五大功能区： 1. 中原雅正体系（以古琴、古筝为代表）： 探讨其如何从文人修身养性的工具，转化为抒发个体精神世界的载体。 2. 西北边陲叙事歌谣（以秦腔、山歌为代表）： 分析其在极端地理环境下，如何以口头传承的方式，维系社群的集体记忆与身份认同。 3. 江南水乡的精致叙事（以昆曲、评弹、丝竹乐为代表）： 深度解析其对“意境”、“留白”等东方美学原则的极致表达。 4. 西南少数民族的宗教与生活交织（以藏族天籁、彝族毕摩音乐为代表）： 揭示其音乐与萨满、巫术、自然崇拜之间密不可分的共生关系。 通过详尽的案例分析，读者可以看到不同地域的文化“气候”如何塑造了其独特的旋律走向与节奏模式。 第三部分：活态的挑战——传承断裂与身份迷思 本部分直面当代困境。作者以批判性的眼光审视了“非遗保护”的双刃剑效应。一方面，抢救性保护避免了音乐的消亡；另一方面，将鲜活的、在日常生活中流动的音乐“框定”为需要被膜拜的“古董”，是否也扼杀了其生命力？书中对几位“最后一代”民间艺人的访谈录尤为震撼人心，他们讲述了在现代社会中，如何艰难地平衡生计与艺术坚守的矛盾。作者强调，传承的危机不在于技艺的失传，而在于生活场景的消失。 第四部分：跨界与融合——传统元素的现代化重塑 “不破不立”。本部分是全书最具前瞻性的探索，聚焦于“创新实践”。张乐鸣先生细致梳理了近三十年来，传统音乐元素在当代艺术中的成功“嫁接”案例：从二十世纪八十年代初的“新民乐”探索，到当代交响乐团中对民族管弦乐的编配革新；从独立音乐人如何将古老的五声音阶融入电子乐的律动，到舞台剧和电影配乐中对传统音色的巧妙运用。作者提出了“结构母题借用”而非简单的“旋律嫁接”的创新原则，倡导在尊重文化基因的基础上进行深层次的对话与重构。 第五部分：听觉的未来——面向全球的文化互译 在闭幕部分，作者将视野投向全球。他探讨了西方音乐理论体系（如和声学、对位法）如何能反过来为中国传统音乐体系提供新的分析工具，同时，中国音乐的非线性思维与“气韵”概念，又如何能为西方音乐的未来发展提供新的思路。本书的最终结论是：中国传统音乐的未来，在于其持续的“开放性”和在人类共同情感维度中找到的“共鸣点”。 阅读价值： 《古韵新声》不仅是音乐学、人类学、文化研究领域学者案头的必备参考书，更是对中国文化抱有深切关怀的每一位读者，特别是青年艺术家、文化产业从业者、以及渴望在快节奏生活中寻找文化锚点的普通听众，提供了一扇深度理解民族精神的窗口。 它告诉我们：最好的传承，是让古老的旋律，在今天依然能够唱出我们这个时代的心声。 --- （注：本书配有精美插图，收录了大量珍贵的田野考察照片，并附赠一张精选传统乐曲的数字化音轨试听卡，让读者得以“耳闻”其魅力。）

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我最欣赏这本书的地方在于它的叙事方式，它成功地将艺术史的宏大叙事与个体艺术家的“微观挣扎”巧妙地结合起来了。它没有把艺术家塑造成高高在上的天才，而是展现了他们在创作过程中所经历的迷茫、失败与突破。比如，书中讲述凡·高在阿尔勒时期，如何为了追求更强烈的色彩对比，而不断地尝试调整画布的底色和颜料的厚度，这种“试错成本”的描述，极大地拉近了读者与艺术家的距离。阅读过程中，我常常感觉自己不是在看一本教科书，而是在阅读一部部艺术家的传记，只不过这些传记是以作品分析为核心的。它引导我去思考，每一次笔触的背后，都蕴含着艺术家当时的心境和对媒介的深刻理解。这种充满人文关怀的解读，让冰冷的艺术理论变得有温度、有生命力，极大地激发了我重新拿起画笔的冲动，去探索并理解那些看似偶然的创作选择中，所蕴含的必然性。

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我最近在准备一个关于现代艺术流派演变的研究课题，本以为市面上能找到的资料大多都是泛泛而谈，没想到这本书的后半部分简直是为我量身定做的一剂良药。它对20世纪初野兽派和立体主义的交锋，有着独到的见解。作者并没有简单地将这些流派标签化，而是深入剖析了引发这些艺术变革的社会背景和哲学思潮。特别是关于毕加索如何从古典训练中“解构”物体的讨论，书中提供的那些早期草图与最终定稿的对比分析，揭示了一种从具象到抽象的必然性。有一段论述，将立体主义的“多视角叠加”与当时物理学中对时间与空间的新认知联系起来，这种跨学科的洞察力非常令人耳目一新。而且，书中对不同画廊和时期作品的引用非常精准，每一幅插图都配有详尽的注释，包括其创作材料、尺寸，甚至首次展出的地点和当时的评论摘要。这使得阅读不再是单向的接受，而更像是在一个由专业人士带领下的、高效且深入的文献调研过程，极大地拓宽了我的学术视野。

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这本书的实用价值远远超出了单纯的理论学习范畴。我个人对水彩画比较感兴趣，特别是那种英国古典风景画派的湿画法，一直没能掌握其中的精髓。这本书里专门有一个章节，详细拆解了特纳作品中云层和水面的表现技巧。它不是那种“挤一点颜料，然后用笔扫几下”的简单教程，而是极其严谨地分析了颜料浓度、纸张吸水性、笔触速度和水分控制之间的微妙平衡。书中通过一系列对比实验图，展示了当你在半干的纸面上叠加第二层颜色时，颜料会如何“流淌”和“融合”，以及如何通过对笔尖含水量的精确控制来制造出“清晰边缘”和“柔和过渡”的对比效果。我试着按照书中的步骤，用不同的水粉比例在实验纸上操作，惊喜地发现，那些困扰了我好几个月的技法难题，竟然在理论指导下迎刃而解。这本书更像是一位身经百战的导师，用最清晰的语言，将复杂的实践经验固化成了可复制的方法论。

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这本书的装帧设计简直是视觉盛宴，封面那种深邃的墨绿色调，配上烫金的标题字体，拿在手里就感觉沉甸甸的，充满了对艺术的敬畏感。我本来还担心内容会过于枯燥，毕竟艺术史和理论总是容易让人打瞌睡，但翻开扉页后完全打消了疑虑。首先，它对文艺复兴时期意大利的油画技法分析得极其细致，那种对光影、色彩层次的拆解，简直就像是给一幅名作做了一次精密的“手术报告”。作者没有停留在空泛的描述上，而是大量引用了原始文献和艺术家本人的笔记，使得那些遥远的艺术家的创作心路历程仿佛近在眼前。比如，书中对达芬奇“空气透视法”的讲解，不仅有理论阐述，还配上了高分辨率的对比图，让你能直观地感受到远景是如何通过色彩的饱和度和清晰度的变化来营造空间感的。更让我惊喜的是，书中穿插了大量早期素描练习的局部放大图，那些线条的力度、排线的方向和疏密，都是学习者最渴望掌握的细节。这本书的排版也很有章法，知识点之间的逻辑衔接非常流畅，阅读起来有一种被引导着探索的愉悦感，而不是被信息轰炸的压迫感。

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这本书的装帧质量和印刷精度，绝对是收藏级的标准。我发现，很多艺术类书籍为了控制成本，在彩色印刷上总是会牺牲掉色彩的准确性，导致一些深色调的层次感丢失，或者原本鲜艳的色彩显得灰暗沉闷。但这本书在这方面做到了极致。尤其是对印象派作品中“光影碎点”的再现，那些莫奈画作中微妙的黄色、蓝色和紫色光斑，在书中的高清复刻下，依然保持着极强的视觉冲击力和色彩纯度。纸张的选择也是上乘的哑光铜版纸，不仅有效减少了反光，让阅读体验更舒适，同时也更好地承载了颜料的厚重感。我甚至注意到，书的装订方式采用了线装，使得全书可以完全平摊在桌面上，这对于需要对照参考或进行临摹练习的读者来说，是一个非常人性化的设计细节。细节之处见真章，这本书在制作上的投入，充分体现了出版方对艺术作品本身的尊重。

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