数码服装设计与表现技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:高等教育

作者:贺景卫

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:1970-1

价格:40.10元

装帧:

isbn号码:9787040211870

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好的，这是一本关于传统服饰刺绣与纹样传承的图书简介： --- 锦绣华章：中国传统服饰刺绣与纹样深度解析 装帧：精装，全彩印刷，内含大量高清实物与文物图片 页数：约 480 页 开本：16 开 导言：指尖上的历史与文化基因 本书并非聚焦于现代材料与数字化工具在服装领域的应用，而是将目光投向了中国服饰艺术的根基——精湛的手工刺绣技艺及其所承载的深厚文化意涵。在快速迭代的时尚语境下，我们试图通过系统梳理和深入剖析历代服饰上的纹样布局、针法运用及色彩哲学，展现中国传统服饰美学中蕴含的生命力与智慧。 《锦绣华章》致力于成为一部集学术研究、技艺指导与审美鉴赏于一体的综合性著作，它旨在为服装设计专业人士、历史研究者、非物质文化遗产保护工作者，以及所有热爱中国传统文化的读者，提供一个全面而细致的知识图谱。 第一部分：刺绣的千年流变——历史脉络与地域群像 本部分以时间为轴，梳理了中国刺绣从史前萌芽到清末民初的演变轨迹，重点探讨了不同历史时期在政治、经济、审美观念变迁下，刺绣风格所呈现的显著差异。 第一章：文明之初的针影 简述早期纺织品的考古发现，探讨原始图腾向纹饰符号的过渡阶段。 重点分析汉代服饰上的几何纹样与象征意义，例如“云气纹”、“蟠螭纹”等在权力象征体系中的地位。 第二章：盛世的霓裳——唐宋气象 唐代：盛唐气象下，服饰纹样从雍容华贵到开放多元的转变。详细介绍“宝相花”、“对马纹”的流行，及其受西域文化影响的痕迹。 宋代：审美转向内敛与写实。着重分析宋代“写生花鸟”的精微之处，如“月下兰”、“折枝花”等，以及它们在士大夫阶层服饰中的体现。 第三章：技艺的集大成——明清鼎盛时期 明代宫廷服饰的规范化与等级森严的纹样制度。 清代满族服饰文化对汉族刺绣的冲击与融合，详述“吉庆纹饰”（如蝙蝠、寿字、万字纹）的滥用与创新。 第四章：四大名绣的辉煌 本书将四大名绣（苏绣、湘绣、蜀绣、粤绣）作为区域文化差异的集中体现进行深入剖析，而非简单罗列： 苏绣 (精巧细腻)：聚焦于“平针绣”、“套针绣”在表现光影和色彩渐变上的极致成就，解析其闺阁绣与文人画融合的特点。 湘绣 (雄健大气)：侧重于虎、狮等猛兽题材的表现力，分析其“鶼鼒（jīnmíng）”的用线法和对色彩的强烈对比运用。 蜀绣 (严谨平整)：探讨其对生活场景、民俗场景的忠实记录，以及“齐针”技法的平整度要求。 粤绣 (富丽堂皇)：分析其对金银线的大量使用，以及吸收西洋画法所形成的“构图饱满、色彩浓烈”的风格。 第二部分：纹样背后的密码——符号学与文化解读 本部分剥离技法层面，进入服饰纹样的深层含义解析，揭示古代中国人如何通过服饰来表达社会身份、道德期望与宇宙观。 第五章：等级制度与身份标识 详细解读古代官服（如补子、朝服）上纹样的使用规范。九品官服的文禽武兽体系，不仅是图案，更是社会阶层的无声语言。 解析“十二章纹”（日、月、星辰、山、龙、华虫、宗彝、火、粉米、黼、黻、罔罟）在帝王服饰上的布局与哲学含义。 第六章：祈福纳祥的图腾符号 动物纹饰：龙凤的演变与社会地位；“四灵”（龙、凤、龟、麟）的组合意义；民间吉祥物（如蝙蝠、鹿、鱼）的谐音寓意解析。 植物纹饰：花卉与季节的对应关系。重点分析“岁寒三友”（松、竹、梅）、“四君子”（梅、兰、竹、菊）在不同场合服饰上的文化隐喻。 器物与自然：对“福禄寿三星”、八宝、八仙图案的服装应用进行专题研究。 第七章：色彩的仪式感 服饰色彩的运用并非随心所欲，而是遵循严格的礼制与审美规范。 五正色（青、赤、黄、白、黑）与五间色（绛、碧、缊、缥、缥）在朝服中的应用准则。 探讨特定颜色（如明黄、玄色、绛紫色）在不同朝代的专属使用权与文化价值的升降。 第三部分：针法与工艺的精微世界 本部分是技术层面的回归，详细解构那些成就了传统服饰不朽魅力的具体手工技法。 第八章：基础针法的形神兼备 本书收录了约三十种核心传统针法，并配以高清放大图和操作步骤分解图（非数字化示意图，而是基于真人演示的实物拍摄）。 平针：区分直针、横针、斜针、抢针在表现平整度上的细微差异。 套针：如何运用色彩的过渡与晕染，表现丝绸材质的光泽与物体的立体感。 滚针与施毛针：在表现动物毛发和禽鸟羽毛的蓬松质感上的技巧。 第九章：特殊工艺的融合与创新 盘金绣：金属丝线的入线、固定与造型技巧，以及其在宫廷服饰中的应用局限性。 打籽绣：如何通过堆叠细小的线结，营造出颗粒饱满、立体感极强的装饰效果。 堆绫与贴花：探讨如何将刺绣与其他工艺（如缂丝、织锦、绒绣）结合，形成复合型服饰面料。 结语：传统之思，当代之用 在最后的章节中，作者并未急于断言传统工艺的“复兴”，而是审慎地探讨了在现代服装生产体系中，如何理解和尊重这些古老技法的内在逻辑，以及当代设计师在面对传统资源时应有的文化自觉与创新边界。本书强调，真正的传承，在于理解其“为什么”而不是简单地模仿其“是什么”。 --- 适读人群： 服装设计、纺织品艺术、美术史、文化遗产保护专业的学生及研究人员。 博物馆策展人、文物修复师、传统手工艺人。 对中国传统文化、服饰历史有浓厚兴趣的普通读者。

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我对这本书的整体排版和内容的逻辑性印象极其深刻。很多设计类书籍为了追求内容上的大而全，往往会显得杂乱无章，但《数码服装设计与表现技法》的结构非常清晰，知识点层层递进，从基础的软件操作到高级的纹理贴图、再到最终的动态展示，每章都有明确的侧重点。我最欣赏的是它对“技法”的深入剖析，很多是行业内不太常公开分享的“小窍门”和优化流程。例如，它对于如何高效处理复杂印花图案的导入和实时预览，提供了一套非常实用的工作流。这使得我在高强度的工作周期内，能够保持设计质量的同时，极大地提升了工作效率。这本书更像是一位耐心的导师，它不会急于让你学会所有东西，而是确保你每一步都走得扎实、理解透彻。

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作为一名经验尚浅的设计师助理，我常常为如何将脑海中的灵感高效、准确地传达给打版师和市场部头疼。这本书的“表现技法”部分简直是雪中送炭。它清晰地阐述了不同渲染风格对服装气质的影响，比如如何通过光影的变化来强调面料的垂坠感和光泽度，或者如何利用色彩饱和度来烘托季节感。我尝试着运用书中介绍的几个关键技巧，重新制作了一组产品展示图，效果立竿见影，客户和团队的反馈都比以往积极得多。这套书的价值在于它建立了一套从概念到实物的桥梁，让沟通变得无比顺畅。它不只是教你画图，更是教你如何“讲故事”，用视觉语言清晰有力地表达你的设计理念。那种能够跨越专业壁垒进行有效沟通的感觉，真的非常棒。

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这本《数码服装设计与表现技法》简直是为我量身定做的！我一直对服装设计充满热情，但传统的手绘对我来说总有点力不从心，尤其是在色彩和细节的把控上。这本书真正让我看到了数字化的魔力。它不像那些只讲理论的书，而是实实在在地教你如何运用软件工具，从基础的版型绘制到复杂的面料纹理渲染，每一步都有详尽的图文解析。我特别喜欢它对3D建模软件在服装设计中应用的介绍，那种将二维草图转化为立体服装的过程，太震撼了。以前总觉得高端时装大片里的效果很难实现，这本书让我明白，只要掌握了正确的技法，通过数字化的手段，我们每个人都能创造出极具视觉冲击力的作品。对于想要在数字设计领域深耕的朋友来说，这本书绝对是入门和进阶的宝典，它不仅教会你“怎么做”，更激发了你“可以怎么做”的无限可能。

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坦率地说，我一开始对市面上同类的教程有些审美疲劳，它们要么过于侧重于某一款软件的某个特定功能，要么内容陈旧，跟不上行业迭代的速度。然而，这本《数码服装设计与表现技法》展现出了对前沿技术和行业趋势的敏锐把握。它不仅涵盖了主流的2D/3D设计工具的应用，还探讨了虚拟试穿和增强现实（AR）技术在服装展示中的初步应用方向，这让我对服装设计的未来充满了期待。阅读这本书的过程，就像是一次前瞻性的行业调研，它引导我们思考如何将这些尖端技术融入到日常的设计实践中去。它不只是教你如何“做今天的衣服”，更是在教你如何“设计明天的时尚”。这种前瞻性视角，对于渴望保持竞争力的设计师来说，是无价之宝。

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这本书的实战性强到让我有点“手痒”。它几乎没有堆砌那些空洞的理论口号，而是大量的篇幅用于展示实际案例和操作步骤。我尤其喜欢它在“面料表现”这一块的讲解，它细致地解释了不同织物结构（比如丝绸的光滑、羊毛的蓬松）在数字环境中应该如何通过法线贴图、粗糙度贴图等参数进行精确模拟。我过去一直困惑于为什么我的数字渲染总显得“假”，总像是塑料布，读完这一章后，我立刻回去调整了我的参数，结果惊人地接近真实面料的触感和视觉效果。这本书给我的感觉是，它不是在教你做“电脑绘图”，而是教你如何利用电脑的强大能力，去“还原”甚至“超越”现实世界中服装的质感和美感。对于追求极致细节呈现的设计师来说，这本书的价值无法估量。

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