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出版者:高等教育

作者:孙虹

出品人:

页数:293

译者:

出版时间:2007-6

价格:34.10元

装帧:

isbn号码:9787040207910

丛书系列:

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• 视唱练耳
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《和声学基础：从理论到实践的系统探索》 内容简介 本书旨在为音乐学习者、作曲家以及对音乐理论有深入探究意愿的爱好者，提供一套全面且系统性的和声学知识体系。全书结构严谨，逻辑清晰，从最基础的音高概念与音程关系入手，逐步深入到复杂的和声进行、调式转换与配器色彩的运用，力求构建一座理论深度与实践应用完美结合的桥梁。 本书不聚焦于视唱练耳技能的专项训练，而是将重点放在声音的横向组合（旋律）与纵向组合（和声）的内在规律探究上。我们相信，对和声的深刻理解是构建复杂音乐织体、实现个性化音乐表达的基石。 第一部分：和声的基石——音、和弦与功能 本部分旨在夯实读者对和声学基本概念的认知。 第一章：音响世界的初始构建 本章从物理学角度对音高进行界定，详细阐述了十二平均律的原理及其在现代音乐中的应用。重点讨论了纯律与十二平均律之间的差异及其对和声色彩的影响。我们不涉及听觉训练的具体练习，而是从理论层面解析八度、纯五度、大/小三度等基本音程在建立和声基础中的核心地位。 第二章：三和弦的结构与性质 本章深入探讨了最基本的和声单元——三和弦。详尽解析了大小三和弦、增三和弦、减三和弦的构成原理、转位形式及其在不同调性中的功能性差异。不同于视唱练耳中对特定音高或和弦的瞬时识别，本章强调的是三和弦内部音响的稳定性和潜在的导向性。我们通过大量的乐谱示例，分析三和弦在不同音乐语境下所承载的情感色彩。 第三章：七和弦的深化与色彩扩展 七和弦是拓展和声色彩的关键。本章详细分析了属七和弦、减七和弦、半减七和弦的构成、解决方式及其在功能和声中的核心作用。着重探讨了七和弦的“色彩性”——即其比三和弦更为复杂的张力与释放机制。内容涵盖了七和弦在终止式中的决定性地位，以及它们如何构建起古典时期和浪漫时期音乐的逻辑骨架。 第二部分：和声的逻辑——功能与进行 本部分聚焦于和弦之间的逻辑连接，即和声的“语法”。 第四章：功能和声的三大支柱 功能和声是西方音乐体系的核心。本章系统阐述了主功能（Tonic, T）、属功能（Dominant, D）和下属功能（Subdominant, S）这三大功能组的定义、内在联系与相互转换。我们通过分析大量的动机性乐句，揭示T-S-D-T这一基本进行模式背后的驱动力——即对主和弦稳定性的回归需求。 第五章：和声连接的规则与自由 本章探讨了和弦进行中的具体规则，包括平行五八度的避免、声部进行逻辑（如声部进行方向与跨度限制）以及如何利用转位和弦实现更平滑的连接。在此基础上，我们引入了“替代和弦”的概念，探讨功能等效的和弦如何丰富音乐的表达，例如用ii级和弦替代IV级和弦，或使用代理属和弦。 第六章：导向与紧张——副属和弦与导和弦 为了增强音乐的驱动力，本章专门解析了次属和弦（Secondary Dominants）的运用。详细说明了如何构建导向任何一个主要或次要和弦的属和弦，以及这些和弦如何有效地短期“暂时转调”。此外，导和弦（Leading Tone Chord）的特殊功能及其在特定终止式中的应用也被深入剖析。 第三部分：拓展与变奏——调性之外的探索 本部分将视野从传统的大小调体系拓展至更广阔的和声领域。 第七章：调式与借用和弦 本章超越传统大小调的框架，系统介绍自然大调、和声小调、旋律小调的构成及其和声功能。重点在于“借用和弦”（Modal Mixture），即从关系小调或其他大调中借用来增强色彩对比的和弦，如bVI、bIII等在大小调中的灵活应用。这部分内容旨在指导读者如何通过“色彩的切换”来丰富乐句的情感层次。 第八章：半音进行与非功能和声的边缘 随着音乐语汇的拓展，半音进行和弦成为连接远关系调性的重要工具。本章细致研究了减七和弦的结构特性使其成为万能的半音连接和弦，以及增六和弦（意大利式、德意志式、法国式）的结构与它们强烈的解决倾向。这些和弦的分析聚焦于它们如何通过共同音或半音移动实现跨越式调性转移。 第九章：超越传统——调性模糊与现代和声的萌芽 本章概述了后浪漫主义时期作曲家如何挑战传统的功能和声体系。讨论了全音音阶、十二音体系（不涉及具体技法，仅就其和声色彩而言）以及和声的“悬置”现象。目标是为读者理解二十世纪音乐的和声语言打下理论基础，理解和声如何从服务于旋律和结构，转变为成为音乐表现本身。 本书的特点： 1. 理论的深度优先： 内容侧重于“为什么”是如此，而非简单地教授“如何做”。所有概念都辅以严谨的理论推导和历史语境分析。 2. 与视唱练耳的明确区分： 本书专注于声音的静态组合与逻辑推演，不包含任何要求读者进行音高模唱、节奏模仿或听辨和弦性质的练习性内容。 3. 强调逻辑构建： 所有的和声进行都被视为一个逻辑推理过程，旨在训练读者构建清晰、合理且富有表现力的音乐语汇。 4. 丰富的实例分析： 结合了巴赫、莫扎特、贝多芬乃至舒伯特的作品实例，展示和声原理在不同历史阶段的实际应用。 适用对象： 音乐专业学生（非主修视唱练耳方向） 作曲与音乐创作专业人士 致力于深入理解西方音乐结构的中高级音乐爱好者 音乐教育工作者（作为理论参考） 本书提供了一个扎实的理论框架，帮助学习者真正掌握和声的“文法”，从而在创作和分析中获得更强的自主性和创造力。

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我接触过好几本视唱练耳的教材，但这本书在理论讲解的深度上，是让我感到最惊喜的。它不仅仅是机械地罗列音阶和和弦，而是深入挖掘了声音背后的逻辑关系。比如，它对调式色彩的阐述，不是停留在“大调听起来明亮，小调听起来阴暗”这种肤浅的描述上，而是结合了和声功能和历史演变，让你真切地感受到不同调式在情感表达上的细微差别。作者的文字功底非常扎实，即便是最枯燥的乐理概念，也能用生动形象的比喻来解释，让我这个曾经对和声学感到头疼的人，茅塞顿开。特别是关于视唱部分的节奏处理，它引入了非常多原汁原味的民族音乐元素作为练习曲目，这极大地拓宽了我的音乐视野，让我不再局限于古典音乐的框架内思考听觉训练。这种将理论与实践、西方与本土文化巧妙融合的处理方式，非常符合当代音乐教育的需求。

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这本书的配套资源体系建设得非常完善，这在同类教材中是少见的。我指的是它提供的数字化支持服务。通过附带的链接或二维码，我可以方便地访问到所有练习曲目的标准演唱范例和伴奏文件，这对于自学者来说简直太重要了。我可以随时随地跟唱、跟听，反复对比自己的演奏和标准范例之间的差距。更重要的是，它似乎还提供了一些互动性的测试模块，让我可以即时检验自己的听音准确率，并得到反馈。这种“即时反馈”机制极大地提高了学习效率，避免了走弯路。比起那些只有纸质内容、缺乏音源支持的传统教材，这本书完全适应了数字时代的需求，体现了编者对于现代音乐教育媒介的深刻理解和前瞻性布局。

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这本书的装帧设计非常吸引人，那种典雅的米白色封皮配上精致的烫金字体，拿在手里就有一种艺术品的感觉。内页的纸张质量也相当不错，触感顺滑，印刷清晰，即便是长时间对着谱子练习，眼睛也不会感到疲劳。我尤其喜欢它排版的细致程度，每一个音符、每一个休止符都标注得清清楚楚，连那些细微的力度变化和表情记号也毫不含糊，对于我们这些初学者来说，这简直是福音。很多教程为了追求简洁，会把一些细节一笔带过，但这本书显然是下了大功夫的，它更像一位耐心的老师，手把手地指导你如何正确理解和执行乐谱上的每一个指示。翻阅时，那种对音乐近乎虔诚的态度就扑面而来，让人忍不住想要立刻拿起乐器去实践一番。这种对细节的极致追求，使得学习过程变得更加顺畅和愉悦，为后续的深入学习打下了坚实的基础。

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练习册部分的设计简直是量身定做的“魔鬼训练营”，但这种“魔鬼”是良性的，是推动我进步的动力。我注意到，它的难度递进曲线设置得非常科学合理。第一章的练习还很基础，主要巩固音程和三和弦的辨识；但到了中间部分，就开始引入复杂的七和弦、转位和弦的听辨，甚至穿插了一些不协和音程的快速模唱。最让我叫绝的是，它提供的伴奏音轨质量极高，不是那种冷冰冰的电子合成音，而是听起来非常饱满、富有音乐性的真实乐器演奏。这对于模拟真实的合唱或乐队环境至关重要。我每天坚持用它来做听写练习，效果立竿见影，我的耳朵对于节奏的捕捉能力和对高难度和声的敏感度都有了质的飞跃。虽然练习过程偶尔会让人抓狂，但每完成一个章节的挑战后，那种成就感是无与伦比的。

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作为一名声乐专业的学生，我对教材的“可唱性”有很高的要求。很多视唱教材的旋律设计得非常僵硬，读起来和唱起来都像是机器人在念代码，缺乏人情味。这本书在这方面做得非常出色，它的视唱曲目选择了大量优美且符合人声生理特征的片段。你会发现，很多练习曲目本身就是独立的小乐段，旋律线条流畅自然，音域也控制得非常得体，让你在训练技巧的同时，也能享受到音乐带来的愉悦。它不仅训练你的“耳朵”，更在无形中提升了你的“嗓子”——如何用最正确、最放松的方式去准确表达听到的音高和节奏。这种将视唱练习与美声训练融为一体的编排思路，让我觉得物超所值，它不仅仅是工具书，更是一本艺术指导手册。

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