Bruges-la-Morte, which first appeared in 1892, concerns the fate of Hugues Viane, a widower who has turned to the melancholy, decaying city of Bruges as the ideal location in which to mourn his wife and as a suitable haven for the narcissistic perambulations of his inexorably disturbed spirit. Bruges, the 'dead city', becomes the image of his dead wife and thus allows him to endure, to manage the unbearable loss by systematically following its mournful labyrinth of streets and canals in a cyclical promenade of reflection and allusion. The story itself centres around Hugue's obsession with a young dancer whom he believes is the double of his beloved wife. The consequent drama leads Hugues onto a plank walk of psychological torment and humiliation, culminating in a deranged murder. This is a poet's novel and is therefore metaphorically dense and visionary in style. It is the ultimate evocation of Rodenbach's lifelong love affair with the enduring mystery and haunting mortuary atmosphere of Bruges.
Georges Rodenbach (1855-1898) born in Tournai, spent most of his time in Ghent and later Paris where like his childhood friend and Flemish compatriot Emile Verhaeren, he rubbed shoulders with all the main players of the symbolist fin de siecle. But Rodenbach is forever associated with Bruges, the location for his most celebrated and enduring work. He also wrote a number of collections of poetry of which ‘Le Règne du silence’ from 1891 in many ways prefigures Bruges-La-Morte. A further novel ‘Le Carilloneur’ 1897 is also set in Bruges. Several books of short stories, prose poems, and a range of essays on figures such as Rodin, Monet, Huysmans, Verlaine and Mallarmé attest to a prodigious talent. Rodenbach was a typical artist of the decadent period, unfailingly anti-bourgeois, solitary, an aesthete suffering some undisclosed malady of the spirit, a palpable ennui or spleen. But Rodenbach was very much a modern poet too and his precise, delicate, yet existentially muscular poems are still of much relevance today.
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我必须坦诚,这本书的“情感温度”非常低,它几乎是冰冷的,像北欧冬日的雕塑。如果你期待的是那种热烈、充满人情味的叙事,这本书可能会让你感到失望。人物的交流极其克制,对话往往是言而不尽,或者充满了双重含义,大量的“未说出口的话”比实际的台词更有分量。这种疏离感并非作者的笔力不足,恰恰是其高明之处——它精准地捕捉了那种过度敏感、神经质的都市灵魂在面对现实时的自我封闭状态。我感觉自己像个局外人,站在一个精心布置的玻璃箱外,观察着箱内人物的缓慢分解过程。这种观察者的角度,带来了一种独特的智力上的满足感,但同时,也带来了一种深刻的孤独。它让你思考,在极致的个人主义和审美追求中,人际连接是如何被悄无声息地切断的。
评分这本书的叙事节奏简直就像是老式电影的慢镜头,每一个场景都浸透着一种挥之不去的忧郁感,让人仿佛能闻到布鲁日的空气中弥漫的湿冷气息和陈旧石头的味道。作者对环境的描摹达到了令人咋舌的细致程度,你几乎能感觉到那些运河水面泛起的微小涟漪,以及被苔藓覆盖的墙壁上光影的变幻。我特别欣赏作者如何将人物的内在挣扎与城市本身的沉寂与衰败巧妙地编织在一起。主角的心境变化不是那种突兀的爆发,而是像地下水渗透进岩石一样,缓慢而不可逆转地发生着。那种对逝去美好时光的执念,那种试图在过去的幻影中寻找慰藉的徒劳感,被刻画得如此真实,以至于我常常在阅读时需要停下来,深吸一口气,提醒自己这并非我的经历。这本书的魅力在于它的“不动声色”,它不需要宏大的戏剧冲突来支撑,仅仅是日常生活中那些微不足道的细节,那些未被言说的目光和停顿,就足以构建起一个令人窒息的美学世界。它更像是一首用文字谱写的挽歌,献给时间、记忆以及所有我们无法挽回的“曾经”。
评分从文学史的角度来看,这本书无疑是一座风格主义的高峰。它毫不掩饰地向十九世纪末和二十世纪初的颓废主义思潮致敬,同时又带着一种现代主义的疏离感。作者的文字功力毋庸置疑,他对于词语的选择和排列,达到了近乎音乐般的韵律感。那种刻意雕琢的、略显矫饰的句式,初看或许会让人觉得有些疏远,但一旦沉浸其中,就会发现这正是作者为了营造那种“人工的完美”和“精致的腐朽”所必须采取的手段。它探讨了美与死亡、艺术与生命之间那种复杂、暧昧不清的关系,提出了一种近乎病态的审美主张:极致的美往往与毁灭相伴而生。这本书的探讨是深刻的,它不提供廉价的答案或安慰,而是将读者置于一个充满哲学思辨的真空地带,迫使你去直面那些最令人不安的终极问题。
评分阅读体验非常具有挑战性,但收获也同样丰厚。这部作品的语言密度极高,充斥着大量的象征和隐喻,初读时感觉像是在迷宫中摸索,每走一步都需要仔细辨认脚下的标记。它不是那种让你轻松愉悦地消磨时间的读物,它要求你投入大量的精神能量去解码作者精心布置的符号系统。那些反复出现的意象——比如镜子、帷幔、以及某种特定的花卉——它们并非简单的装饰,而是深植于人物心理结构中的结构件。我发现自己经常需要回翻好几页,去重新审视某个看似不经意的段落,因为后来的发展会突然赋予它全新的、令人心惊的含义。这本书的结构也非线性,时间仿佛在作者的手中被揉捏、拉伸和扭曲,过去和现在不断地交织、重叠,让你很难分清哪些是现实,哪些是记忆的投射。这要求读者必须保持高度的警觉和专注,否则很容易在错综复杂的叙事线中迷失方向。
评分这本书的阅读体验更像是一场精心设计的感官剥夺实验。它极力淡化了情节的推进,而将焦点完全集中在主角对特定感觉的捕捉和内化上。空气的味道、家具的质感、窗外某个瞬间的光线角度,这些都被无限放大,成为叙事的核心动力。这种对“当下瞬间”的执着,使得阅读过程变得缓慢而富有仪式感。我发现自己阅读的速度必须配合作者的呼吸频率,急躁只会让你错过那些转瞬即逝的、至关重要的细节。它成功地将一个具体地点(城市)升华为一种纯粹的心灵状态,一座由记忆、恐惧和未竟的欲望构筑的迷宫。它不是关于“发生了什么”,而是关于“如何去感受发生的一切,以及被这些感受所定义”。对于那些厌倦了快餐式文学的读者来说,这本书提供了一种罕见的、需要耐心浇灌才能绽放的阅读体验。
评分"La ressemblance correspond aux deux besoins contradictoires de la nature humaine :l’habitude et la nouveauté"
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