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出版者:百花洲文艺出版社

作者:田本相

出品人:

页数:1039

译者:

出版时间:2007-4

价格:69.80元

装帧:

isbn号码:9787807421825

丛书系列:二十世纪中国学术论辩书系

图书标签:

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• 齐·二十世纪中国学术论辩书系（百花文艺出版社）
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《中国戏剧论辩》是一部深度探讨中国戏剧发展历程及其理论体系的著作，以其宏大的视野、精深的见解和严谨的论证，为读者呈现了一场关于中国戏剧智慧的盛宴。本书共分上下两册，旨在全面梳理和解析中国戏剧自古至今的流变，并深入剖析其核心的理论基石。 上册聚焦于中国戏剧的早期发展与奠基时期。作者从中国古代的歌舞百戏、傩戏等原始戏剧形态讲起，追溯其萌芽和演变。书中详细阐述了唐宋时期参军戏、滑稽戏的兴盛，以及它们如何孕育了后来的成熟戏剧形式。尤其值得一提的是，本书对元杂剧的论述占据了重要篇幅。作者深入分析了元杂剧在结构、表演、音乐、唱腔以及剧本创作等方面的突破性成就，并探讨了其社会背景和文化影响。从关汉卿、马致远到王实甫，各位元代剧作家的代表性作品被一一剖析，其艺术特色、思想内涵以及对后世戏剧的启示都得到了详尽的解读。此外，书中还涉及了元代以后南方戏曲的兴起，如南戏、昆曲等，阐述了它们与杂剧在风格、表演和观众基础上的差异与联系，为理解中国戏剧的地域性发展提供了清晰的脉络。 在理论层面，上册着重梳理了中国戏剧早期形成的理论思潮。作者考察了宋代《梦溪笔谈》、元代《录鬼簿》、明代《曲论》等重要文献，分析了其中关于戏剧的起源、功能、体例、表演规范以及观众心理等方面的早期观点。这些零散而宝贵的论述，构成了中国戏剧理论的早期雏形，本书力求将这些分散的智慧加以整合，呈现其思想的连贯性与发展性。通过对这些早期理论的梳理，读者可以更深刻地理解中国戏剧在形式、内容和美学追求上的独特性。 下册则将目光投向了明清至现当代中国戏剧的演进与深化。本书详细剖析了明清时期传奇的辉煌，特别是汤显祖“临川四梦”的艺术成就及其在戏剧史上的地位。作者深入探讨了传奇在题材、结构、语言和表演上的特点，并分析了其与社会政治、哲学思想之间的互动关系。接着，本书进入了对京剧的系统性研究。从京剧的形成、发展，到其唱、念、做、打的表演体系，再到梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生等京剧大师的艺术贡献，本书都进行了细致的描绘和深入的分析。京剧的四大行当、脸谱、服装、音乐、唱腔等一系列独特的艺术元素，以及其在政治、社会和文化层面的多重意义，都在本书中得到了全面的阐释。 除了京剧，本书还涵盖了地方戏曲的繁荣。作者对豫剧、越剧、黄梅戏、评剧、秦腔等众多各具特色的地方戏曲进行了介绍和分析，展现了中国戏曲百花齐放的生动局面。这些地方戏曲在音乐、表演、语言和地域文化上的独特之处，以及它们在中国戏剧发展中的重要地位，都在本书中得到了充分的肯定。 在理论探讨方面，下册更进一步。本书深入分析了中国近代以来戏剧理论的演变，包括对西方戏剧理论的借鉴与融合，以及由此产生的对中国传统戏剧的再认识。作者探讨了20世纪以来中国戏剧在现实主义、革命戏剧、现代戏等不同流派的探索，并深入分析了其中涌现的重要戏剧理论家和他们的思想。对于当代中国戏剧的现状和未来发展趋势，本书也进行了前瞻性的思考和分析，探讨了传统与创新、民族性与世界性等一系列重要议题。 《中国戏剧论辩》的独特之处在于，它并非简单地罗列戏剧史实或理论观点，而是通过深入的论辩和批判性的思考，揭示中国戏剧发展的内在逻辑和规律。作者在梳理史料、分析作品的同时，更注重挖掘其背后的思想渊源、文化根基和社会动因，并在此基础上提出自己的独到见解。本书的语言流畅而富于思辨性，论证严密而兼具人文关怀，能够引导读者在阅读中不断进行思考和反刍。 总而言之，《中国戏剧论辩》是一部具有里程碑意义的中国戏剧研究著作。它以其全面、深入、系统和富有洞察力的论述，为学者、学生以及所有对中国戏剧感兴趣的读者提供了一个理解和欣赏中国戏剧的绝佳平台。通过上下两册的阅读，读者不仅能领略中国戏剧波澜壮阔的发展历程，更能深刻理解其博大精深的艺术魅力和源远流长的理论体系，从而对中国传统文化及其艺术瑰宝有一个更为深刻和立体的认识。

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我之所以对《中国戏剧论辩（平装 上下）》情有独钟，还在于它为我打开了一个全新的视角来审视那些我们耳熟能详的经典剧目。书中的论辩，很多都围绕着具体的剧目展开，对《牡丹亭》、《西厢记》、《窦娥冤》等作品的艺术价值、思想内涵以及不同时代的解读都进行了深入的探讨。比如，对于《西厢记》中张生和莺莺的爱情，不同学者就存在着“歌颂”与“批判”的不同声音。有人认为这是对封建礼教的挑战，是追求自由爱情的伟大象征；也有人则认为其中存在着“淫邪”的成分，是对传统道德的违背。这些论辩，让我看到了同一部作品在不同历史时期，会因为社会思潮的变化而产生截然不同的解读，也让我反思，艺术的生命力究竟源于何处？它是否能够超越时代的局限，实现永恒的价值？书中那些关于“戏曲的唱腔设计”和“念白艺术”的讨论，也同样让我受益匪浅，让我从理论层面理解了演员是如何通过声音的塑造来表达人物情感的，如何通过节奏的变化来营造舞台氛围的，这些都为我日后欣赏戏曲演出提供了更深的理论准备。

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总而言之，《中国戏剧论辩（平装 上下）》是一部不可多得的学术瑰宝。它以其丰富的史料、深刻的分析和精炼的语言，为我们勾勒出了中国戏剧思想发展的壮丽画卷。通过阅读这本书，我不仅对中国戏剧的历史有了更全面的了解，更重要的是，我学会了如何以一种批判性、探索性的眼光去审视艺术。书中对于“戏曲的未来发展”的各种畅想和讨论，也让我对接下来的中国戏剧充满了期待。我看到了中国戏剧在传承经典的同时，也在积极地探索新的表现形式和艺术语言，以适应时代的发展和观众的需求。书中对“戏曲的音乐唱腔”的论述，也让我看到了中国戏剧在音乐方面的深厚造诣，从咿呀的唱腔到激昂的鼓点，无不展现了中国传统音乐的独特魅力。这本书，不仅是一本工具书，更是一本能够引领我们深入思考、感悟艺术的启迪之书，让我对中国戏剧的认识，从此上升到了一个新的高度。

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《中国戏剧论辩（平装 上下）》给我带来的，不仅仅是知识的增长，更是思维方式的改变。它让我明白，对于任何一种艺术形式，都不能简单地用非黑即白的标准去衡量，而是需要从多个角度、多个层面去理解和分析。书中所收录的关于“戏曲的表演技巧”的论辩，就充分展现了这一点。对于“武打动作”的设计，有人认为应追求逼真，有人则强调其写意性和程式化，这两种观点并非相互排斥，而是共同构成了中国戏剧表演艺术的独特体系。书中对“戏曲的伴奏音乐”的探讨，也让我认识到，音乐在戏剧中扮演着至关重要的角色，它不仅仅是背景烘托，更是与表演、唱腔相互呼应，共同构建完整的艺术画面。尤其让我印象深刻的是，书中对“京剧旦角”表演艺术的深入剖析，让我领略到演员如何在细腻的表演中，将女性的柔美、坚韧和智慧展现得淋漓尽致，这些细节的论述，都让我对中国戏曲表演艺术有了更深的敬意。

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读《中国戏剧论辩（平装 上下）》的过程，是一种不断“被启发”的过程。每一次阅读，都能从中挖掘出新的东西。比如，关于“戏曲的音乐性”与“戏剧性”的辩证关系，书中就存在着两种截然不同的观点。一种认为音乐是戏剧的灵魂，强调音乐在推动情节、塑造人物中的关键作用；另一种则更加侧重于戏剧的叙事功能，认为音乐应服务于戏剧，而非喧宾夺主。这种争议，让我看到了中国戏剧在不断探索其自身艺术规律的过程中，所经历的种种曲折和思考。书中关于“戏曲的服装和道具”的论述，也远非简单的描述，而是深入探讨了这些物质元素如何承载着象征意义，如何服务于“写意”的舞台美学。例如，不同颜色的官服代表着官员的品级，特定的头饰暗示着人物的身份和性格，这些细节的讨论，都极大地丰富了我对中国戏曲舞台呈现的理解，让我看到了其背后深厚的文化内涵和精妙的艺术构思。

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在浩如烟海的中国戏曲研究著作中，《中国戏剧论辩（平装 上下）》无疑是一颗璀璨的明珠。它如同一个精密的过滤器，将历代关于戏剧的精华论述一一呈现，让我得以在短时间内领略中国戏剧思想的演变历程。最吸引我的地方在于，书中不仅仅停留在对理论本身的介绍，更重要的是通过对不同观点的引述、对比和分析，揭示了这些论辩背后所蕴含的时代精神和文化语境。比如，在探讨“戏曲的教育功能”时，不同学者提出的观点，或强调其移风易俗、教化民众的作用，或则认为其应以艺术审美为重，避免过度说教，这些鲜明的对立，正是中国传统社会在面对新兴艺术形式时，思想碰撞的真实写照。我从中看到了戏剧如何从庙堂走向市井，如何与社会变革紧密相连，如何反映民众的喜怒哀乐。这种历史的厚重感，以及对戏剧社会功能的深刻洞察，是我在这本书中收获的最宝贵的财富。更不用说，那些关于“写意”与“写实”、“虚实结合”等中国戏剧核心美学范畴的讨论，它们为我理解中国戏曲独特的艺术魅力提供了理论支撑，让我更加敬佩古人对于艺术的深刻理解和创造力。

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这是一部令人肃然起敬的学术著作，也更是一场跨越时空的思想盛宴。《中国戏剧论辩（平装 上下）》之所以能够在我心中占据如此重要的位置，还在于它所呈现的论辩所蕴含的“争议”本身。这些论辩并非一团和气，而是充满了智慧的交锋和观点的碰撞。例如，关于“戏曲表演程式”的讨论，有人认为这是僵化的束缚，有人则视之为高度凝练的艺术精华，这种不同视角的解读，让我对“程式”这一概念有了更立体的认识。它不是简单的模仿，而是一种高度提炼和象征化的表达，是演员通过无数次的训练和实践，将生活化的行为转化为具有艺术感染力的表演符号。这种辩论，引导我反思，艺术的边界在哪里？创新与传承又该如何平衡？书中那些关于“忠实原著”与“自由改编”的争论，也同样引人深思。在历史的长河中，哪些改编能够让经典焕发新的生命力，哪些又会走向庸俗，这些都需要我们透过具体的论辩来细细品味。这本书提供的，正是这样一个可以深入思考的平台，让我有机会接触到中国戏剧发展过程中那些至关重要的“转折点”和“分水岭”。

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在阅读《中国戏剧论辩（平装 上下）》的过程中，我最深刻的感受之一，便是中国戏剧所具备的“通俗性”与“深刻性”的完美结合。书中的许多论辩，都涉及到了“戏曲的通俗化”问题，即如何让更多的普通民众能够理解和喜爱戏剧。例如，关于“戏曲的语言”是否应该更加口语化，是否应该加入更多的市井俗语，这些讨论都触及到了戏剧与大众之间的关系。同时，书中也毫不回避对“戏曲的哲学内涵”和“美学追求”的深入探讨，许多论辩都触及到了中国传统哲学思想，如“道家”、“儒家”等思想对戏剧艺术的影响。这种将通俗的艺术形式与深刻的思想内涵融为一体的能力，是中国戏剧独有的魅力所在。书中关于“戏曲的服饰象征意义”的讨论，更是让我大开眼界，让我意识到，戏曲演员身上的每一件服装，都有其特定的含义，从颜色、款式到上面的图案，都蕴含着丰富的文化信息，是理解人物身份、性格乃至命运的关键。

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《中国戏剧论辩（平装 上下）》是一部极具挑战性但同时也极具启发性的学术著作。它所汇集的论辩，不仅仅是对中国戏剧历史的回顾，更是对中国戏剧未来发展方向的探索。书中关于“戏曲的现代化改编”的讨论，就涵盖了各种不同的声音，有人主张大胆创新，引入西方戏剧的理念和技术，以适应现代观众的审美需求；也有人则坚守传统，认为任何的改动都可能削弱中国戏曲原有的韵味。这种关于“传承与创新”的持续辩论，至今仍在中国戏剧界回响。我从中看到了中国戏剧在面对现代文明冲击时所经历的阵痛和思考，也看到了无数有识之士为中国戏剧的生存和发展所付出的努力。书中关于“戏曲的剧场空间”的探讨，也让我耳目一新，让我了解到不同时期，戏曲演出的场所是如何变化的，从早期的民间露天演出，到专业的戏院，再到如今的现代化剧场，这些场地的变迁，也反映了戏曲社会地位和传播方式的演变。

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一本厚重的典籍，锁在书架的深处，静待有缘人开启。《中国戏剧论辩（平装 上下）》这名字本身就自带一种学术的庄重与历史的沉淀，仿佛能让人窥见中国戏剧跌宕起伏的发展脉络，那些曾经激昂的辩论、深刻的思辨，都凝聚在这几百页的篇幅之中。初次翻阅，便是被其内容的广度所震撼，从先秦诸子关于“戏”的零星记载，到唐宋元明清各个朝代戏剧理论的蓬勃发展，再到近现代对戏剧形式、社会功能、艺术价值的多元探讨，几乎涵盖了中国戏剧史的每一个重要时期和每一个关键节点。书中所收录的论辩，并非简单罗列，而是经过精心挑选，每一篇都代表着当时最前沿的思潮，最尖锐的观点。阅读这些论辩，就像是在与历史上的智者对话，感受他们对于戏剧艺术的独特见解，以及在不同时代背景下，戏剧所扮演的角色和所承载的意义。我尤其着迷于那些关于“戏曲”的早期论述，那些对于“乐”与“歌”的结合，对于“唱念做打”的初步界定，对于“程式化”的理解，无不展现了中国戏剧在萌芽时期就已具备的东方智慧。这种对戏剧本体的深入探究，以及对戏剧与其他艺术门类之间关系的辨析，为理解中国戏剧的独特性奠定了坚实的基础。

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《中国戏剧论辩（平装 上下）》并非一本轻松的读物，它需要读者投入耐心和思考，但这份投入是绝对值得的。书中对“戏剧的起源”和“戏曲的分类”等基础性问题的探讨，就足以让初学者花费不少时间和精力去消化。然而，一旦你开始沉浸其中，你会发现自己仿佛置身于一个古老的学术殿堂，听着不同时代的学者们就同一个主题进行深入的讨论。例如，关于“净角”的形成和发展，书中就收录了不同时期对其艺术特点、社会功能乃至“脸谱”的解读。这些论述，不仅仅是关于一种表演行当的知识，更是通过一个具体的例子，折射出中国戏剧在不同历史时期，如何不断演进、自我完善的过程。我尤其喜欢书中对于“昆曲”、“弋阳腔”、“梆子腔”等不同声腔体系的论辩，它们不仅描述了不同地方戏曲的独特魅力，更揭示了中国戏剧在地域文化影响下的多样性。这些论辩，让我看到了中国戏剧并非铁板一块，而是充满了生机与活力，并在不断的融合与创新中发展壮大。

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戏剧争论梳理得不错。

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