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出版者:人民教育

作者:赵为

出品人:

页数:118

译者:

出版时间:2006-9

价格:12.80元

装帧:

isbn号码:9787107197918

丛书系列:

图书标签:

• 文学
• 艺术
• 文化
• 审美
• 历史
• 哲学
• 批评
• 鉴赏
• 创意
• 人文

《人间词话》 本书是近代著名美学、文学家王国维的代表作。全书以词话的形式，对宋词的创作、鉴赏、流派以及词人的艺术成就进行了深入的探讨。王国维在书中提出了“境界说”，认为文学创作最重要的是创造出一种独特的艺术境界，这种境界既要有“主观之能动”的精神，也要有“客观之景象”，两者结合才能产生动人心魄的艺术魅力。 《人间词话》并非一味地讲授理论，而是通过大量的宋词名篇和词人故事，生动形象地阐释其艺术主张。他既赞赏苏轼词的豪放旷达，“赤壁者，‘大江东去’之大江也，‘乱石穿空’之乱石也，‘惊涛拍岸’之惊涛也。必有‘大江’、‘乱石’、‘惊涛’，然后为‘赤壁’。”也推崇李煜词的凄婉哀愁，“‘问君能有几多愁？恰似一江春水向东流。’此十字，非但写‘愁’，亦且写‘春水’。”他通过对比分析，揭示了不同词人的艺术风格和创作特点，使读者在品味佳作的同时，领略到词的丰富多姿。 王国维在《人间词话》中，对词的“境界”的阐释，更是点睛之笔。他将词境分为“有我之境”和“无我之境”。“有我之境”，是指词人将自己的情感、思想、理想投射于景物之中，使景物带有浓厚的主观色彩，如“落花人独立，微雨燕双飞”。“无我之境”，则是词人消融于景物之中，以客观的笔触描绘景物，而景物本身已蕴含了深刻的哲理和情感，如“采菊东篱下，悠然见南山”。这两种境界的划分，不仅为后人理解和创作词提供了重要的理论指导，也深刻影响了中国现当代文学的发展。 本书的价值不仅在于对宋词的深入研究，更在于它所蕴含的深刻的艺术哲学思想。王国维对“人生”与“艺术”关系的思考，对“境界”的追求，以及对“哀愁”的独特体悟，都使其成为中国文学批评史上的不朽之作。他认为，优秀的文学作品，往往能触及人内心最深处的情感，引发读者强烈的共鸣。这种共鸣，正是因为作品能够创造出一种超越现实的艺术境界，让读者在其中获得精神的升华和启迪。 《人间词话》行文简约，语言精练，却意蕴深厚。王国维以其深厚的国学功底和敏锐的艺术感受力，将复杂的文学理论融于字里行间，读来既有学术的严谨，又不失文学的雅趣。书中引用的词句，都是历代传诵的名篇，即使是不熟悉宋词的读者，也能从中感受到汉语言文字的独特魅力。 本书还对词人的生平及其创作心态进行了勾勒，如对晏殊的“无事之愁”的解读，对辛弃疾词的“血性”的肯定，都体现了王国维对词人个体命运和创作初衷的体贴关怀。他并非仅仅站在理论的高度审视作品，而是将作品置于词人所处的时代背景和人生境遇之中，从而进行更为全面和深刻的解读。 此外，《人间词话》对中国古代诗歌批评传统的继承和发展，也是其重要意义之一。王国维在继承前人“言志”、“缘情”等传统批评理论的基础上，提出了“境界说”，将中国古典美学推向了一个新的高度。他对词作的鉴赏，既讲究“意”，也讲究“境”，这种“境”的提炼，是王国维对中国古典文学批评的一大贡献。 总而言之，《人间词话》是一部集理论、鉴赏、批评于一体的文学经典。它不仅是研究宋词的必读书目，更是理解中国古典文学精神和美学思想的重要窗口。通过阅读此书，读者可以深刻领略到王国维对文学艺术的独到见解，体悟到中国词作的独特魅力，并从中获得审美上的愉悦和人生智慧的启迪。这本书，值得每一个热爱文学、追求艺术的人细细品读。

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这本书的结构安排着实值得称赞，它不像许多同类书籍那样将文学和艺术割裂开来各自论述，而是巧妙地寻找着两者之间那些若有若无的、却又至关重要的交汇点。我发现自己在阅读关于象征主义文学时，对同一时期象征主义绘画的理解立刻得到了深化，那些隐晦的符号和梦幻的意象在文字和色彩中形成了完美的共鸣。作者似乎是一位极其敏锐的“翻译家”，他能将一种媒介中表达的情感和思想，准确无误地转换成另一种媒介的语言，这种跨界对话的能力令人折服。特别是对“意境”这一东方美学核心概念的探讨，书中引用了大量的诗词和山水画作进行对比阐释，那种空灵、留白的美感被解释得既有哲理深度又不失感性温度。读完之后，我再去看一幅水墨画，听一段古典乐曲，那种“原来如此”的豁然开朗感是难以言喻的。它不仅教我如何看、如何听，更教我如何感受世界，如何用更丰富、更具层次感的滤镜去体验生活中的美。

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这本《文学与艺术》真是让人眼前一亮，它不像市面上那些故作高深的理论著作，而是以一种非常接地气、深入浅出的方式，带领读者领略了艺术的魅力。我尤其欣赏作者在探讨不同艺术门类时所展现出的那种细腻的笔触。比如，在谈到印象派绘画时，作者并没有过多纠缠于晦涩的技法分析，而是着重描绘了光影如何在画布上“跳跃”，如何捕捉了那一瞬间的生命力，让我仿佛身临其境，感受到了莫奈笔下睡莲的温柔与飘忽。再比如，在分析某个经典文学作品时，它没有简单地复述情节，而是巧妙地剖析了人物内心深处的挣扎与渴望，那种对人性的洞察力，简直是直击灵魂。阅读过程中，我感觉自己像是在与一位经验丰富、又充满热情的艺术向导同行，他不仅指引我看到了那些宏伟的殿堂，更教会了我如何欣赏角落里一朵不经意盛开的野花。这种由表及里、由技入情的叙述方式，极大地拓宽了我对“美”的理解边界，让我意识到艺术并非遥不可及的象牙塔，而是我们日常生活中无处不在的呼吸与脉动。全书的节奏把握得恰到好处，既有深入分析的沉稳，又不失对新奇观点的探索欲，读起来酣畅淋漓，收获满满。

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这本书最打动我的地方，在于它展现了艺术创作的“艰辛”与“纯粹”并存的复杂性。作者没有美化艺术家的生活，反而毫不避讳地揭示了创作过程中遭遇的自我怀疑、外界的误解，以及为了追求一个微小光点所付出的巨大心力。我读到描述一位雕塑家如何为了寻找一块合适的石头，走遍了群山的故事时，鼻子不禁有点发酸。这种对匠人精神的深刻致敬，让我对最终呈现在我们面前的艺术品产生了更深一层的敬畏。它不仅仅是视觉或听觉的享受，更是人类意志与材料抗争后留下的印记。此外，书中对艺术的“社会功能”的探讨也十分精辟，它没有将艺术拔高到脱离现实的层面，而是探讨了艺术如何潜移默化地影响社会风气、塑造集体记忆，甚至成为反抗强权的无声武器。这种结合了人文关怀、历史厚度和创作细节的论述，使得整本书的内涵非常厚实，绝非泛泛而谈的入门读物，而是一部值得反复咀嚼的艺术哲学随笔。

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坦白说，我之前对艺术鉴赏抱有一种敬而远之的态度，总觉得那需要极高的专业门槛。然而，这本《文学与艺术》却像一位耐心的导师，用最温和的方式拉近了我和艺术的距离。最让我感到惊喜的是，书中对“媒介的物质性”的探讨。作者花了很大的篇幅来讨论纸张的粗糙感如何影响了诗歌的阅读体验，或是颜料的厚度如何承载了画家的情绪重量。这种对载体本身的关注，是我之前在其他艺术评论中很少看到的角度。它让我开始重新审视那些我习以为常的艺术形式，原来媒介本身也蕴含着强大的信息量和美学意义。书中对现代艺术的介绍也十分到位，它没有一味地追捧“先锋”，而是试图去理解那些挑战传统、甚至令人感到困惑的作品背后的驱动力，提供了一个理解和接纳的桥梁。这种既尊重传统又拥抱革新的态度，让整本书读起来充满了活力和思辨性，它鼓励读者去质疑，去探索，而不是被动接受既定结论。

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说实话，刚翻开这本书的时候，我还有点担心内容会过于学术化，毕竟“文学”和“艺术”这两个词汇本身就带着一种沉甸甸的分量。然而，惊喜的是，作者构建了一个极其富有趣味性的知识迷宫。我印象最深的是关于建筑美学的章节，作者用生动的比喻，将哥特式教堂的飞扶壁比作“天空的骨架”，将巴洛克风格的复杂装饰比作“情感的层层叠叠的堆砌”。这种描述方式，彻底打破了我过去对建筑那种冰冷、僵硬的刻板印象。我以前看建筑总觉得是丈量与结构，读完后才意识到，那其实是凝固的时间，是凝固的情绪。书中对不同时代艺术思潮的梳理，也绝非简单的罗列时间线，而是穿插了大量鲜活的历史轶事，比如某位作家与某位画家的惺惺相惜，或是某个艺术流派诞生时的社会背景与反叛精神。这种“讲故事”的叙事方法，让原本可能枯燥的知识点变得立体而鲜活，让人忍不住一口气读完。它成功地做到了知识性与可读性的完美平衡，让一个非专业人士也能轻松地领略到艺术史的波澜壮阔。

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