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出版者:

作者:布鲁斯·皮尔森

出品人:

页数:48

译者:释真

出版时间:2007-4

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787807510062

丛书系列:

图书标签:

• 短篇小说
• 文学
• 小说
• 现代文学
• 虚构
• 故事
• 青年文学
• 情感
• 生活
• 成长

《音律的翅膀》 这是一部关于声音艺术的深度探索，无关乎具体乐器，而是追溯人类与声音的古老情缘。 从原始部落的呢喃低语，到宫廷庆典的庄严律动，从战场上的呐喊鼓动，到街头巷尾的市井歌谣，本书将带领读者穿越时空的洪流，感受声音如何塑造文化、传递情感、凝聚社群。 书中没有关于特定乐器演奏技巧的枯燥讲解，没有乐谱的繁复符号，更没有乐器发展的技术年表。取而代之的，是文字描绘出的丰富听觉画卷。作者以散文的笔触，描绘了在不同历史时期、不同地域，人们如何利用声音来表达喜怒哀乐，如何通过声音来构建精神世界。 你可以读到关于古希腊戏剧中合唱的震撼力量，它如何引导观众的情绪，讲述深刻的哲理；可以了解到中世纪欧洲教会音乐的圣洁回响，它如何引导人们向上帝祈祷，寻求灵魂的慰藉；还可以体会到东方古国丝竹管弦的细腻婉转，它们如何描绘山水意境，寄托文人情怀。 本书更着重于声音的“意义”。声音如何成为权力象征？声音如何承载记忆？声音如何激发想象？当一种旋律响起，它唤醒的不仅仅是耳朵，更是潜藏在心底深处的种种体验和联想。本书探讨了声音在宗教仪式中的神圣作用，在政治宣传中的号召力，在民间传说中的神秘感，以及在日常生活中传递的温情与关怀。 书中穿插着许多关于声音的哲学思考。声音是短暂的，但它的影响却是持久的。一个音符的消逝，可能在听者心中留下永恒的印记。作者引用了古今中外的哲学家、艺术家、文学家对声音的独特见解，试图挖掘声音背后更深层次的含义。声音与寂静的关系，声音与时间的关系，声音与心灵的关系，都将在本书的字里行间得到阐释。 这是一本关于“听”的书，但它让你“看见”更多。它让你看见那些无形的声波如何编织成生命的脉络，如何成为人类文明不可或缺的一部分。它鼓励读者重新审视生活中的每一个声音，无论是悦耳的还是刺耳的，是熟悉的还是陌生的，因为它们都承载着属于自己的故事和意义。 《音律的翅膀》是一次对人类共通听觉体验的致敬，是一场关于声音文化和声音哲学的感性之旅。它适合所有对声音、对文化、对生活怀有好奇心和探索欲的读者。它不会教你如何发出某个音符，但它会让你学会如何更深切地感受每一个声音，如何在声音的海洋中找到属于自己的共鸣。 本书没有具体的案例研究，没有严谨的学术论证，它更像是一场作者与读者之间关于声音的真诚对话。每一次翻页，都是一次对过往声音的回溯，一次对未来可能性的眺望。它旨在开启读者心中那扇通往声音世界的门，让你在其中自由翱翔，领略无限的可能。 它是一次对“听”的重新定义，将声音从单纯的物理现象提升到艺术、文化、哲学乃至生命意义的层面。阅读本书，就像在聆听一部宏大而又细腻的交响乐，每一个词句都饱含着作者对声音的热爱和对生命的感悟。它没有明确的章节划分，而是如同溪流般自然流淌，引导读者沉浸其中，感受文字与声音交织出的独特魅力。 本书的语言风格朴实而又充满诗意，它力求用最纯粹的文字，去描绘那些最难以言说的听觉体验。它不会使用任何专业术语，不会提及任何晦涩的概念，一切都以最直观、最感性的方式呈现。 这不仅仅是一本书，更是一次邀请，邀请你放慢脚步，用心去倾听，去感受这个充满声音的世界，去发现那些隐藏在日常喧嚣之下的，动人心魄的旋律。它会让你明白，声音不仅仅是存在，更是连接、是表达、是生命本身。

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这本书的封面设计真是太吸引人了，那种深沉的蓝色调配上烫金的字体，立马就给人一种古典而又充满力量的感觉。我本来是抱着随便翻翻的心态去买的，毕竟我对音乐类的书籍了解得不算多，但一翻开，就被作者细腻的笔触给完全抓住了。书中对不同乐器演奏家生平的描绘，简直就像是在看一部部微型的传记电影，每一个转折、每一次挫折，都写得让人感同身受。特别是关于某位二十世纪初的传奇演奏家，如何从默默无闻到站上世界顶级舞台的经历，那段描写我反反复复看了好几遍，文字里充满了汗水和坚持的味道。作者似乎对乐理的把握也极其精准，即便是不太懂古典乐的朋友，读起来也不会觉得晦涩难懂，她总能用非常生动的比喻，将复杂的音乐概念化繁为简。我尤其欣赏书中对“音色”的探讨，那种对‘金色声音’的追寻，那种对空气中震动的捕捉，真的让人对这个乐器产生了无限的好奇和敬畏。这本书不只是在介绍一种乐器，它更像是一本关于追求完美、关于艺术灵魂的哲学小册子，读完之后，感觉整个人都被那种纯粹的热情所洗礼，心灵都变得澄澈了许多。

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这本书的装帧设计非常讲究，纸张的质感一流，拿在手里沉甸甸的，让人油然而生一种珍视感。我通常是一个比较挑剔的读者，尤其对那些名不副实的畅销书常常报以怀疑态度，但这一本，绝对是货真价实的“硬货”。它没有过度地渲染传奇色彩，而是非常克制和严谨地梳理了这一乐器在不同国家、不同流派中的演变路径。我注意到，书中对二十世纪中叶美国爵士乐的兴起部分着墨不多，这反而让我感到一丝惊喜，因为它似乎在刻意避免陷入那种泛泛而谈的“面面俱到”，而是聚焦于它认为最核心的、最具影响力的发展脉络。尤其是关于早年间一些小型乐队或军乐队使用的乐器改装历史，那部分细节的挖掘简直是考古级别的，很多我从未在其他音乐史著作中见过的照片和图表都被收录其中，这对于研究者来说绝对是宝贵的资料。对于我这种业余爱好者来说，它提供了一个既有深度又易于理解的视角，让我明白了为什么有些演奏家能够拥有如此独特的“个人签名音色”，那背后是无数次技术革新和艺术探索的结晶。

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这本书的文字风格简直是行云流水，丝毫没有学者写作的架子，读起来非常舒服，像是一位经验丰富的老乐师在炉火旁，跟你娓娓道来他一生的见闻与感悟。我个人对乐器制造工艺的历史特别感兴趣，这本书里关于金属冶炼、音孔定位等技术细节的描述，清晰到我甚至能想象出当时工匠们额头上的汗珠。不同时期制造厂商之间的竞争、技术革新带来的音准变化，都被描绘得如同精彩的商业竞争史。更难得的是，作者没有让这些技术细节冲淡了艺术的感染力，而是巧妙地将它们作为烘托艺术成就的基石。例如，某位大师之所以能达到前无古人的高音区稳定性，书中会追溯到他使用的某款十九世纪末法国制造的改良型活塞系统。这种“技术支撑艺术高度”的论述方式，让我对这门乐器产生的敬意又深了一层。这本书的价值在于，它成功地架起了一座桥梁，连接了冰冷的物理科学和炙热的人类情感，让非专业人士也能领略到其中蕴含的无穷魅力，绝对值得反复品读和收藏。

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我必须承认，这本书的阅读体验简直是出乎意料的“沉浸式”。它不是那种教科书式的枯燥罗列，而更像是邀请你进入一个充满回响的音乐厅，亲身参与到每一次历史性的演奏中去。书中对特定历史时期，比如浪漫主义晚期到现代主义初期的管弦乐队编制变迁的梳理，详尽而又不失趣味性。作者似乎对当时的社会背景和音乐思潮有着深刻的理解，将乐器的发展巧妙地嵌入到时代洪流之中，让你明白为什么某些声音在那个特定的时候‘必须’出现。我特别喜欢其中一章，专门分析了几部德彪西和拉威尔作品中，对这个声部的精妙运用，那些篇幅里充斥着各种色彩感极强的形容词，什么“月光下的水雾”、“清晨的薄雾”，把原本抽象的听觉感受，用文字具象化地呈现在眼前，真是佩服作者的文字功力。如果说有什么美中不足，可能就是有些篇幅涉及到复杂的配器法时，需要稍微集中注意力，但总的来说，这本书的阅读节奏把握得非常好，总能在你快要被专业术语淹没时，用一个精彩的故事或者一段优美的引文把你拉回来。

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读完这本书，我最大的感受是，它极大地拓宽了我对“艺术表现力”的理解边界。这本书并没有将焦点仅仅放在技巧的展示上，而是深入探讨了演奏家如何通过这个发声体去“对话”——与指挥家、与乐队其他成员，乃至于与观众。其中有一段关于“呼吸与停顿”的讨论，真的非常深刻。作者用一种近乎冥想的方式去描述演奏中那些看似微不足道的停顿是如何积蓄情感张力，又是如何瞬间释放的，读着读着，我仿佛都能感受到那种胸腔里空气的流动和情绪的起伏。这种对非物质层面艺术精神的捕捉，是很多技术类书籍所欠缺的。此外，书中对早期一些著名教材的引用和分析也十分到位，能看出作者在史料搜集上的诚意。虽然书名看起来很聚焦，但其内核却关乎人类表达的共通性，它展示了即便面对一套标准化的乐器和乐谱，个体如何能创造出如此千变万化的声音世界。这本书读起来像是一次漫长而又愉悦的朝圣之旅，让人心悦诚服。

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