艺坛（第五卷） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海世纪出版集团（上海书店出版社）

作者:蒋锡武

出品人:

页数:366

译者:

出版时间:2007-4

价格:33.00元

装帧:

isbn号码:9787806786093

丛书系列:

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《艺坛（第五卷）》内容概述 本书聚焦于19世纪末至20世纪初，欧洲及北美洲视觉艺术领域发生的深刻变革，详细梳理了印象派、后印象派、象征主义、野兽派以及立体主义等关键流派的发展脉络、理论基础及其代表性艺术家的创作实践。 第一章：现代主义的曙光——印象派的余晖与新的探索 本章深入剖析了19世纪后半叶印象主义运动对既有艺术范式的颠覆性影响，并着重探讨了艺术家们在光影捕捉之外，开始转向对内在情感和形式结构探索的过渡阶段。 1.1 印象派的遗产与挑战： 详细考察了莫奈晚期对光线和色彩的物理性研究，特别是他对同一主题（如鲁昂大教堂、睡莲）在不同时间、不同光照条件下创作的系列作品的比较分析。 讨论了德加对动态瞬间和现代都市生活场景的捕捉，尤其关注其在素描、粉彩和雕塑领域的创新。 分析了印象主义在官方沙龙体系中的接受度变化，以及其对年轻一代艺术家的刺激作用。 1.2 后印象主义的多元化转向： 本节是理解20世纪艺术变革的关键。后印象主义并非单一运动，而是数位巨匠在不同方向上的突破。 塞尚与结构的重构： 重点分析了塞尚如何从自然界中提炼出几何形体（圆柱体、球体、圆锥体）的理论实践。他的“多重视角”的尝试，被视为通往立体主义的桥梁。详细考察了他对普鲁斯特峡谷和圣维克多山脉的系列描绘，分析其如何打破传统透视法。 梵高与色彩的情感表达： 探讨了梵高如何将主观情感融入色彩，使其不再仅仅是描绘现实的工具，而是传达内心世界的载体。分析了其著名的星空系列和阿尔勒时期的向日葵，以及其笔触（Impasto）技法如何形成独特的视觉节奏。 高更与象征与原始： 考察了高更在塔希提岛的经历，以及他对“原始性”和东方主义主题的追求。分析了他如何运用平面化的色彩块和粗犷的线条，构建具有强烈装饰性和象征意义的画面，如《我们从哪里来？我们是谁？我们将到哪里去？》。 第二章：迈向非再现性——象征主义与装饰艺术的兴起 本章探讨了艺术界对科学主义和客观描绘的反叛，转向对梦境、神话、心理和装饰美的追求。 2.1 象征主义的内在世界： 分析了象征主义者对文学（如波德莱尔、马拉美）的影响，及其在视觉艺术中对“暗示”而非“描绘”的偏好。 重点研究了古斯塔夫·莫罗（Gustave Moreau）的神秘主义和对古典神话题材的重塑，探讨其如何用华丽、细节繁复的风格营造出异域和颓废的氛围。 考察了奥迪隆·雷东（Odilon Redon）的“黑色时期”作品，分析其对黑暗、梦魇和想象中生物的描绘，揭示其探索潜意识的努力。 2.2 纳比派与图像的平面化： 介绍了以高更的追随者为主体的纳比派（The Nabis），他们主张“一切形式的物体都是一个平面上被安排的色彩的组合”。 分析了埃德加·德加（Édouard Vuillard）和皮埃尔·博纳尔（Pierre Bonnard）如何将印象派的光影处理融入到对室内生活、家庭场景的描绘中，同时强调装饰性和图案化的处理。 2.3 艺术与生活的融合：工艺美术运动的扩展 考察了英国工艺美术运动（Arts and Crafts Movement）对工业化大规模生产的反思，以及其对艺术与设计界限的模糊化尝试。 分析了“新艺术运动”（Art Nouveau）在欧洲大陆的兴起，特别是其对有机线条、植物形态和女性形象的偏爱，以及它如何渗透到建筑、家具、珠宝和平面设计中。重点关注捷克艺术家阿尔丰斯·穆夏（Alphonse Mucha）的版画风格。 第三章：色彩的爆发——野兽派的解放 本章聚焦于20世纪初短暂但极具冲击力的“野兽派”（Fauvism）运动，分析其对传统色彩理论的彻底颠覆。 3.1 亨利·马蒂斯与色彩的主导地位： 详细分析了马蒂斯如何将色彩从描述性功能中解放出来，使其成为表达情感和构建画面的独立元素。考察了其在科利乌尔（Collioure）时期的作品，如《戴帽子的女人》和《生命的喜悦》。 讨论了野兽派如何通过使用未经调和的纯色颜料，并以粗犷、自由的笔触进行创作，来对抗学院派的精致与克制。 3.2 群体动态与影响： 介绍了安德烈·德兰（André Derain）和莫里斯·德·弗拉芒克（Maurice de Vlaminck）等核心成员的合作与分歧。 探讨了野兽派对德国表现主义的间接影响，以及其在短暂辉煌后，艺术家们各自向更结构化或更抒情方向发展的历程。 第四章：视角的革命——立体主义的诞生与演进 本章将立体主义视为现代艺术中最具革命性的里程碑，系统梳理了其从萌芽到成熟的两个主要阶段。 4.1 毕加索与布拉克的初期合作（分析立体主义）： 详述了1907年毕加索的《亚维农的少女》如何成为开端，它吸收了非洲面具和塞尚的结构处理，打破了单点透视的规范。 分析了分析立体主义（Analytical Cubism, 1909-1912）的核心特征：将物体分解为多重、重叠的几何平面，色彩被限制在褐色、灰色和赭石色调中，以突出结构而非表象。详细解析了该阶段的静物画和人像画的阅读难度与理论深度。 4.2 综合立体主义与拼贴的引入： 考察了综合立体主义（Synthetic Cubism, 1912-1914）的转变，艺术家开始重新“综合”物体的形象，通过引入鲜艳的色彩和新的材料，使画面更具可识别性。 重点分析了“拼贴画”（Collage）和“壁饰”（Papier Collé）的发明，这是艺术史上第一次将日常现成品（如报纸、墙纸、木纹）直接引入高雅艺术的范畴，极大地拓展了艺术的边界。 4.3 立体主义的扩散与影响： 简述了立体主义向俄国建构主义、意大利未来主义的影响，以及立体主义语言被用于建筑、文学和音乐的跨界现象。 第五章：速度与机器的崇拜——未来主义的激情 本章聚焦于意大利的未来主义运动，分析其对技术、速度、战争和现代都市的狂热赞美。 5.1 未来主义宣言与激进立场： 详细解读了菲利波·托马索·马里内蒂（Filippo Tommaso Marinetti）的宣言，及其对博物馆、图书馆等传统文化机构的彻底否定。 分析了未来主义者对“同时性”（Simultaneity）的追求，即试图在二维平面上表达时间流逝和运动轨迹的艺术手法。 5.2 动态的描绘： 重点研究翁贝托·薄邱尼（Umberto Boccioni）在雕塑和绘画中对动态能量的捕捉，特别是他如何融合了立体主义的碎片化分析与对速度的描绘，如《连续运动的形态》。 考察了贾科莫·巴拉（Giacomo Balla）对光线轨迹和机械运动的分解描绘。 结语：通往抽象的岔路口 本卷的最后部分将总结这几大流派如何共同构建了通往纯粹抽象艺术的道路。从塞尚对形式的提纯，到立体主义对视角的解构，再到野兽派对色彩的纯粹化运用，现代艺术的基石已然奠定，为20世纪中叶的抽象表现主义和非客观艺术铺平了道路。本书旨在为读者提供一个清晰、深入的认知框架，理解这些艺术思潮如何相互作用，共同塑造了我们今日对“艺术”的理解。

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这本新出的《艺坛（第五卷）》真是让我眼前一亮。我一直关注这个系列，但这一卷的视角和深度都达到了一个新的高度。作者在介绍当代艺术现象时，没有流于表面的描述，而是深入挖掘了艺术背后的社会思潮和文化语境。尤其是关于数字艺术和虚拟现实对传统绘画媒介冲击的那几章，论述得鞭辟入里，让人不得不重新审视我们对“艺术品”的定义。比如，书中对某个新兴的区块链艺术项目进行了细致的案例分析，不仅展示了技术如何重塑艺术品的所有权和流通，更探讨了这种去中心化模式对传统艺术生态权力结构的颠覆性影响。阅读过程中，我常常停下来思考，感觉自己仿佛在跟一位深谙此道的智者对话，他不仅学识渊博，而且视野开阔，总能提供一个令人信服的、多维度的解读框架。它不是一本轻松的读物，需要你投入时间和精力去消化其中的复杂概念，但回报是巨大的，极大地拓宽了我的艺术认知边界。对于任何严肃的艺术爱好者或者从业者来说，这本书都无疑是案头必备的参考书目。

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说实话，我不太习惯那种过于学术化、充满了晦涩术语的艺术评论。但《艺坛（第五卷）》的语言风格却出乎意料地流畅和富有感染力。它成功地搭建了一座桥梁，连接了高深的理论探讨和普通读者的理解。书中的分析不是那种故作高深的“精英化”解读，而是充满了对艺术本质的朴素探求。比如，关于色彩心理学在现代设计中的应用那一块，作者用了很多非常生活化的例子，把原本抽象的理论变得直观易懂。更重要的是，它不满足于描述“是什么”，而是积极追问“为什么”和“怎么样”。每当我在某个议题上感到困惑时，接下来的篇幅总能巧妙地给出更深层次的追问和论证，引导我进行自主的思考，而不是被动地接受既定结论。这种互动式的阅读体验，是很多同类书籍所缺乏的，让人读起来有一种被充分尊重和鼓励的愉悦感。

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我必须承认，最初翻开《艺坛（第五卷）》时，我对它的期望值是比较高的，毕竟前几卷已经奠定了很高的水准。然而，这一卷给我带来了一种沉浸式的、近乎于“体验”阅读的感受。它不像传统的艺术史著作那样冰冷和客观，反而充满了作者对艺术生命力的热切赞颂和批判性反思。最让我印象深刻的是关于地域性艺术流派演变的章节，作者的笔触细腻得像在描绘一幅工笔画，从材料的选择到色彩的运用，再到地域性符号的转化，都展现了惊人的洞察力。我尤其欣赏它在叙事上的跳跃性和灵活性，有时候会突然插入一段历史轶事，或者一段个人化的访谈片段，瞬间将读者的思绪拉回某个具体的创作现场，让人感受到艺术的温度和创作者的挣扎。这本书读完后，我感觉自己对那些曾经感到晦涩难懂的当代艺术作品，都有了一种豁然开朗的感觉，仿佛打开了一扇新的窗户，看到了更广阔的天地。

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这本书的装帧设计和内容编排也值得称赞，可以看出出版方在制作上投入了极大的心力。作为《艺坛》系列的忠实读者，我非常看重图文的结合效果，而第五卷在这方面做得非常出色。那些精选的、往往是首次刊登的艺术作品图片，不仅分辨率极高，而且排版考究，完美地支撑了文字论述的需要。我尤其欣赏它在比较不同文化背景下的艺术发展路径时，所采用的并置对比手法——将东西方在特定主题下的创作进行并列展示，这种视觉上的冲击力，远比单纯的文字描述来得有力。每次翻阅，都像是在进行一次精心策划的微型画廊参观。它不仅仅是一本理论书籍，更像是一本值得反复翻阅的艺术画册，每一次重读，都能发现新的细节和被忽略的视觉信息，极大地丰富了阅读体验的层次感。

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《艺坛（第五卷）》的价值，我认为体现在其对“边缘”和“主流”艺术生态的关照上。在当下许多艺术评论都聚焦于头部艺术家和国际大展的背景下，本书却花了大量的篇幅去探讨那些在主流视野之外默默耕耘的群体和新兴的非主流艺术形式。例如，书中对民间工艺复兴运动的深入调查，不仅展示了这些传统技艺在现代语境下的生命力，更揭示了其背后蕴含的社会意义和身份认同的构建。这种对“低端”文化和“高端”艺术的跨界对话，使得全书的视野更加宏大和包容。它提醒我们，艺术的活力并非只存在于光鲜亮丽的殿堂，而是在广阔的社会肌理中不断生成和演化。这本书成功地做到了既有理论深度，又不失人间烟火气，读完后让人对艺术的未来充满了审慎的乐观和探索的激情。

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本卷所选文章亦都是耐读之作。孙宝瑄的《忘山庐聆曲日记》很好，每日所记并不甚长，但时有“金句”，引人深思。其他有些文章从别的渠道已经读过，但是常读常新，再多读几次也无妨。继续力荐。

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本卷所选文章亦都是耐读之作。孙宝瑄的《忘山庐聆曲日记》很好，每日所记并不甚长，但时有“金句”，引人深思。其他有些文章从别的渠道已经读过，但是常读常新，再多读几次也无妨。继续力荐。

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本卷所选文章亦都是耐读之作。孙宝瑄的《忘山庐聆曲日记》很好，每日所记并不甚长，但时有“金句”，引人深思。其他有些文章从别的渠道已经读过，但是常读常新，再多读几次也无妨。继续力荐。