具体描述
作者简介
鈴木敬（スズキケイ）
大正９年１２月１６日静岡縣伊東市に生まれる。昭和１９年９月東京帝國大學文學部美術史學科卒業。昭和２４年１月國立博物館（現東京國立博物館）館員。文化財保護委員會（現文化廳）、東京藝術大學助教授を經て、昭和４０年東京大學助教授（東洋文化研究所）。昭和４２年同教授。昭和４５年～４７年東京大學東洋文化研究所長。昭和５６年東京大學名譽教授。昭和５９年紫綬褒章。昭和６０年學士院賞受賞。昭和６１年静岡縣立美術館館長。昭和６３年御講書始御進講者。平成２年日本學士院會員。平成３年勲二等瑞寶章受章。平成１９年沒（本データはこの書籍が刊行された当時に掲載されていたものです）
目录信息
図版ー註・参考文献・年表・索引（楚帛書復原圖（戰國）／長沙出土帛畫 人物鶴鯉圖（戰國）／山岳狩獵圖（金銀錯銅筒）展開圖（前漢）／傳顧〓（がい）之 女史箴圖卷 部分（東晉）／司馬金龍墓出土漆屏 故事人物圖 部分（北魏） ほか）／１ 中國繪畫研究史概觀ー中國論畫書を中心に／中國繪畫の史的考察（中國繪畫の起源／魏晉南北朝時代の繪畫ー中國繪畫様式の源流／北朝の繪畫／唐時代／晩唐・五代の繪畫 ほか）
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读后感
用户评价
我得说，这本书的装帧设计确实是下了功夫的，新装版在保持古朴之余，细节处理得非常到位，拿在手里把玩都是一种享受。内容方面，我最欣赏它对宋代院体画的批判性审视。很多通俗读物都将宋代推上神坛，但这本书却冷静地剖析了院体画在追求极致“理”与“法”的过程中，如何逐渐丧失了文人画所推崇的“意趣”。作者对徽宗朝画院的制度化倾向，以及对界画、花鸟画中那种过分写实的倾向，进行了相当犀利的分析，这对于我们理解后世文人画家的“反动”是有重要意义的。它不是一味地歌颂，而是能看到盛世背后的某种局限性，这种客观和审慎的态度，让我对宋代绘画的认识更加全面和立体了。尤其是它对不同画派之间微妙的张力关系的梳理，非常到位。
总的来说，这本书的价值在于其强大的“史识”，它提供了一个宏大且富有层次感的中国绘画发展地图。它不是那种只停留在“这幅画真美”的感性层面，而是将每一阶段的审美取向、技术创新，乃至背后的社会经济因素，都做到了有理有据的阐释。它对材料学和鉴藏史的旁征博引，也为艺术史研究增添了许多可供深入挖掘的支点。对我这样的非专业人士来说，它最大的作用是构建了一个坚实的知识框架，让我在面对任何一幅中国画时，不再是无头苍蝇，而是能够迅速定位其历史坐标，理解其创作的语境。每次合上它，都有一种意犹未尽的感觉，仿佛刚刚完成了一场漫长而又充实的古代艺术之旅，亟待再次启程。
这本册子，拿到手里就觉得分量十足，那种墨香和纸张的质感，瞬间就把人拉回到那个遥远的年代。我尤其喜欢它对早期山水画发展脉络的梳理，那种层层递进的分析，简直就像是跟着一位博学的老师在书房里慢慢品茗。它没有急着下结论，而是耐心地展示了从魏晋风骨到唐代气象的演变，每一个转折点都给出了详实的图像佐证。特别是对于顾恺之和陆探微这些先驱者作品的解读，不仅仅停留在技法层面，更深入地探讨了当时士人阶层的精神追求如何物化到笔墨之间。我常常在翻阅那些古代摹本的局部细节时，感觉到一种穿越时空的共鸣，那种含蓄而又磅礴的气势，绝非几句空洞的赞美可以概括。阅读的过程，与其说是学习知识，不如说是一种与古人对话的修行，让人对“气韵生动”这四个字有了更深刻的体悟。
翻到明清部分，这本书展现出了惊人的广度和深度。我此前对晚明市民趣味的高涨和清初“四王”的程式化有一种模糊的认识，但这本书通过具体的画作分析，把这种转变过程具象化了。作者对董其昌“南北宗论”的继承与发展，以及对后来石涛、八大山人那种打破既有藩篱的“怪诞”风格的评价，尤其精彩。它没有将晚明的商业化视为洪水猛兽，而是将其视为一种文化活力爆发的表征，同时又警惕了过度世俗化可能带来的空洞。而对清初离经叛道的巨匠们的解读，更是充满了同理心，那种在巨大历史变动中寻求自我表达的迫切感，跃然纸上。阅读至此，不得不佩服作者对不同地域、不同流派之间复杂互动的把握能力，简直是一张精密的知识网络图。
这本书的行文风格，坦白讲，初读时需要一点耐心去适应，它不像现代流行的快餐式艺术普及读物那样轻佻，反而带着一种老派学者特有的沉稳和克制。我特别喜欢它在论述元代四家时所采用的叙事方式，不是简单地罗列他们各自的师承，而是将他们置于蒙元交替的宏大历史背景下进行考量。那种在乱世之中，士人如何通过“写胸中丘壑”来安顿自己灵魂的挣扎与超脱，被描述得淋漓尽致。倪瓒的“空白”，黄公望的“萧散”，赵孟頫的“复古”，这些看似孤立的艺术选择，在这本书里被巧妙地串联起来，展现出一种深层的文化逻辑。它让我明白，元代绘画的价值，远不止于笔墨技巧的革新，更在于它确立了一种文人艺术的独立品格，那是对前朝文脉的一种坚守与重塑。
