Art and Architecture in Italy, 1600–1750 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:The Yale University Press Pelican History of Art Series

作者:Rudolf Wittkower

出品人:

页数:392

译者:

出版时间:1999-10

价格:USD 80.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780300078893

丛书系列:

图书标签:

• 建筑史
• 艺术史
• Rudolf-Wittkower
• Italy
• Architecture
• 艺术
• 翻着玩儿
• Art
• 意大利艺术
• 意大利建筑
• 17世纪艺术
• 18世纪艺术
• 巴洛克艺术
• 洛可可艺术
• 艺术史
• 建筑史
• 欧洲艺术
• 艺术与建筑

意大利艺术与建筑：1400–1550年间的辉煌与变革 本书深入剖析了15世纪至16世纪中叶（1400–1550年）意大利艺术与建筑领域所经历的深刻转型。这是一个充满活力、思想碰撞与技艺革新的时代，标志着从哥特式晚期向文艺复兴盛期的全面过渡，并最终延伸至“矫饰主义”（Mannerism）的黎明。研究将聚焦于核心的艺术中心——佛罗伦萨、罗马、威尼斯及其周边地区，探讨这些地区如何成为欧洲文化革新的温床。 第一部分：早期文艺复兴的奠基（1400–1490年） 本部分着重考察文艺复兴运动在佛罗伦萨的萌芽与发展。这一时期的核心特征是对古典主义的重新发现、对人文主义思想的吸收，以及对科学观察在艺术实践中应用的执着追求。 建筑的复兴与空间革命： 我们将详细分析菲利波·布鲁内莱斯基（Filippo Brunelleschi）的突破性贡献。他的圣母百花大教堂穹顶不仅是工程学的奇迹，更是对古罗马宏伟气魄的直接致敬。布鲁内莱斯基对古典柱式、比例和谐与线性透视的系统应用，彻底重塑了建筑的语言。紧接着，莱昂·巴蒂斯塔·阿尔伯蒂（Leon Battista Alberti）作为理论家和实践者的双重身份，通过《论建筑》（De re aedificatoria）确立了文艺复兴建筑的理论框架，并体现在他主持的鲁切莱宫（Palazzo Rucellai）和圣安德烈教堂（Sant'Andrea）设计中，强调了对称、理性与清晰的几何结构。 雕塑的复苏与人体探索： 多纳泰罗（Donatello）是这一领域无可争议的先驱。他的作品，尤其是《大卫》（青铜版），不仅标志着自古罗马以来对独立式裸体雕塑的首次大胆回归，更展现了对人物心理深度和现实主义的深刻洞察。吉贝尔蒂（Lorenzo Ghiberti）的“天堂之门”则体现了将浮雕艺术推向近乎绘画般景深与叙事复杂性的尝试。 绘画中的空间与人性： 马萨乔（Masaccio）的出现被视为绘画史上的一次断裂性飞跃。他将透视法——由布鲁内莱斯基和皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡（Piero della Francesca）在理论上完善的技术——应用于壁画创作中，使得二维表面获得了前所未有的三维深度与体积感。学者们将分析他在《布兰卡契小教堂壁画》中对人物纪念碑性、光影处理（chiaroscuro）的先驱性运用。同时，波提切利（Sandro Botticelli）的作品则展示了人文主义对古典神话题材的偏爱，以及他独特的、富有音乐感的线条美学，尽管他的创作也夹杂着对新柏拉图主义的哲学思辨。 第二部分：盛期文艺复兴的巅峰（1490–1527年） 随着查理八世的入侵宣告了佛罗伦萨主导地位的暂时衰落，权力的中心开始向教皇领地和威尼斯倾斜。这一时期（通常称为“高文艺复兴”）是艺术史上公认的顶峰，其特征是技巧的完美结合、理想化形式的追求，以及对古典和谐的终极表达。 “三巨头”的鼎盛： 莱昂纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）的出现代表了对自然界无尽的好奇心与艺术技巧的完美融合。他的“空气透视法”（Sfumato）模糊了轮廓，赋予作品梦幻般的深度，而他对人体解剖学和心理状态的精确把握，则体现在《最后的晚餐》的戏剧性构图和《蒙娜丽莎》中那难以捉摸的微笑里。 米开朗基罗（Michelangelo Buonarroti）的创作则聚焦于人类精神的崇高与肉体的英雄性。他的雕塑——如罗马的《哀悼基督》（Pietà）和佛罗伦萨的《大卫》——超越了单纯的模仿，致力于表现神圣的理想力量。在西斯廷教堂天顶的壁画中，他以惊人的体力与想象力，重构了人类的创世史诗，确立了“神圣的技艺”的至高地位。 拉斐尔（Raphael Sanzio）则以其无与伦比的构图平衡、清晰的叙事和温和的人性化处理，成为“和谐”的代名词。在梵蒂冈的“签字室”中，他通过《雅典学院》等作品，成功地将古典哲学、神学与艺术完美地融合在一起，达到了古典精神的圆满表达。 威尼斯的色彩革命： 与佛罗伦萨和罗马的“线条主导”（disegno）不同，威尼斯画派，特别是乔尔乔内（Giorgione）和提香（Titian），将“色彩”（colorito）置于首位。他们利用温暖的色调、油画媒介的丰富质感以及对光线和自然景观的沉浸式描绘，创造出一种感官愉悦且富有诗意的艺术体验。提香的肖像画和神话题材作品，其丰富的笔触和对皮革、丝绸等材质的逼真表现，影响了后世数百年。 第三部分：从理想到不安——矫饰主义的兴起（1520–1550年） 1527年“罗马之劫”是意大利自信的巨大打击，也标志着盛期文艺复兴理想的瓦解。艺术家们开始偏离盛期追求的宁静与和谐，转而探索更为复杂、紧张和主观的表达方式，这一风格被称为“矫饰主义”（Mannerism）。 空间的扭曲与主观化： 矫饰主义的艺术家们不再满足于客观的自然再现。雅科波·达·恩波利（Pontormo）和罗索·菲奥伦蒂诺（Rosso Fiorentino）的作品中充斥着拉长的人物形态、非自然的色彩、拥挤的空间布局以及明显的情感不安。例如，蓬托尔莫的《基督下葬》中，人物的肢体语言显得僵硬而富有张力，色彩选择也令人不安。 建筑的动态与反古典： 在建筑领域，朱利奥·罗马诺（Giulio Romano）在曼图亚的泰宫（Palazzo del Tè）中，展示了对古典规范的故意颠覆。通过使用“不和谐”的柱式、夸张的比例和出乎意料的结构细节（如扭曲的檐口），建筑表达出一种游戏性、讽刺性甚至是戏剧性的张力，预示着巴洛克风格的某些倾向。 理论与实践的分歧： 随着艺术家个人风格的日益突出，艺术理论开始倾向于赞美“奇巧”（maniera）而非严格的自然模仿。塞巴斯蒂亚诺·塞里奥（Sebastiano Serlio）的建筑论著虽然仍根植于古典传统，但对风格变体的探索，显示了建筑语言灵活性的增加。 总体而言，1400至1550年的意大利艺术史是一部关于“如何观看世界”的教科书。它始于对理性秩序的坚定信仰，发展到对人类潜能的最高赞颂，最终转向对内心状态和风格实验的审视。这段时期不仅为后来的巴洛克和新古典主义奠定了不可磨灭的基础，也确立了艺术创作中个人天才与集体文化互动的核心模式。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我在寻觅一本能够带我穿越时空，沉浸在意大利巴洛克与洛可可艺术辉煌时期的书籍。当我翻开《Art and Architecture in Italy, 1600–1750》时，便被它磅礴的气势和精美的排版所吸引。这本书不仅仅是一本陈述事实的百科全书，更像是一位深谙此道的老者，用充满智慧和激情的语言，为我娓娓道来那段波澜壮阔的艺术史。从罗马的宏伟教堂到威尼斯的精致宫殿，从卡拉瓦乔的戏剧性光影到贝尔尼尼的动态雕塑，每一页都充满了生命力。作者对于细节的捕捉令人惊叹，他不仅描述了作品的外观，更深入剖析了其背后的历史背景、社会环境以及艺术家的个人奋斗。我可以感受到他在研究过程中付出的心血，那些考证严谨的脚注和参考文献，如同隐藏在作品背后的基石，支撑起整个宏伟的叙事。尤其是书中对艺术家之间相互影响、风格演变的梳理，让我对文艺复兴晚期到洛可可时期意大利艺术的连续性和多样性有了更深刻的理解。我尤其欣赏作者在处理建筑部分时，对空间感和比例的细致描绘，仿佛我正亲自漫步在这些伟大的建筑之中，感受着材料的质感、光线的变化以及空间的流动。书中的插图选择也是极具匠心，它们不仅清晰地展现了艺术品的细节，更在整体的叙事中起到了画龙点睛的作用。读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一场灵魂的朝圣，我仿佛与那些伟大的艺术家和建筑师们进行了一场跨越时空的对话。

评分☆☆☆☆☆

在翻阅《Art and Architecture in Italy, 1600–1750》之前，我对17至18世纪初意大利的艺术与建筑，仅有零散的印象。这本书就像一位学识渊博的向导，带领我系统地、深入地探索了那段辉煌的艺术史。作者的叙事风格非常独特，他能够将历史事件、艺术思潮以及艺术家们的个人经历，巧妙地融为一体，形成一个生动而引人入胜的叙事。我尤其欣赏他对卡拉瓦乔及其追随者们在绘画领域所掀起的革命性变革的详细描述，他深入剖析了“明暗对比法”的运用及其对后世绘画风格的影响，让我对其作品的戏剧性和感染力有了全新的认识。在建筑方面，书中对罗马巴洛克建筑的讲解尤为精彩，从圣彼得大教堂的扩建到伯尔尼尼的广场设计，再到博罗米尼的创新性结构，都展现了那个时代建筑师们对空间、光影和材料的极致追求。书中精美的插图，更是为我的阅读提供了极大的便利，那些高清的图片，让我能够近距离地欣赏到艺术品的每一个细节，感受其精湛的技艺。这本书不仅满足了我对知识的渴求，更点燃了我对艺术的热情，我仿佛能够听到历史的回响，感受到艺术的脉搏。

评分☆☆☆☆☆

要真正理解一段历史，就需要抓住其核心的艺术表达。《Art and Architecture in Italy, 1600–1750》这本书，正是这样一本以艺术为载体，去理解17至18世纪初意大利历史与文化的杰作。当我拿起这本书时，就被它厚重的体量和精美的封面所吸引，这预示着它将是一次深入的艺术之旅。作者的笔触细腻而富有洞察力，他不仅向我们展示了那一时期意大利艺术的辉煌成就，更深入地挖掘了这些艺术作品背后所承载的历史信息、社会价值观以及哲学思想。我尤其赞赏书中对巴洛克艺术的解读，它不仅仅关注了其宏大的规模和戏剧性的表现手法，更深入地探讨了宗教改革后天主教会如何利用艺术来吸引信徒、巩固其影响力的策略。例如，书中对卡拉瓦乔作品中光影运用的分析，让我对其“明暗对比法”的革命性意义有了更深刻的认识。在建筑方面，作者更是将建筑与城市空间、社会功能紧密结合，例如对罗马圣彼得大教堂扩建工程的描述，以及对巴洛克风格喷泉设计的细致分析，都展现了那个时代建筑师们对空间、美学以及象征意义的深刻理解。书中那些质量极高的图片，更是为我的阅读提供了极大的便利，让我能够清晰地欣赏到艺术品的每一个细节。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我都对17世纪和18世纪初的意大利艺术与建筑充满了浓厚的兴趣，尤其着迷于那个时代艺术家们如何在宗教、政治和个人情感的多重驱动下，创造出如此令人震撼的作品。而《Art and Architecture in Italy, 1600–1750》这本书，正是满足我所有好奇心的终极宝藏。这本书的叙事方式极具吸引力，作者以一种非常生动且富有洞察力的方式，将我带入了一个充满创造力和变革的时代。我被书中对巴洛克艺术的解读所深深吸引，它不仅仅关注了其宏伟的外观和戏剧性的表现，更深入地探讨了宗教改革后天主教会如何利用艺术来巩固其影响力的策略。例如，书中对贝尔尼尼在罗马的雕塑和建筑作品的分析，让我能够感受到艺术家如何将宗教情感、戏剧性表现以及对观众心理的强大冲击力完美地结合在一起。在建筑方面，作者更是将建筑设计与城市规划、社会功能紧密结合，例如对罗马广场的设计，以及对威尼斯运河两岸宫殿群的描绘，都展现了那个时代建筑师们非凡的创造力。书中精美的插图，更是为我提供了一个直观的视觉享受，那些高清的图片，让我能够近距离地欣赏艺术品的细节，感受其精湛的技艺。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，要真正理解一个时代的文化，就必须从其艺术和建筑入手。《Art and Architecture in Italy, 1600–1750》这本书，正是这样一本带领我深入了解17至18世纪初意大利社会与文化精髓的读物。这本书的深度和广度都令人惊叹，它不仅仅停留在对作品的表面描述，而是深入挖掘了作品背后的文化、社会和政治因素。作者的学术功底深厚，但他却能用一种极其易懂且富有吸引力的语言来表达，让即便是初涉艺术史的读者，也能从中获益良多。我尤其欣赏书中对巴洛克时期宗教艺术的解读，它不仅仅关注了艺术形式上的表现力，更深入地探讨了宗教改革后天主教会如何利用艺术来吸引信徒、传播教义的策略。例如，书中对一些大型教堂内部装饰的描述，让我仿佛置身于其中，感受着那种神圣而又震撼人心的氛围。同时，作者也对世俗艺术的发展进行了详尽的介绍，例如贵族家庭的肖像画、风景画以及装饰艺术等，这些内容让我看到了艺术在那个时代更为多元的面貌。在建筑方面，书中对罗马、佛罗伦萨等重要城市的地标性建筑进行了细致的分析，从教堂的穹顶设计到宫殿的立面构图，都充满了建筑师们对空间、比例和材料的精妙运用。那些详尽的图示和高质量的图片，为我的理解提供了极大的帮助。

评分☆☆☆☆☆

我一直对意大利在17和18世纪初所涌现出的辉煌艺术与建筑成就深感着迷，而《Art and Architecture in Italy, 1600–1750》这本书，如同一把金钥匙，为我打开了通往那个时代艺术殿堂的大门。这本书的结构设计极具条理性，从艺术风格的演变到地域性的特色，再到重要艺术家和建筑师的生平及其代表作品，都进行了详尽而深入的阐述。作者的叙事方式引人入胜，他能够将复杂的艺术史知识，用一种生动有趣的方式呈现出来，让我在阅读的过程中，不仅能学到知识，更能感受到艺术的魅力。我尤其喜欢书中对巴洛克艺术的深入剖析，它不仅仅关注了其宏伟壮丽的外观，更深入地探讨了其背后所蕴含的宗教情感、戏剧性表现以及对观众心理的强大冲击力。例如，书中对贝尔尼尼在圣彼得大教堂的《圣特蕾莎的狂喜》的解读，让我仿佛能够感受到人物的虔诚与神圣的体验。而在谈及建筑时，作者更是将建筑设计与城市规划、社会功能紧密结合，例如对罗马广场的设计，以及对威尼斯运河两岸宫殿群的描绘，都展现了那个时代建筑师们非凡的创造力。书中精美的插图，更是为我提供了一个直观的视觉享受，那些高清的图片，让我能够近距离地欣赏艺术品的细节，感受其精湛的技艺。

评分☆☆☆☆☆

我一直对17世纪和18世纪初的意大利艺术与建筑充满好奇，尤其着迷于那个时代艺术家们如何在宗教、政治和个人情感的多重驱动下，创造出如此令人震撼的作品。当这本《Art and Architecture in Italy, 1600–1750》呈现在我面前时，我立刻被它厚重的质感和封面设计所吸引。翻开书页，迎面而来的是一股浓郁的历史气息，仿佛能够闻到古老石材和颜料混合的味道。作者以一种非常引人入胜的方式，将我带入了这个艺术的黄金时代。他不仅仅是在罗列艺术家的名字和作品，而是将他们置于当时的历史洪流之中，去探究他们的灵感来源，他们的创作动机，以及他们作品所承载的社会意义。书中对巴洛克艺术的解读尤其独到，它不仅仅关注了其戏剧性的表现手法，更深入地探讨了宗教改革后天主教会如何利用艺术来巩固其影响力的策略。我被书中对贝尔尼尼和博罗米尼在罗马塑造城市景观的论述深深吸引，那种将雕塑、建筑与城市空间融为一体的宏大构想，至今仍令人赞叹不已。同时，作者对卡拉瓦乔及其追随者们在绘画领域掀起的革命性变革的描述，也让我对其“明暗对比法”的运用及其对后世绘画风格的影响有了全新的认识。书中的建筑分析也同样精彩，从教堂的内部空间设计到宫殿的立面装饰，都充满了建筑师们对光影、比例和材料的精妙运用。我能够感受到作者在梳理这些复杂而庞大的艺术体系时所付出的巨大努力，他将看似分散的艺术信息，串联成一条清晰而逻辑严密的叙事线索，使得读者能够轻松地跟随他的思路，深入理解那个时代的艺术脉络。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对欧洲艺术史抱有浓厚兴趣的业余爱好者，我一直在寻找一本能够系统性地介绍17至18世纪意大利艺术与建筑的权威读物。而《Art and Architecture in Italy, 1600–1750》这本书，无疑满足了我所有的期待，甚至超越了我的想象。这本书的编排设计非常人性化，清晰的章节划分，合理的图文比例，以及精美的印刷质量，都为阅读体验增添了不少分数。作者的文笔流畅而富有感染力，他没有采用枯燥的学术语调，而是用一种充满激情和洞察力的语言，带领我走进那个充满创造力和变革的时代。我尤其欣赏作者对不同地区、不同风格艺术家的对比分析，他能够准确地捕捉到他们之间的共性与差异，并将其置于更广阔的历史文化背景下进行解读。例如，在讨论罗马巴洛克艺术时，他不仅仅关注了其宏伟的尺度和戏剧性的表现，更深入探讨了教皇势力、贵族赞助以及反宗教改革运动对艺术发展的深远影响。而在谈及威尼斯画派时，他又精准地捕捉到了其独特的色彩运用和对光影的细腻描绘，以及这种风格在18世纪洛可可时期的延续与发展。书中对建筑部分的论述同样令人印象深刻，作者对圣彼得大教堂的扩建、伯尔尼尼的圣天使桥等一系列重要建筑项目的深入分析，让我对那个时代的建筑理念和技术有了更直观的认识。每一幅插图都仿佛在诉说着一个故事，它们不仅仅是文字的补充，更是对艺术作品本身的一种致敬。

评分☆☆☆☆☆

寻找一本能够深入浅出地讲解17至18世纪意大利艺术与建筑的书籍，是我一直以来的愿望。直到我遇到了《Art and Architecture in Italy, 1600–1750》，我的这份愿望终于得以实现。这本书的深度和广度都令人惊叹，它不仅仅停留在对作品的表面描述，而是深入挖掘了作品背后的文化、社会和政治因素。作者的学术功底深厚，但他却能用一种极其易懂且富有吸引力的语言来表达，让即便是初涉艺术史的读者，也能从中获益良多。我尤其欣赏书中对巴洛克时期宗教艺术的解读，它不仅仅关注了艺术形式上的表现力，更深入地探讨了宗教改革后天主教会如何利用艺术来吸引信徒、传播教义的策略。例如，书中对一些大型教堂内部装饰的描述，让我仿佛置身于其中，感受着那种神圣而又震撼人心的氛围。同时，作者也对世俗艺术的发展进行了详尽的介绍，例如贵族家庭的肖像画、风景画以及装饰艺术等，这些内容让我看到了艺术在那个时代更为多元的面貌。在建筑方面，书中对罗马、佛罗伦萨等重要城市的地标性建筑进行了细致的分析，从教堂的穹顶设计到宫殿的立面构图，都充满了建筑师们对空间、比例和材料的精妙运用。那些详尽的图示和高质量的图片，为我的理解提供了极大的帮助。

评分☆☆☆☆☆

我始终觉得，要真正理解一件艺术品，就必须了解它诞生的那个时代。《Art and Architecture in Italy, 1600–1750》这本书，正是这样一本能够将艺术作品与其历史语境紧密结合的杰作。它不是简单地陈列作品，而是像一位经验丰富的导游，引领我穿梭于17世纪和18世纪初的意大利，去感受那个时代的呼吸，去触摸那些时代的温度。作者的叙事方式极具感染力，他能够将复杂的艺术理论和历史事件，用生动形象的语言娓娓道来，让我在阅读的过程中，不仅能够获取知识，更能感受到一种沉浸式的体验。我尤其喜欢书中对各地艺术中心，如罗马、佛罗伦萨、威尼斯、那不勒斯等的详细介绍，每个城市都有其独特的艺术风格和发展脉络，而作者都能精准地捕捉到这些差异，并进行深入的分析。例如，在谈及卡拉瓦乔在罗马的创作时，他不仅仅关注了其大胆的写实主义和戏剧性的光影处理，更将其置于当时宗教改革的背景下，去理解其作品所带来的冲击力。在描述贝尔尼尼的雕塑时，他更是将作品的动态美、情感表达与宗教叙事完美地结合起来，让我仿佛能够听到石膏被雕刻时发出的声音，感受到人物内心的澎湃情感。书中对建筑的讲解同样细致入微，从教堂内部空间的设计，到庭院的布局，再到立面的装饰，都充满了建筑师们对功能、美学和象征意义的考量。

评分☆☆☆☆☆

常用标签里还有“翻着玩儿”hhh……看了大概三分之一决定放弃- -

评分☆☆☆☆☆

常用标签里还有“翻着玩儿”hhh……看了大概三分之一决定放弃- -

评分☆☆☆☆☆

只读了建筑部分。从Bernini，Borromini，Pietro da Cortona，到Guarini和Juvarra，这时的意大利建筑正在经历几乎是最后的辉煌。教授说should read Wittkower，读了发现他写书写得太好，但有些词汇语法句式都写出了花的句子真的让我头痛。

评分☆☆☆☆☆

只读了建筑部分。从Bernini，Borromini，Pietro da Cortona，到Guarini和Juvarra，这时的意大利建筑正在经历几乎是最后的辉煌。教授说should read Wittkower，读了发现他写书写得太好，但有些词汇语法句式都写出了花的句子真的让我头痛。

评分☆☆☆☆☆

哇……忽然感觉这书好贵哇，卓越居然卖900多块！幸好有图书馆，否则……